Exposição de Caravaggio no Masp

Caravaggio: São Francisco meditando

Foi aberta hoje, 2 de agosto, ao público a exposição “Caravaggio e seus seguidores”, no Masp, em São Paulo. Antes das onze horas, umas quarenta pessoas em fila aguardavam a abertura da maior exposição do mestre do Barroco na América do Sul. A mostra passou antes por Belo Horizonte, Minas Gerais, na Casa Fiat de Cultura e recebeu um público de cerca de 80 mil pessoas. A expectativa é que em São Paulo, o público atingido seja bem maior, pela importância desse evento.

O curador brasileiro da exposição, Fábio Magalhães, explicou que essas sete obras do pintor italiano representam 10% de sua produção, que chegou a umas 70 pinturas. Mas uma boa parte delas estão em igrejas italianas, enquanto outras pertencem a acervo de museus que não as emprestam.

As obras de Caravaggio expostas no Masp são:

São Jerônimo escrevendo / São Francisco em meditação / Medusa Murtola / Retrato do Cardeal / São João Batista alimentando o cordeiro / São Januário degolado / Cópia de São Francisco em Meditação - autor desconhecido - séc. XVII / Cópia de Os Trapaceiros - autor desconhecido - meados do séc. XVII.

Artemisia Gentileschi: Madalena desmaiada

Entre os antigos seguidores do mestre, estão presentes nessa exposição:

Artemisia Gentileschi (1593-1653): tela “Madalena desmaiada”

Bartolomeo Cavarozzi (1587-1625): tela “Virgem com o menino”

Giovanni Baglione (c.1566-1643): tela “Ecce homo”, 1606, óleo sobre tela, 163 x 116 cm, Galleria Borghese, Roma

Giovanni Battista Caracciolo (1578-1635):tela “Lot e as filhas”

Hendrick van Somer (1615-1684/85): “São Jerônimo”

José de Ribera (1591-1652): tela “São Tiago Maior”

Leonello Spada (1576-1622): tela “Coroação de espinhos”

Mattia Preti (1613-1699): tela “Negação de Pedro”

Orazio Borgianni (1574-1616): tela “Autorretrato”, 1614-15, óleo sobre tela, 55 x 39 cm, Galleria Nazionale d’Arte Antica di Palazzo Barberini, Roma

Giovanni Baglione: "Ecce homo"

Orazio Gentileschi (1563-1639): “Maria Madalena”, séc. XVII, óleo sobre tela, 82,3 x 68,5 cm, Coleção privada

Orazio Riminaldi (1593-1630): tela “Sacrifício de Isaac”

Simon Vouet (1590-1649): tela “Herodíades com a cabeça do Batista”

Tommaso Salini (1575-1625): tela “Interior de cozinha (o macaco e o gato)”

Valentin de Boulogne (1591-1632): “Santa Família com São João Batista”

Não são somente estes os pintores considerados “caravaggistas”. Caravaggio deixou seguidores em diversos países. São eles, os italianos: Bartolomeu Manfredi, Carlo Saraceni, Cecco del Caravaggio, Carlo Selitto, Giovanni Serondine, Massimo Stanzione, Bernardo Cavallino, Cesare Fracazano, Mario Minniti, Giuseppe Vermiglio; os franceses:  Georges de La Tour, Nicolas Tournier, Louis le Nain e Antoine Le Nain, além de Simon Vouet e Valentin de Boulogne, presentes nesta exposição. E mais os espanhois, além de Ribera: Francisco de Zurbarán, Bartolomeu Esteban Murillo, Francisco Ribalta, Juan Bautista Maíno e Diego Velázquez.

Mas também influenciou diversos outros pintores flamengos e holandeses, como Rembrandt, Vermeer, Rubens, Franz Hals, Van Dyck, entre outros.

A exposição segue até o dia 30 de setembro, depois seguindo para Buenos Aires, na Argentina. O evento faz parte do “Ano da Itália no Brasil”.

MASP

Avenida Paulista, 1578 - metrô Trianon

De terça a domingo: 11h às 18h

Terças-feiras: Entrada grátis

Quintas-feiras: aberto até às 20h

Entrada: R$ 15,00

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POSTS SOBRE CARAVAGGIO E OS CARAVAGGESCOS:

- Caravaggio, arte e rebeldia

- Caravaggio vem aí!

- Caravaggio e seus seguidores

- Exposição de Caravaggio em Minas Gerais

- Exposição de Caravaggio no Masp

- A sombra de Caravaggio

- Artemisia Gentileschi, caravaggesca

- José de Ribera, caravaggesco

- Hendrick van Somer, caravaggesco da escola de Ribera

- Valentin de Boulogne, o "Inamorato"

Um Modigliani inquieto

Modigliani: O pequeno camponês, 1918

O Museu de Arte de São Paulo – MASP – está apresentando uma exposição bastante reduzida sobre a obra do pintor italiano Amedeo Modigliani, intitulada "Modigliani: Imagens de uma Vida". São apenas 11 pinturas do artista, mais algumas de outros seus contemporâneos e alguns desenhos. Fui ao MASP com a intenção de ver de perto a arte de Modigliani, mas infelizmente não saí satisfeita.

