Pequena história do autorretrato - parte V

"A arte da pintura", Jan Vermeer, óleo sobre tela, 1666

Retomamos o assunto da história do autorretrato, após uma pausa longa da qual pedimos desculpas.

E com isso, chegamos até Caravaggio, o pintor “maldito”.

CARAVAGGIO

Detalhe de autorretrato
de Caravaggio  (ver abaixo)

A vida de Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610), que manejava a faca como o pincel, é um romance sombrio, diz Yves Calméjane, autor do livro “Histoire de moi”. Por causa disso, sua biografia inspirou o cinema, inclusive com a beleza dramática da luz que ele dava a seus quadros tenebristas.

Debochado, beberrão, briguento, trapaceiro, depravado, assassino e sedutor de mulheres e rapazes, este andarilho das noites a dentro, este solitário permanentemente em fuga, sabia fazer tudo com um pincel na mão e uma tela… E revolucionou a pintura de seu tempo, encontrando a Beleza na escuridão das noites e madrugadas! Ele também pintou seu autorretrato em várias de suas telas.

Mas nada de tranquilos autorretratos! Com Caravaggio, seu rosto apareceu pintado em cabeças cortadas e bocas abertas em gritos. Ele não fez nada como os outros pintores. Escolhia seus modelos nas ruas sujas de Roma entre mendigos, vagabundos e prostitutas. Com seus rostos ele pintou deuses, anjos, santos e virgens, mas guardando-lhes a verdade: suas falhas e sua sujeira. Uma verdade que fará o pintor clássico Nicolas Poussin uivar de desgosto…

Mesmo antes de completar 20 anos de idade, Caravaggio pinta seu rosto na cabeça da Medusa, ser mitológico com cabelos de serpentes. Um pouco antes de morrer aos 39 anos de idade, ele se pinta na cabeça do gigante Golias, cortada pelo pequeno Davi… Era um pobre pintor agoniado… (leia mais sobre Caravaggio aqui)

DIEGO VELÁZQUEZ

Detalhe de autorretrato
em "Rendição de Breda"
(veja abaixo)

Agora chegamos a um outro pintor que revolucionou toda a pintura: o espanhol de Sevilha, Diego Velázquez (1599-1660). O leitor pode saber mais sobre a vida deste grande pintor em outro artigo deste blog (clique aqui). Para este texto, vamos nos concentrar mais nele como um dos pintores que se interessaram em pintar o próprio rosto.

Velázquez era o pintor do rei Felipe IV, na Corte da Espanha do século XVII. Sua pintura “As meninas”, um dos quadros mais famosos do mundo, mostra um Velázquez à esquerda, com a palheta de tintas e pincel à mão, pintando uma tela que não vemos (ou vemos?).

Com 19 anos de idade ele pinta a “Adoração dos magos” onde seu sogro Pacheco é um dos magos idosos, enquanto que ele mesmo, Velázquez, se representa como um outro mago, mais jovem, ajoelhado aos pés de Jesus e da Virgem, que não é outra que sua própria esposa.

Mais tarde, e já na corte do rei, ele pinta o quadro histórico “A rendição de Breda”, a pedido do rei e nele também Velázquez se pinta como uma das testemunhas deste acordo de paz. (leia mais sobre Velázquez aqui)

VERMEER e REMBRANDT

Detalhe de autorretrato
de Vermeer em "O casamenteiro"(veja abaixo) 

Rembrandt (1606-1669) e Vermeer (1632-1675), dois grandes mestres da pintura holandesa, são contemporâneos porém diferentes em muitas coisas, entre elas, no que diz respeito aos autorretrato. O primeiro foi um dos pintores que mais se autorretratou, enquanto do segundo conhecemos apenas um autorretrato, e de costas…

Vermeer pintou pouco na vida, menos de 40 obras. Quase não sabemos sobre sua vida, não conhecemos nem mesmo quem foram seus mestres, se é que ele teve um… Não deixou nenhum escrito e não teve alunos. Sabemos que ele se converteu ao catolicismo após se casar com Catharina Bolnes e que eles tiveram 15 filhos, sendo que quatro morreram ainda pequenos. Sabemos ainda que ele era membro da Guilda dos pintores de Delft, mas que, para manter sua numerosa família, ele tinha uma espécie de galeria onde comercializava as pinturas de outros pintores. (mais sobre Vermeer aqui)

Graças a alguns metódicos pesquisadores de arte, existe uma chance de que em um de seus quadros Vermeer tenha se pintado de costas.

