A poeira do Tempo - 1

"Vanitas e autorretrato", David Bailly, óleo sobre tela

Há certo tipo de “natureza-morta” pintada ao longo do tempo por diversos artistas sob o título de “Vanitas”. São pinturas de caráter especial, uma vez que trazem como mensagem filosófica o tema da efemeridade da vida e da certeza da morte. 

É um tema muito antigo, que acompanha a história da arte desde os primórdios da história, mas tomou ainda mais fôlego por volta do século XVII, em especial na Holanda, em Leyden. Aquela região da Europa, por onde passou a Reforma Calvinista, propiciou uma atmosfera religiosa e intelectual onde também se gestou o tema de Vanitas.

Vanitas é uma palavra de origem latina, com fonte no livro do Eclesiastes, e significa "vaidade". O objeto que aparece em todas as pinturas com este tema é a caveira, o crânio humano. Ela traduz, de maneira simbólica e enfática, a nossa relação com a morte.

Mas por que um tema como este merece alguma atenção nos dias de hoje? Merece tanta, que resolvemos nos debruçar sobre este assunto e dividir este texto em três posts, em continuação.

O tema de Vanitas e o tema da Morte são cada vez mais atuais, mais contemporâneos. Chegamos num estágio da humanidade em que - imergidos num mundo onde as lutas pela sobrevivência, a fome e as guerras impelem milhares de pessoas pelos caminhos em busca de vida - pensamos, de fato, que estamos assentados bipolarmente em frente a uma caveira: de frente, encaramos o fato de que todos morreremos; de costas para ela, fazendo de conta que a ignoramos, criamos o caos à nossa volta.

Mas aqui é preciso dizer que este caos contemporâneo é intensificado pelo sistema capitalista e seu mercado financeiro atual que gera muito dinheiro que não existe e que pertence a poucos, enquanto lança a imensa maioria da humanidade nesta situação:

• jornadas e cargas humanamente intoleráveis de trabalho
• estresse diário com o tráfego nas metrópoles 
• quase um bilhão de pessoas que passam fome em pleno 2015 
• correntes migratórias que crescem em números astronômicos 
• guerras, fabricação e vendas de armamentos pesados de guerra
• fanatismos e radicalismos de toda ordem, religiosa e ideológica 
• violência nas grandes cidades
• existência de redes organizadas de traficantes de entorpecentes ilegais
• violência policial
• indústria farmacêutica que "cria" novas doenças e entorpecentes legalmente vendidos (nunca se vendeu tanto remédio para depressão como nos dias atuais)
• políticos e executivos que se enriquecem a si mesmos com dinheiro público
• imensa falta de perspectiva de felicidade num mundo voltado para a geração de lucro

Entre muitas coisas mais.

Falemos de Vanitas.

Mosaico de Pompeia

Fazendo uma passagem pelo livro de Umberto Eco “História da Feiúra”, em busca de saber mais a respeito do assunto, os caminhos da internet me levaram a encontrar um artigo acadêmico do professor português Luís Calheiros, que também é pintor e pesquisador de Teoria da Arte em Viseu, Portugal. Em seu texto, escrito de forma muito eloquente e com bastantes referências de imagens, me inspirei, assim como na leitura de Umberto Eco, que inclui também seu “Arte e Beleza na Estética Medieval”.

O tema de Vanitas, apesar de datado no tempo, o ultrapassa. Como já falamos, nos confrontamos no mundo atual com a atualidade desta questão, que nos acompanha desde que nascemos e que se intensifica na medida em que envelhecemos: a angústia causada pela consciência de que somos mortais. 

As pinturas feitas dentro do tema de Vanitas, mesmo as mais simples trazem dentro de si muita expressividade e significado. Muitas delas faziam alusões filosóficas de forma óbvia, pois traziam legendas que falavam da efemeridade da vida e da morte certa. Essas pinturas traziam em si um convite à reflexão sobre a precariedade dos prazeres mundanos, o vazio das ostentações vaidosas, o engano pelo apego excessivo às riquezas materiais de que se rodeia e “a realidade ameaçadora do triunfo final da morte”, como diz o professor Calheiros. Tudo isso explicitado através de um símbolo mais imediato e certeiro - a caveira.

Este tema chegou a ser moda no século XVI e durante todo o século XVII. No século XVIII ele ainda aparecia nas pinturas em toda a Europa.