A exposição vinha sendo preparada há dois anos. Passou primeiro pela China, vindo depois ao Brasil. Os moradores do Rio de Janeiro tiveram mais sorte, pois a mesma exposição foi apresentada lá no Museu Nacional de Belas Artes, com 166 peças. Depois foi para Vitória, ES, com 150 obras e depois da exibição no Masp, seguirá para o Museu Oscar Niemeyer em Curitiba.

Os organizadores da exposição aqui em São Paulo apontam a falta de espaço, no MASP, para que viessem mais obras. Nós, moradores desta cidade, que costumamos frequentar eventos artísticos,sabemos que ainda falta espaços culturais aqui para grandes mostras de artes, ou mesmo para grandes espetáculos musicais ou teatrais. Os poucos espaços que temos – quase restritos ao MASP, Pinacoteca, MAM e MAC – estão ficando cada vez mais exíguos num momento em que vemos que o Brasil tem sido cada vez mais um polo de atração para grandes mostras de artes.


Saí, portanto, decepcionada da exposição, que preencheu as lacunas com muitos textos e fotos impressas de obras originais, numa intenção de traçar uma linha do tempo da obra de Amedeo Modigliani. Resolvi complementar minha visita ao MASP, subindo até o segundo andar e ver de novo as obras do acervo, onde constam também duas pinturas desse artista italiano.A exposição que vi aqui no MASP dá apenas uma pálida ideia de quem foi esse artista.


Biografia

Amedeo Modigliani

Amedeo Modigliani nasceu no dia 12 de julho de 1884, em Livorno, na Itália. Era o mais novo de quatro filhos de Flaminio e Eugénie Modigliani. Sua família, mesmo sendo de origem burguesa judaica, estava em situação muito precária, quando ele nasceu. Uma crise econômica na Itália alcançou a empresa da família Modigliani, que faliu. Sua mãe, para ajudar no sustento dos filhos, teve que dar aulas particulares e fazer traduções de textos.

Com 14 anos de Idade, Amedeo Modigliani é acometido de febre tifoide. Sua saúde foi frágil a vida toda. Nesse período, ele abandona cada vez mais a escola e se interessa pelo desenho. Se inscreveu na Academia de Arte de Livorno e teve lições de pintura com Guglielmo Michelli. Seu irmão mais velho Emanuele foi mandado para a prisão por causa de suas atividades políticas. Mais tarde ele virá a ser uma das principais lideranças do Partido Socialista Italiano.

Em 1900, Amedeo adquire uma tuberculose que faz com que ele passe o inverno em Nápoles, Capri e Roma. Em 1902, se inscreveu na Scuola Libera di Nudo de Florença. Nessa cidade, visita os museus e as igrejas com a finalidade de estudar a arte do Renascimento. No ano seguinte vai com seu amigo Oscar Ghiglia para Veneza e se matricula no Istituto di Belle Arti di Venezia e participa de aulas de modelo vivo. E mais uma vez, em museus e igrejas, faz estudos intensos sobre as obras dos antigos mestres.

Em 1906, Modigliani se muda para Paris, se instalando num pequeno apartamento no bairro de Montmartre, onde moravam inúmeros outros artistas. Lá começou a frequentar as aulas de modelo-vivo da Académie Colarossi. Vive uma vida boêmia, embriagando-se todas as noites, fumando haxixe, frequentando os cabarés de Paris. Sua pobreza era extrema, e ele mal tinha o que comer. Muitas vezes só podia pagar para comer e beber, desenhando retratos de clientes nos bares de Montmartre e Montparnasse.

Modigliani

Um médico jovem, Paul Alexandre, junta-se com o irmão e alugam uma casa para apoiar jovens artistas, entre eles Amedeo Modigliani. Compraram dele quadros e desenhos e conseguiram umas encomendas de retratos. No Salão de Outono de 1907, o pintor já participa com algumas obras. Foi a uma retrospectiva da obra de Paul Cézanne, que o deixou bastante impressionado.

Aqueles eram tempos de mudanças profundas nas artes plásticas. Desde o realismo de Gustave Courbet, que trouxe novidades revolucionárias ao velho classicismo francês, dando inspiração a movimentos como o dos Impressionistas, pintores e escultores faziam novos e muitos experimentos artísticos. Paris era o celeiro maior da pintura moderna no mundo. O pintor francês Toulouse-Lautrec frequentava os cabarés parisienses pintando as cenas que observava, deixando uma marca muito própria na pintura. Por outro lado, na Alemanha, Edvard Munch, um pintor norueguês, dava os primeiros toques para o surgimento do movimento expressionista alemão.