Vermeer pintou pouco na vida, menos de 40 obras. Quase não sabemos sobre sua vida, não conhecemos nem mesmo quem foram seus mestres, se é que ele teve um… Não deixou nenhum escrito e não teve alunos. Sabemos que ele se converteu ao catolicismo após se casar com Catharina Bolnes e que eles tiveram 15 filhos, sendo que quatro morreram ainda pequenos. Sabemos ainda que ele era membro da Guilda dos pintores de Delft, mas que, para manter sua numerosa família, ele tinha uma espécie de galeria onde comercializava as pinturas de outros pintores.

Graças a alguns metódicos pesquisadores de arte, existe uma chance de que em um de seus quadros Vermeer tenha se pintado de costas. Ou até pode ser que uma figura masculina que aparece em outra pintura seja ele mesmo, já que está vestido com a mesma roupa e o mesmo chapéu que na tela “A arte da pintura”. Na verdade, em um leilão realizado em 1696 em Amsterdam, o catálogo apresentava, entre outras, 21 telas de Vermeer. No terceiro lote esta assim escrito: “Retrato de Vermeer em um interior com diversos acessórios, de uma rara beleza, pintado por ele”. Era o quadro “A arte da pintura”, que atualmente está exposto no Kunsthistoriches Museu de Viena, Áustria. Nesta tela, há um pintor em pleno trabalho.

A moça que aparece nesse quadro, à esquerda, representa Clio, a musa da História, que carrega um trompete e tem na cabeça uma coroa de heras, símbolo da vitória. Também carrega um livro de história. Seria graças a Clio que não nos esquecemos os momentos de glória. Seus olhos vêem uma mesa onde estão postos uma máscara de teatro, uma partitura musical e um caderno de desenho. Ela parece pronta a proclamar que estas artes conheceram tempos gloriosos… Este tempo seria o de antes da revolta religiosa e política contra os Habsbourg que, por Felipe II e seu pai Carlos V, descendiam dos duques de Bourgogne, que eram grandes mecenas das artes.

Nesse quadro, Vermeer realizou uma alegoria onde cada elemento evoca uma ideia. A obra “A arte da pintura” seria então não só um manifesto político, como artístico.

REMBRANDT

Autorretrato de Rembrandt, 1628

Ao contrário de Vermeer, Rembrandt pintou inúmeros autorretratos, da juventude à velhice.

Em seu retrato de 1628, quando estava com 22 anos de idade, Rembrandt resume o que seria sua arte. Este estudo de claro-escuro que caracteriza toda a arte do mestre, já anuncia os profundos autorretratos de sua fase madura. Sobre um fundo luminoso, a cabeça pintada quase em silhueta, iluminada por um raio de luz sobre o lado direito da face escondida também pelos vastos cabelos, surgem na sombra os dois olhos que parecem dialogar com o espectador…

Em 1961, o estudioso dos autorretratos Manuel Gasser observou que, no caso de Rembrandt, os autorretratos "eram um meio dele se conhecer melhor, e no final da vida tomaram a forma de um diálogo interior: um velho homem solitário se comunicando consigo mesmo enquanto pintava”.