Mas seu passado é ainda mais remoto. Desde o século XV, a representação solitária da caveira aparecia em diversos materiais de propaganda religiosa, anteriores e posteriores ao Concílio de Trento e ao surgimento da Reforma Protestante. O imenso afresco “Juízo Final” - cerca de 13 por 12 metros - pintado por Michelangelo no altar da Capela Sixtina entre 1535 e 1541, contribuía também para criar esse ambiente em que a morte estava sempre à espreita. Segundo Luís Calheiros, foi nessa fermentação de ideias que surgiram os primeiros sinais dos futuros estilos “tenebrista” e “maneirista” e, especialmente, do Barroco, que se espalharam por toda a Europa, atingindo outros continentes, como o nosso Brasil, posteriormente.

Mas o século áureo das naturezas-mortas (ou still-life em inglês, bodegón em espanhol e nature-morte em francês) foi mesmo o século XVI. Assim como o de Vanitas.

O significado direto de Vanitas, diz o professor, é sobretudo o de um “verdadeiro aviso”: uma “repreensão lapidar sobre a ignorante leviandade das vaidades mundanas; a inconsciência alheada dos excessos e finitudes várias do Homem - os seus vícios e horrores, as suas paixões desonestas, desvairadas de cegas, funestas; os seus apetites venais insaciáveis; as suas perigosas irracionalidades; as suas pulsões inconfessáveis; e, em geral, uma distância circunspecta por tudo o que se aprecia, sem freio e pudor, com desbragado hedonismo, neste mundo de carnalidades e materialismos primários, doentiamente consumista e fetichista, inundado pelos prazeres mais desatinados” (grifo meu).

"Por trás da máscara de beleza
espreita a morte", vanitas,
de Johann Caspar Lavater (1775-78) 

E o aviso é: isto tudo tem fim!

Por isso, a presença da caveira nestas naturezas-mortas entra em contraste violento com objetos que a rodeiam: objetos de ostentação, de luxo, de erudição, de estudo, de pompa, de poder. A caveira é a terrível alegoria da morte próxima e justa, que atinge a todos sem distinção. “Um apelo ao instante arrependimento que tarda, pela vacuidade da vida guiada pela mais leviana ilusão, ao aproximar-se, com o triunfo derradeiro da morte, o severo fim para as frivolidades mundanas. São histórias contadas visualmente, narrativas exemplares, com um recorte moral fortíssimo, um registo severo de recriminação ética, com um alcance filosófico que poderemos chamar mesmo de proto-existencialista”, observa Luís Calheiros.

Se pretendia, com estas obras da pintura, “irmã da Poesia” - no dizer do poeta lírico romano Horácio - “traduzir o discurso melancólico-ascético, contemplativo, estóico, puritano, saído das convulsões ideológicas e religiosas do século XVI, um discurso condenador das materialidades mais apelativas do viver mundano, e ainda das atividades predadoras e hieraquizadoras do viver social com todo um rol de evidentes iniquidades, a injustiça revelada na desigualíssima distribuição dos bens e riquezas, a roda da fortuna separando implacavelmente os poderosos, que tudo possuem, dos expoliados que nada têm de seu, morrendo igualmente todos e tudo deixando, muito uns, outros pouco, (justiça final, ironia última do fim dos tempos!), das satisfações cegas dos prazeres mais primários e sórdidos, dum hedonismo fetichista cada vez mais generalizado - sinal dos tempos - a modernidade do capitalismo emergente”.

Essas naturezas-mortas intemporais, que tratam de temas mórbidos, fúnebres, macabros, tétricos - também anunciam todo o tempo a verdade mais radical de todas: a Morte é o fim último e derradeiro de todo ser que respira.

A composição destas pinturas sempre são feitas com estes tipos de objetos:

Vanitas de Pieter Claesz

• Os que aludem à vida espiritual e contemplativa: livros, quadros, esculturas, máscaras, instrumentos musicais, máquinas e mecanismos científicos;
• Os que representam a vida materialista e sensual, como: espelhos, colares, pérolas, jóias e outros adornos femininos, e ainda flautas e violas, símbolos fálicos e rotundos, moedas de ouro e prata, objetos preciosos, coisas de grande aparato, de ostentação e fausto, ricos panos de armar com as suas borlas de ouro fino, panejamentos drapeados dos mais requintados tecidos, veludos, sedas e brocados, desdobrando os seus bordados de ornato rico, coroas, tiaras, mitras, medalhas e outros adereços de honra, ou ainda armas, armaduras, elmos, escudos, emblemas heráldicos, e toda a panóplia de instrumentos bélicos e sinais de subida hierarquia
• Os objetos que evocam a brevidade da vida física: ampulhetas e diversificados relógios, cronômetros, clepsidras, flores perdendo as pétalas e definhando, frutos apodrecendo, folhas secando e murchando, pedras desgastadas e rachadas, gretadas, velas apagando-se, cachimbos pousados, ainda a fumegar, taças de vinho tombadas
• E o objeto-mor, sempre presente, a Caveira. Em algumas pinturas também se podem ver outros ossos como as tíbias, ou o esqueleto completo, muitas vezes erguendo um gadanho, a arrepiante foice da morte. 
• Além de inscrições de aviso cruel sobre o fim dos fins, quase todas retiradas do livro do Eclesiastes, na Bíblia, observa Calheiros.

----- CONTINUA NO PRÓXIMO POST -----

Vanitas, de Pieter Boel

Guerra e Paz, ainda mais atual

Paineis "Guerra e Paz", de Candido Portinari

Hoje, 8 de setembro, os paineis "Guerra e Paz" de Candido Portinari voltam a ocupar seu lugar dentro das dependências do prédio das Nações Unidas em Nova York.

Candido Portinari

João Candido, filho do pintor, em entrevista à BBC Brasil, diz que o quadro continua atualíssimo. Basta lembrar da guerra do Iraque e de outros conflitos atuais. "Agora, tenho que incluir a foto no menino sírio morto em uma praia turca", disse ele.

João também observa que o painel "Guerra" não traz imagens nem de armas, nem de tanques, nem de soldados. Candido Portinari preferiu focar-se nos sofrimentos que as guerras produzem nas pessoas; os mesmos que hoje podemos observar nas centenas de imagens dos imigrantes ao redor de países europeus, africanos e asiáticos. em busca de melhores condições de vida; ou mesmo em busca de "vida", como disse recentemente um dos refugiados africanos que foi acolhido em Portugal.

João Candido vai fazer um discurso por ocasião da reinaguração, hoje, por volta das 15 horas. Ele disse que pretende chamar a atenção para a "urgência de construirmos uma nova humanidade".

"Guerra e Paz" voltará a seu lugar no prédio da ONU após cinco anos de ausência, quando então foi exposto no Rio de Janeiro, aqui em São Paulo, em Belo Horizonte e em Paris. Quando passou pelo Rio, os paineis passaram por uma restauração. Os dois juntos têm 140 metros quadrados de área e pesam uma tonelada cada um.

João Candido Portinari

"Foi um milagre que permitiu realizar um sonho acalentado há muitos anos: que o público pudesse ver esta obra do meu pai. Ela fica em um local de segurança máxima onde é muito difícil ter acesso. Isso sempre me incomodou", diz João Cândido. "Guerra e Paz" foi visto por 360 mil pessoas nas cidades pelas quais passou.

A curadora da inauguração é a diretora de teatro Bia Lessa, que disse sobre o evento que ocorre hoje: "Assim como no quadro de Portinari, não vamos falar de uma violência de bombas e espingardas, mas do sofrimento trazido pela violência do cotidiano por meio de poemas de autores de diversas partes do mundo, por exemplo. Poder falar sobre guerra e paz neste momento é muito interessante. A reinauguração do quadro agora tem uma carga simbólica muito grande."

Os planos de João Candido para os paineis de seu pai são de que eles possam ser abertos à visitação, coisa que é dificultada por ficarem dentro das dependências do prédio da ONU. Mas ele vai tentar fazer com que sejam abertos para visitas ao menos uma vez por semana. "A ONU tem estrutura de vigilância para lidar com isso. Se houver vontade política…", diz João Cândido. "A missão brasileira está ajudando a viabilizar. Não posso prometer, mas estamos trabalhando muito para isso."

O mural "Guerra e Paz" foi inaugurado na sede da ONU, em Nova York, no dia 6 de setembro de 1956. Mas Candido Portinari não estava ausente, pois seu visto foi negado pelos Estados Unidos porque o pintor era ligado ao Partido Comunista do Brasil. Mas 60 anos depois, a reinauguração dos paineis contará com a presença de seu filho, João Candido.

Candido Portinari trabalhando na pintura dos paineis "Guerra e Paz"