Modigliani vive em meio a essas mudanças. Trabalha com afinco em suas pesquisas na pintura, assim como é um ativo frequentador da vida boêmia de Paris, mesmo com uma saúde muito frágil. Muda de casa várias vezes e frequenta diariamente o cabaré “Le Lapin Agile”, de Montmartre, aonde iam também seus colegas de profissão, como Pablo Picasso, Juan Gris, Van Dongen, entre outros, e os escritores André Salmon e Guillaume Apollinaire.

Ele também era amigo de artistas como Marc Chagall, Chaïm Soutine, Blaise Cendrars e Diego Rivera, mais tarde.

Modigliani: Jovem mulher de olhos azuis

No bairro de Montparnasse, também em Paris, conhecido local de moradia e estudo de artistas de vanguarda, conviviam artistas, intelectuais, boêmios e aqueles que pregavam a vida em comunidade.

Modigliani era também um conquistador.

Sua primeira grande paixão foi por uma lavadeira loira, chamada Maud, que posou para ele como modelo. Mas outras moças passaram pela vida dele: Gilberte, Elvire, Lola... Em 1910, vagando pelas ruas, Modigliani encontra no Quartier Latin com a poetisa russa Anna Achmatova, com quem ele mantém um relacionamento turbulento, que durou dois anos. Em 1914, outra mulher entra na vida de Amedeo: Beatrice Hastings. Com ela, ele viveu uma paixão violenta, agressiva, permeada de brigas, em meio ao álcool ao haxixe. Mesmo assim, Beatrice tenta impor a ele um ritmo mais contínuo de trabalho.

Ao mesmo tempo ele mantém uma relação com Simone Thiroux, que fica grávida e tem um filho dele. Mas foi 1916 que ele conheceu Jeanne Hébuterne, que tinha 19 anos e estudava na Académie Colarossi. Ele vai morar com ela na Rue de La Grande Chaumière, onde fica a famosa academia de arte.

No dia 24 de janeiro de 1920, morreu Amedeo Modigliani, no Charité de Paris, com 35 anos de idade. Estava tuberculoso, pobre e enfraquecido por uma vida inteira de dedicação à arte. Ele tinha se convertido no artista sofredor de Paris, um pintor que não poupava nem sua saúde frágil na criação de suas obras. Sua companheira Jeanne, grávida de 8 meses, não suportou a perda do amado e atirou-se do quinto andar do prédio onde moravam, no dia seguinte.

Modigliani deixou uma grande. Suas figuras alongadas são sua marca pessoal e seu modo de mostrar ao mundo a sua forma individual de ver pessoas e coisas. Pescoços longos, verticalizados, sustentam rostos um tanto entristecidos, olhares opacos. As cores são chapadas, as pinceladas lineares. Fez parte de um momento onde o artista como ser humano buscava experimentar novas formas de ver e de pintar o mundo. Aquilo era tudo novo, mas tudo parte de um momento histórico específico. A humanidade vivia os preparativos de duas guerras sanguinárias e mudanças revolucionavam vários países do mundo, como a Rússia. O indivíduo buscava seu lugar em meio aos redemoinhos incansáveis e contsantes do espírito daquela época.

Modigliani: Nu em vermelho, 1917

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Serviço:
MODIGLIANI - IMAGENS DE UMA VIDA
MASP - Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand
Avenida Paulista, 1578 São Paulo
De 3ªs a domingos e feriados, das 11h às 18h. Às 5ªs: das 11h às 20h. 
Ingressos: R$ 15,00 (Estudantes, professores e aposentados: meia-entrada)Às 3ªs feiras: acesso gratuito a todos

De Chirico, o sentimento da arquitetura

Foi inaugurada ontem, 22 de março, no Museu de Arte de São Paulo – MASP – uma exposição com 122 obras do artista italiano Giorgio de Chirico, cedidas pela Fondazione Giorgio e Isa de Chirico. Essa exposição, como outras que estão ocorrendo no Brasil neste ano, faz parte do evento Ano da Itália no Brasil. A curadoria é de Maddalena d’Alfonso (crítica de arte e arquiteta italiana), que escolheu obras, em sua maioria, da última fase do artista, intitulada de neometafísica.


De Chirico viveu em várias cidades da Europa, assim como em Nova Iorque, EUA. O imaginário urbano e os efeitos da cidade moderna sobre o homem, são uma temática constante em suas pinturas. “A ‘vida silente’ que emana das obras nos dá a sensação não só do sonho, mas também da desolação, da incongruência, do aspecto enigmático do lugar representado”, afirma Maddalena D´Alfonso, a curadora desta exposição.


Para Teixeira Coelho, curador do MASP, “se Turner, Monet e Van Gogh foram nomes da expressão mais alta do século XIX que entrava numa era que parecia do encanto, De Chirico, Delvaux e Hopper são os profetas de uma nova idade, a do espanto. E não há nada de metafísico nisto; apenas a física mais dura, a realidade mais concreta. Terrível – ainda assim, cativante”. É o que ele diz no texto de apresentação da mostra, no site do MASP.