Da juventude à velhice, os autorretratos de Rembrandt parecem os de um homem que queria acompanhar os efeitos do passar do tempo em seu próprio rosto… O autorretrato do final de sua vida, além de tudo, é uma verdadeira metáfora do homem e do tempo que ele viveu. (mais sobre Rembrandt aqui)

Abaixo as obras mencionadas:

"David com a cabeça de Golias", Caravaggio, 1609-1610

"Cabeça da Medusa", Caravaggio, óleo sobre tela, 1598

"Adoração dos magos", Diego Velázquez, óleo sobre tela, 1619 

"A rendição de Breda", Diego Velázquez, óleo sobre tela, 1634-35

"As meninas", Diego Velázquez, óleo sobre tela, 1656

"O casamenteiro", Jan Vermeer, óleo sobre tela, 1656

Um dos últimos autorretratos de Rembrandt

Autorretrato de Rembrandt

Autorretrato de Rembrandt

Exposição dos alunos do Ateliê Contraponto

Na sexta-feira, 9 de dezembro, professores, alunos e seus convidados comemoraram as conquistas de mais um ano de trabalho, o terceiro ano do Ateliê Contraponto!

2016 foi um ano difícil para todos nós e para o Brasil, em especial. Um golpe foi dado e o caos está instalado. O Ateliê Contraponto, obviamente, também sofreu as consequências dessa crise política, econômica e social: perdemos alunos que ficaram sem condições de continuar. Mas alguns resistiram e outros novos chegaram. É assim a dinâmica da resistência nesses duros momentos. E resistir também é desenhar e pintar, porque...

"... As coisas talvez melhorem.

São tão fortes as coisas!

Mas eu não sou as coisas e me revolto."

... como disse Drummond, nosso poeta.

No Ateliê Contraponto foi um ano de muito trabalho, de muito aprendizado, de muito esforço conjunto e individual. Pela quantidade e qualidade dos trabalhos apresentados, dá para ver que o ateliê começa a ter um amadurecimento muito bom, o que foi notado por diversas pessoas que foram até lá ver de perto, como Artur Montanari que me disse: "Mazé, estou impressionado com a qualidade do trabalho dos alunos do ateliê!" Verdade, esta exposição é uma amostra do empenho que todos têm feito para evoluir no desenho e na pintura.

Na comemoração, os alunos resolveram trocar seus trabalhos, num jogo de "amigo secreto" entre eles e nós, professores. Foi uma noite muito divertida, onde tivemos inclusive a participação do cantor lírico, o tenor Paulo Köbler, meu aluno, que cantou três músicas de seu repertório clássico.

Com esta atividade, o Ateliê Contraponto encerra seus trabalhos neste ano e deseja a todos que o ano de 2017 seja o melhor possível e que a chama da Arte continue iluminando e inspirando a todos nós em todos os nossos caminhos!

A exposição pode ser visitada até o próximo dia 17 de dezembro e de 10 a 28 de janeiro de 2017.

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Abaixo, algumas das fotos que registraram a comemoração do Ateliê.

Paulo Köbler cantando

Paulo Köbler apresenta seu quadro "Flor amarela"

Luiz Vilarinho e seu trabalho em carvão "Gatos"

Victor Boina, Virginia Morais, Tais Isensee e Luiz Vilarinho

Alexandre Greghi e sua pintura "Nu em preto e branco"

Mazé Leite apresentando sua pintura "Até a última gota"

Guilherme Martinez e sua pintura a óleo "O escafandrista"

Virginia Morais e Mikie Fucatu

Alexandre Greghi e Taïs Isensee

Taïs Isensee apresenta sua pintura em pastel "O dálmata"

Virginia e seu quadro "Andrógino"

Maria Fucatu e sua pintura em guache "Paisagem aquática"

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Alguns dos trabalhos dos alunos:

Pinturas de Guilherme Martinez, Taïs Isensee e Virginia Morais

Pinturas de Taïs Isensee e Guilherme Martinez

Pintura a óleo de Taïs Isensee

Pintura a óleo de Virginia Morais

Pintura a óleo de Guilherme Martinez

(Todas as fotografias são de autoria de Virgínia Morais)

Pausa necessária

Prezados leitores deste blog,

Por motivos de reorganização pessoal, informo que este blog Arte&Ofício voltará a ser atualizado até o dia 10 de dezembro com a continuação da História do Autorretrato e muitos artigos a mais sobre este mundo encantador das Artes Plásticas.