A exposição dá ênfase para a arquitetura, um dos motivos centrais da obra do artista, que dizia: “o sentimento da arquitetura é, provavelmente, um dos primeiros que os homens experimentaram. As moradias primitivas encravadas nas montanhas, reunidas no meio de pântanos, indubitavelmente originaram nos nossos antigos avós um sentimento confuso feito de mil outros e que desencadeou, no decorrer dos séculos, aquilo que nós chamamos sentimento da arquitetura”.


Biografia

Giorgio de Chirico nasceu em Volos, na Grécia, no dia 10 de julho de 1888, mas seus pais eram italianos. Seu pai, Evaristo, que era engenheiro ferroviário, morreu em 1905, causando uma dor profunda no menino, que ele expressou em sua criação plástica ao longo da vida. Com a morte do pai, Giorgio, sua mãe e seu irmão Andrea (músico, pintor e ensaísta, que adotou o nome artístico de Alberto Savinio) passaram uma curta temporada entre Veneza e Milão, mas logo mudaram-se para Munique, na Alemanha. Lá, na Academia de Belas Artes daquela cidade, ele continuou os estudos de arte que havia iniciado na Escola Politécnica de Atenas. 


Esses anos em que morou na Alemanha produziram uma grande transformação intelectual e espiritual no jovem Giorgio: conheceu a pintura simbolista de Max Klinger e Arnold Böcklin, ao mesmo tempo em que mergulhou na leitura dos livros dos filósofos Arthur Schopenhauer e Friedrich Nietzsche.


As pinturas de Klinger e Böcklin, que mostravam uma ambigüidade entre a realidade e o estado do sonho, assim como uma temática voltada para a existência solitária do indivíduo, que eram próximas das investigações de Sigmund Freud sobre o mundo onírico, atraíram a atenção de De Chirico.


No verão de 1909 voltou para a Itália, passando seis meses na cidade de Milão. No começo de 1910, foi para Florença, onde pintou o quadro "O enigma de uma tarde de outono", a primeira de suas obras da série "praça metafísica". Ele conta, sobre isso, que teve uma experiência decisiva, quase inexplicável, na Praça de Santa Cruz, em Florença. Ele explica, num texto de 1912, que naquele dia estava convalescendo de uma infecção intestinal, que lhe deixava num estado meio mórbido. Foi então que ele, olhando para a praça, viu, naquela “límpida tarde de outono” como se fosse a primeira vez, a praça e tudo o que nela havia, em especial a fachada da igreja de Santa Cruz e um monumento a Dante Alighieri. Fruto dessa experiência, pintou seu primeiro quadro metafísico.

O enigma de uma tarde de outono

No ano seguinte, De Chirico passou alguns dias em Turim, ainda na Itália, à caminho de Paris, e ficou impressionado com o que chamou de “aspecto metafísico de Turim", ao observar a arquitetura de suas arcadas e praças. 


Em sua Autobiografia, de 1945, escreveu que “O que Nietzsche de fato descobriu de novo é uma poesia estranha e funda, infinitamente misteriosa e solitária, que surge da atmosfera de uma tarde de outono, quando o tempo está claro e as sombras são maiores do que no verão. Pode-se viver esta experiência extraordinária nas cidades italianas e em algumas outras do Mediterrâneo, como Niza; mas a cidade italiana por excelência, para essa experiência, é Turim”.


Suas pinturas produzidas entre 1909 e 1914 são as mais conhecidas. Esse período é conhecido como "período metafísico" e as figuras de seus quadros evocam ambientes sombrios. Já nessa época, seus modelos eram paisagens urbanas inspiradas nas cidades mediterrâneas. Com o tempo, sua atenção foi se voltando para estudos de compartimentos cheios de objetos, muitos dos quais eram manequins.

Música de amor

Em 1911 vai para Paris.  Lá, ele realiza uma série de quadros, exatamente a série das praças italianas. Giorgio viveu em Paris até seu alistamento militar na Primeira Guerra Mundial, em março de 1915.


Muitos artistas das primeiras décadas do século XX reconhecem a influência, em suas obras, da pintura de De Chirico, como Max Ernst, René Magritte e Salvador Dali. Sua pintura metafísica é considerada um dos maiores antecedentes do movimento surrealista. Um dos exemplos seguidos depois pelos surrealistas era a representação de outras obras dentro da própria obra, que caracterizou bastante o surrealismo, e que já estava presente em De Chirico.


Essas obras baseadas na representação de espaços urbanos, onde predominam os elementos arquitetônicos e a projeção de sombras, quase não possuem presença humana. Dá a impressão de que o artista criava um espaço estranho, atemporal, calmo e silencioso. Inabitado.


A partir de 1914, De Chirico pinta os manequins sem rosto, sem olhos, compostos e pontilhados por estruturas de madeira, algumas vezes recortadas em formas geométricas. Mas o período propriamente “metafísico” de sua obra, termina em 1919. Esses manequins que povoam as pinturas dessa fase de De Chirico são as mais enigmáticas e mais emblemáticas do período "metafísico", embora eles estejam presentes em seu trabalho até o fim de sua vida.


Giorgio de Chirico morreu em 20 de novembro de 1978, em Roma, Itália.


Serviço:
DE CHIRICO: O SENTIMENTO DA ARQUITETURA 
De 22 de março até 20 de maio de 2012
MASP
Avenida Paulista, 1578
São Paulo - SP

Grandes exposições em 2012

Desde outubro de 2011, inúmeros eventos marcam o Ano da Itália no Brasil, com espetáculos artísticos e culturais que vão desde apresentações de teatro, arte, música, feiras, festas, esportes e cinema, que marcam as profundas relações culturais entre os dois países.


O Brasil possui mais de 30 milhões de descendentes de italianos, que moram sobretudo em São Paulo, que será um dos grandes palcos desses acontecimentos artísticos e culturais. Mas a programação do Momento Itália-Brasil não se restringe a São Paulo: estará presente em todo o Brasil, como mostra esta Programação (clique aqui para abrir o arquivo em PDF).


Destacamos dois grandes eventos, entre outros (mostras dos artistas Eliseu Visconti, Amadeo Modigliani, De Chirico, Maria Bonomi, etc):


1 - Roma – A Vida e os Imperadores

Cícero, arquivo da Galeria
Uffizi

No MASP, em São Paulo, a partir de 25 de janeiro.


Essa exposição (que já passou por Belo Horizonte) pretende recontar a trajetória do povo e dos imperadores romanos no período tardio da República e primeiros séculos do Império Romano por meio da arte, da arquitetura triunfal, das cerimônias de poder, da vida cotidiana, das célebres conquistas e da opulência do Império. É a primeira vez que esse acervo sai de instituições da Itália como o Museu Arqueológico Nacional de Florença, o Museu Nacional Romano, o Museu Nacional de Nápoles, o Antiquário de Pompéia, o Museu Arqueológico de Fiesole e a Galeria Uffizi.


O curador, Guido Clemente, professor de História Romana da Universidade de Florença, escolheu privilegiar o ponto de vista do exercício do poder por parte dos imperadores de Roma. A variedade das peças trazidas ao Brasil permite ao visitante visualizar um pouco como foi o mundo do império romano em seus diversos aspectos, desde o poder do Imperador até aspectos da vida social e familiar, da escravidão, da economia, da religião, do trabalho, das moradias.

Baixo-relevo com Vendedor de Travesseiros,
da Galeria Uffizi

Lá estarão expostas três paredes com afrescos da Vila de Pompéia, estátuas de Júpiter, de Lívia (esposa de Augusto) e da deusa Isis, a Cabeça Colossal de Júlio César em mármore, máscaras teatrais, escultura de Calígula, Armadura de Gladiador, desenhos do Coliseu, a Lamparina de Ouro e cerca de 60 joias.


Roma - A Vida e os Imperadores foi estruturada em ordem cronológica. O ponto de partida é o processo de estabelecimento do Império, período revivido por meio da vida e obra de César e Augusto, seus fundadores, e o destino final é o terceiro século, considerado o apogeu do domínio de Roma.

São quatro as divisões da exposição:
1. Entre César e Augusto: o nascimento do Império
2. Nero
3. O apogeu do Império
4. Um Império multicultural


No total são 370 peças e obras originais do período tardio da República e primeiros séculos do Império Romano. 


Local:  1º  e 2º subsolos do MASP (Avenida Paulista, 1578).


2 - Caravaggio e os Caravaggescos

Narciso, Caravaggio

Como já havíamos anunciado antes aqui neste Blog, a exposição Caravaggio e os Caravaggescos trará ao Brasil um conjunto de 24 pinturas nunca antes vista por aqui, que percorrerá os estados de Minas Gerais e São Paulo.


A mostra contará com oito obras do mestre do Barroco italiano, Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610), e mais 16 pinturas realizadas por seus seguidores, os chamados “caravaggescos”. 


São eles: Giovanni Baglione (1573-1644), Orazio Gentileschi (1563-1639), Artemísia Gentileschi (1597-1652), Carlo Saraceni (1579-1620), Mattia Preti (1613-1699), Bartolomeo Cavarozzi (c. 1590-1625), Giovanni Antonio Galli conhecido como Spadarino (1580-1650), Tomaso Salini (1575-1625), Giovanni Serodine (1600-1631), Giuseppe Vermiglio (c. 1585-c. 1635), Niccolò Musso (1580/90-c. 1622) e Lionello Spada (1576-1622).