Pedimos desculpas por este longo intervalo sem publicação, mas este problema logo será solucionado.

Obrigada a todos!

Mazé Leite

autora do blog Arte&Ofício

Pequena história do autorretrato - parte IV

"Festa de Caná", Paolo Veronese -
seu autorretrato se encontra no centro da cena, tocando um instrumento de corda

No mundo da arte, como diz Yves Calméjane, quando “uma estrela desvanece, outra se ilumina; quando um artista se apaga, outro nasce”. E tem sido assim ao longo da história da arte. Neste post aqui, vamos falar de alguns dos artistas que o autor do livro (“Histoire de moi - histoire des autoportraits”) destaca, tendo sempre como foco a história do autorretrato nas obras de arte.

ALBRECHT DÜRER (1471-1528)

Autorretrato de Dürer, feito em 1500

Nasceu em Nuremberg, Alemanha, em 21 de maio de 1471 e faleceu na mesma cidade em 6 de abril de 1528. É o mais conhecido dos artistas do Renascimento alemão, tendo sido pintor, desenhista, gravador e autor de diversos escritos teóricos sobre arte. Influenciou os artistas do século XVI na Alemanha e nos Países Baixos, mas causou admiração também entre os italianos, em especial, Rafael Sanzio.

Dürer pintou diversos autorretratos, sendo os mais conhecidos realizados quando ele tinha 22, 26 e 28 anos de idade. Neste último, feito em 1500, ele escreve: “Eu, Albrecht Dürer de Nuremberg, foi assim que me pintei com cores indeléveis à idade de 28 anos”. O autorretrato dele aos 26 anos está atualmente no Museu do Prado, em Madrid, Espanha.

Segundo Calméjane, Dürer é o primeiro artista que desde o princípio se afirmava como tal. Muito precoce, fez seu primeiro autorretrato com a idade de 13 anos, feito em desenho com Ponta de Prata sobre papel tonalizado. Ele possuía um talento raro. E tinha mania de escrever e fazer registros de tudo o que via, ouvia e aprendia. Nesse trabalho ele escreveu anos mais tarde: “Eu fiz esse retrato eu mesmo, me olhando num espelho em 1484, quando eu ainda era um menino”.

Dürer,
autorretrato nu

Albrecht Dürer fez algumas viagens à Itália, onde teve contato com as obras dos mestres italianos. Possuía um grande desejo de se tornar mestre em seu ofício, aprender tudo o que pudesse. Em seus registros, certa vez anotou: “Para ser um grande pintor, um eminente artista, é preciso copiar assiduamente as obras dos bons mestres, até que alcancemos uma completa liberdade da mão”.

Na Itália, lhe chamaram a atenção, em especial, as obras de Pollaiolo, Mantegna e Bellini. Se interessava em aprender sua técnica e apreciava muito as representações da figura humana nua e os estudos de anatomia. Por isso, foi ele quem fez o primeiro autorretrato nu da história da arte, por volta de 1505. Esta inovação foi imitada mais tarde, em 1525, por Jacopo Pontormo (1494-1557), que o fez em Sanguínea, mas não estava completamente nu.

Dürer trabalhava de forma intensa. Foi muito copiado por outros contemporâneos e por causa disso recorreu ao Conselho de Nuremberg diversas vezes, pedindo proteção contra estes copiadores. Por isso, passou a colocar uma espécie de “logomarca” sua em todos os desenhos e gravuras que fazia, uma espécie de atestado de autenticidade… Se queixava de certos artistas italianos que lhe “denegriam”, copiando-o: “muitos me são hostis e procuram copiar minhas obras nas igrejas e por todo lugar onde podem encontrá-las”.