São Francisco em meditação,
Caravaggio

De 03 de abril a 03 de julho de 2012:


Casa Fiat de Cultura
Rua Jornalista Djalma Andrade, 1250 - Nova Lima MG
+55 31 3289.8900 | Fax +55 31 3289.8920
www.casafiatdecultura.com.br
Terça a sexta das 10 às 21hs | sábados domingos feriados das 14 às 21hs


De 12 de junho a 19 de agosto de 2012:
Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand – MASP
Av. Paulista, 1578 - São Paulo SP
+55 11 3251.5644 | Fax +55 11 3284.0574
masp.art.br
Terça a domingo das 11 às 18hs | quinta das 11 as 20hs

São João Batista, Caravaggio

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Além destas, outras exposições estão sendo programadas para 2012:

1. Portinari - Memorial da América Latina - exposição dos murais “Guerra” e “Paz”
6 de fevereiro a 21 de abril


2. Índia - CCBB
Mais de 300 peças que tratam da religiosidade indiana, da vida de sua população, da formação da Índia moderna. (Esta exposição está atualmente no CCBB do Rio de Janeiro)


3. Alberto Giacometti - Pinacoteca
Primeira exposição retrospectiva no Brasil com cerca de 70 esculturas, de vinte a trinta pinturas, 60 a 80 obras sobre papel e trinta fotografias provenientes da Fondation Giacometti e outras coleções.
De 26 de março a 17 de junho (vai também para Curitiba, Rio de Janeiro e Porto Alegre)


4. Giorgio de Chirico - Masp
De 19 de junho e 20 de setembro.
45 pinturas e onze esculturas produzidas entre os anos 60 e 70, além de 66 litografias de 1930, apresentadas juntas pela primeira vez. A exposição passará por Belo Horizonte e Porto Alegre.


5. Homenagem a Lina Bo Bardi - Casa de Vidro
A arquiteta recebe homenagem no segundo semestre de 2012. 15 nomes estão confirmados, entre eles o holandês Rem Koolhaas, o brasileiro Cildo Meireles, o argentino Adrian Villar Rojas, o estadunidense Arto Lindsay, o francês Dominique Gonzalez-Foerster e o inglês Norman Foster.


6. II Bienal de Graffiti - Mube
Entre setembro e outubro de 2012, com artistas nacionais e internacionais, contando a história do graffiti no Brasil e no mundo, influências recebida de movimentos artísticos do século XX e tendências atuais

Caravaggio vem aí!

Caravaggio pintado
por Ottavio Leoni,
por volta de 1621, Florença,
Biblioteca Marucelliane, Itália

O Museu de Arte de São Paulo será palco de uma das maiores exposições dos últimos anos, em 2012: uma mostra de 8 obras do Mestre Michelangelo Merisi da Caravaggio  (1571-1610), o grande mestre da Pintura Barroca e mais 18 obras de pintores "caravaggistas", entre os quais o espanhol José Ribera, os italianos Mattia Preti, Orazio Gentileschi, Giovanni Battista Caracciolo e o francês Simon Vouet.

Essas pinturas deverão ser exibidas no MASP, em São Paulo, entre junho e agosto de 2012, como parte da programação do Ano da Itália no Brasil. A data certa ainda está sendo negociada pela empresa responsável pela produção da exposição, a Base 7.

Esse importante evento artístico estava sendo previsto e programado há dois anos  e inicialmente seria apresentada na Pinacoteca do Estado de São Paulo no final deste ano, mas por problemas de agenda da Pinacoteca tudo acabou sendo reprogramado para o MASP e para 2012. Mas, primeiro, Caravaggio e os caravaggistas vão ser expostos primeiro na Casa Fiat de Belo Horizonte, Minas Gerais, com data prevista de inauguração para 27 de março de 2012.

Segundo Ricardo Ribenboim, um dos proprietários da Base 7, os três temas que serão apresentados pelas obras são:  religiosidade, violência e sensualidade. Deverão vir para o MASP obras importantes como "Narciso" (1599) e "Medusa" (1596), além de "São João Batista" (1603).

A exposição tem o apoio da Direzione Generale Dei Musei Statali Italiani. O curador, no Brasil, é Fábio Magalhães; e na Itália, Rossella Vodret. O orçamento para trazer esses quadros para o Brasil é de cerca de R$ 3,5 milhões, mas segundo diz Ribenboim, a imensa parte é para o seguro das obras.

Diante de uma notícia como esta, vamos acompanhar o desenrolar da programação e falar muitas vezes aqui, de Caravaggio e dos pintores que o imitaram posteriormente, especialmente os que serão vistos aqui no Brasil no ano que vem, como José Ribera, Mattia Preti, Orazio Gentileschi, Giovanni Battista Caracciolo e Simon Vouet.

Quem foi Caravaggio, rapidamente - um italiano nascido em 29 de setembro de 1571 e morto em 18 de julho de 1610. Sua obra simplesmente revoluciona a Pintura do século XVII, pelo seu caráter realista, quase brutal e a utilização da técnica do claro-escuro que influencia numerosos pintores depois dele. Leia mais aqui.

Os números da exposição de Escher e de museus brasileiros

Centro Cultural Banco do Brasil, São Paulo

Há dois meses, a revista britânica The Art Newspaper divulgou o resultado de uma pesquisa anual sobre o número de visitas a museus e exposições de arte mais visitados do mundo. Pela primeira vez, o Brasil ganha destaque entre as exposições e museus mais visitados do mundo, como a exposição “O Mundo Mágico de Escher” que atingiu um milhão de visitantes, somando Brasília, Rio de Janeiro e São Paulo.

CCBB, Brasília

Esta notícia é realmente surpreendente, mas – pode-se dizer – previsível, dentro do novo quadro político e social que atravessa o Brasil, desde que surgiu como uma das potências que crescem no mundo de hoje. O Brasil pós-presidente Lula, é o país onde o desemprego diminuiu, onde mais de vinte milhões de brasileiros tiveram alguma ascensão social, onde vemos aeroportos lotados de gente que “nunca antes na história deste país” tinha viajado de avião.


E é também, agora, o país onde seus museus passam a ser os mais frequentados do mundo!

Museu de Arte de São Paulo

As informações sobre o Brasil foram fornecidas pelo Instituto Brasileiro de Museus (Ibram/Ministério da Cultura) à revista inglesa The Art Newspaper, especializada em artes. Claro está que o Museu do Louvre de Paris, o British Museum de Londres e o Metropolitan Museum of Art de Nova Iorque ocupam os três primeiros lugares, mas o Centro Cultural Banco do Brasil ocupa o 14º, à frente de museus como o Reina Sofia de Madri e o Tate Britain de Londres, só para ficar em dois exemplos.


Nosso país agora também é reconhecido como detentor de cinco dos museus de arte mais visitados do mundo: os CCBB do Rio de Janeiro, Brasília e São Paulo, o MASP e a Pinacoteca do Estado de São Paulo.

Pinacoteca de São Paulo

Essa pesquisa tem uma importância que não pode ser desprezada e só demonstra – mais uma vez – a altíssima importância que a Arte tem para as pessoas. Mesmo que apenas São Paulo, Rio e Brasília se destaquem nesse cenário mundial, é preciso reconhecer que os números da economia brasileira, favoráveis à prosperidade econômica de mais pessoas, sejam responsáveis pelo fato de que verdadeiras multidões queiram ir a museus e exposições, buscar preencher sua alma com o imenso prazer estético que as artes podem dar... Sim, o povo brasileiro é um povo que aspira crescimento econômico, mas aspira também a ver seu direito básico do acesso à cultura e às artes, garantido, incentivado, realizado!


Mais uma vez é preciso dizer que o governo brasileiro precisa – com urgência cada vez maior, dada a extrema importância das artes – investir mais do seu orçamento no setor! Fruição de Arte – da boa arte – não é um bem supérfluo ou destinado apenas aos endinheirados, ou a essa elite que se julga a única capaz de se emocionar com a 9ª Sinfonia de Beethoven ou com a música de Bach; ou com os quadros de Caravaggio, Rembrandt, Rubens, Cézanne; ou com as esculturas de Michelangelo, Bernini, Aleijadinho; ou com o teatro de Shakespeare, Molière e Artaud; ou com a literatura de Dostoievski, Goethe, Dante Alighieri, Balzac, Victor Hugo, Kafka; ou com a poesia de Camões, Walt Whitman, Fernando Pessoa, Carlos Drumond de Andrade...

Para não esquecer dos "pequenos": Museu Histórico e
Artístico de São Luís do Maranhão

Mais uma vez: é Direito do cidadão e Dever do Estado o acesso à Cultura. Mais uma vez: a crescente privatização – que se vê – desses espaços de produção, fruição e consumo de arte, é prejudicial à democratização do acesso a elas, e precisamos ampliar cada vez mais as filas dos brasileiros nas portas de teatros, cinemas, casas de show, centros culturais, museus, bibliotecas!


Não podemos esquecer que o Brasil possui quase três mil municípios que não têm um único centro cultural, um único museu! E que, por esse e por inúmeros outros motivos, o Estado brasileiro precisa investir em Arte, e apoiar os artistas. 


Há milhões de músicos, atores, palhaços, cantores, cantadores, poetas, escritores, pintores, escultores, produtores de cultura espalhados por este imenso país sonhando com o dia em que a sua obra seja exposta de algum jeito à fruição pública e que ele – artista – veja que todo o esforço diário sobre o cavalete, o livro, a lona, o palco, a caneta... não foi em vão, pois chegou o grande momento em que ele pode abraçar e ser abraçado por seu povo, reconhecido pela beleza do que produz, pelo prazer que gera com o que cria, pela vida que dá, com a sua Arte.


Até chegar o dia em que a Arte brasileira também estará no topo do mundo!

O ranking da revista The Art Newspaper

Romantismo em São Paulo e Londres

WILLIAM TURNER:
Pescadores no mar, 1796, óleo sobre tela, 91 x 122 cm, Tate Gallery

Duas exposições - em São Paulo e Londres - trazem à mostra pinturas que têm origem no século XIX, de artistas do movimento conhecido como Romantismo. Esses artistas expressavam em sua arte os novos pensamentos que passavam a dominar o mundo, ideias que fervilhavam nos diversos movimentos revolucionários da época, especialmente na França. Ideias de Socialismo, inclusive, como alternativa às injustiças geradas pelo capitalismo industrial.

JOHN CONSTABLE:
A casa do almirante em Hampstead, 1821,
óleo sobre tela, 60x50 cm, Alte Nationalgalerie, Berlim

Mas no século XIX, especialmente em Paris, os pintores também se rebelavam contra o estilo Neoclássico, que uniformizava o mundo dentro do padrão da estética clássica, grega e romana. Pintores, mas também escritores, não queriam mais guardar fidelidade a esses modelos antigos, que limitavam a criatividade e as manifestações da individualidade, com duras e dogmáticas regras para as artes (para se ter uma ideia, havia receitas para se pintar bem, dentro dos cânones neoclássicos; havia uma receita de mistura de tonalidades de cores que eram usadas para pintar a pele das pessoas, por exemplo).

Os românticos - como ficaram conhecidos esses artistas rebeldes - pregavam a livre efusão dos sentimentos, a visão e a experiência individual do mundo. Eles não acreditavam num Belo absoluto, universal e eterno. O Belo era, para eles, transitório, relativo. Mesmo a feiúra do mundo era Bela. Podemos lembrar de um poema de Baudelaire que falava de uma carniça, assim como podemos buscar exemplos em vários poemas de seu livro Les Fleurs du Mal. Mas isso eu deixo para meu amigo Jeosafá Gonçalves, literato e estudioso de artes literárias.

WILLIAM BLAKE:
O Corpo de Abel Encontrado por Adão e Eva,
1825. Aquarela sobre madeira.

A origem da palavra Romântico, segundo vários estudiosos, vem do inglês "romantic", no sentido de pitoresco e até de bizarro. Na França, Jean-Jacques Rousseau (1712-1778) foi um dos pensadores que não somente influenciaram o Romantismo francês mas a própria Revolução Francesa, com suas ideias de Igualdade, Liberdade e Fraternidade. Segundo Carlos Cavalcanti (professor brasileiro de História da Arte, já falecido) o Romantismo nasce como consequência ao individualismo burguês que gerou o liberalismo econômico e político, que nasceram na Revolução Industrial.

Além de grande influência sobre as mudanças profundas que mudavam a história da França e da Europa, o Romantismo trouxe um novo tipo de artista: o excêntrico, o esquisito, o inconformado e rebelde contra os valores da burguesia industrial. Ser artista passou a ser sinônimo de uma pessoa desvairada, boêmia e de conduta antisocial. São os sonhadores, os poetas malditos, os que morriam de tuberculose e de fome. Eram aqueles que se negavam a pertencer a um mundo que trazia tão desagradável realidade: injustiça social, divisão de classes, preconceitos sociais, visão utilitária - leia-se comercial - do mundo e das relações. Foram os Românticos os primeiros pintores politizados, os artistas que pintavam a vida social. E os que, numa visão entre sentimental e utópica do mundo, recebiam com bons olhos as ideias socialistas nascentes.

EUGENE DÉLACROIX: A Liberdade guiando o povo, 1830,
Museu do Louvre, Paris.

Nesse meio, surgiram - para ficar só nas artes plásticas - Henry Fuseli, William Turner, John Constable, Samuel Palmer, William Blake, El Greco, Jeronimus Bosch, Théodore Géricault, Eugene Délacroix, Camille Corot, Charles Daubigny, Théodore Rousseau, Jean François Millet, além de outros tantos, entre os quais o famoso ilustrador de obras literárias Gustave Doré. No Brasil, um nome se destaca: João Batista da Costa (1865-1926) que, influenciado pela Escola de Barbizon (movimento de artistas românticos franceses), deu aulas de pintura e dirigiu a nossa Escola Nacional de Belas Artes, no Rio de Janeiro.

Na exposição em Londres, o foco são os artistas da Grã-Bretanha, suas origens, inspirações e legados. São obras da coleção da própria Tate Britain, onde se mostram grandes obras de Henry Fuseli, William Turner, John Constable e Samuel Palmer, bem como as obras recém-adquiridas de William Blake.

No Brasil, no MASP, podem ser vistas obras de El Greco, Bosch, Turner, mas também de pintores impressionistas como Gauguin, Van Gogh, Renoir, Monet e Manet, todos também pertencentes ao acervo do Museu de Arte de São Paulo.

JEAN-FRANÇOIS MILLET: As respigadeiras, 1857,
Museu D'Orsay, Paris.

É uma excelente oportunidade para ver de perto obras que ilustram a história da arte, em especial a pintura que representou um verdadeiro momento de ruptura na tradição, um movimento revolucionário nas artes que acontecia em momentos de revoluções profundas, em especial na França, como lembra Gombrich, o historiador da arte e autor de vários livros sobre o assunto.

Na Tate Britain, a exposição vai até 31 de julho de 2011. No Masp, a exposição foi aberta no ano passado e não tem previsão de encerramento.

THÉODORE GÉRICAULT:
A barca da medusa, 1817-1818, óleo sobre tela, Museu do Louvre, Paris.