GERLACH FLICKE (1545-1558)

Autorretrato de Gerlach Flicke. À direita, seu companheiro de prisão,
o pirata Henry Strangwish

Nasceu na Alemanha, mas ficou conhecido mesmo por seu trabalho de pintor em Londres. Foi lá que ele fez o primeiro autorretrato pintado em óleo na Inglaterra. De origem católica, ele foi obrigado a fugir de sua terra por causa da repressão exercida pela Igreja Reformada Alemã, que passou a perseguir os que não se convertiam ao protestantismo. Mas a Inglaterra também vivia período de turbulências por causa do mesmo motivo (a Reforma Protestante) e Gerlach foi levado preso para a Torre de Londres em 1554. Decidiu, antes de morrer, pintar seu autorretrato, mas fez também o retrato de seu companheiro de cela, o pirata Henry Strangwish.

As duas pinturas são em formato bem pequeno. Gerlach escreveu em seu autorretrato: “Aqui está o retrato de Gerlach Flicke enquanto pintor na cidade de Londres. Fui eu mesmo que pintei com a ajuda de um espelho, e pintei-o para meus amigos, para que eles possam ter alguma lembrança minha após minha morte”.

Que aconteceu quatro anos depois. Mas ele ainda fez alguns poucos retratos, incluindo um de Thomas Cranmen que, em 1545, foi o primeiro arcebispo protestante de Canterbury.

RAFAEL E MICHELANGELO

Rafael Sanzio (1483-1520), foi pintor, escultor e arquiteto, autor das famosas pinturas em afresco conhecidas como as “Stanzas do Vaticano”.

Detalhe do afresco "Juizo Final" de
Michelangelo, onde ele pinta seu autorretrato

Michelangelo Buonarrotti (1475-1564) também foi pintor, escultor e arquiteto. É o autor do famoso afresco pintado no teto da Capela Sixtina.

Ambos trabalhavam para a igreja Católica, em especial para o Papa Julio II.

Em seu quadro “A Escola de Atenas”, (veja abaixo) terminado em 1511, Rafael pinta a si mesmo num grupo de homens que representava as Belas Artes, e se pintou próximo de Perugino. Nesta mesma obra, representou Leonardo da Vinci como Platão, Michelangelo como Heráclito, segundo Yves Calméjane.

Do seu lado, Michelangelo pinta em 1541, quando tinha 60 anos de idade, um terrível autorretrato. “As óbritas vazias e escuras não nos olham mais, mas os cabelos encaracolados e castanhos, a curvatura do nariz quebrado por Torigiano, a barba e o bigode caindo, e molhados das águas do Styx, não deixam nenhuma dúvida de que é um autorretrato”, complementa Calméjane.

EL GRECO (1541-1614)

Autorretrato de El Greco em
A Sagrada Família e Maria Madalena

Domenikos Theotokopoulos nasceu em Candia, Grécia, e morreu em Toledo, Espanha, em 1614. Ficou conhecido como El Greco e foi um pintor do período renascentista que desenvolveu um estilo muito pessoal de pintar. Até os 26 anos de idade viveu em Creta, onde pintava ícones em estilo bizantino. Depois disso, morou por 10 anos na Itália onde, em Veneza, estudou os mestres italianos, especialmente Ticiano e Tintoretto. Em Roma, estudou a obra de Michelangelo. Depois disso, mudou-se para Toledo, onde viveu e trabalhou até o fim da vida.

El Greco se pintou diversas vezes em suas obras, como na “Sagrada Família e Maria Madalena”, de 1592. Se pintou na figura de São José. Para a Virgem, usou como modelo sua esposa Jeronima de las Cuevas e o Menino Jesus era seu próprio filho, Jorge Manuel. El Greco usou seu filho como modelo para diversas pinturas.

PAOLO VERONESE (1528-1588)

Filho de um pedreiro, nasceu em Verona, Itália, onde se formou como pintor. Em 1541 se tornou discípulo de Antonio Badille, que era pai de Elena, com quem Veronese se casou. Com 28 anos de idade mudou-se para Veneza, onde se desenvolveu ainda mais em sua arte, aprendendo muito com as obras de Ticiano e Tintoretto. Veronese e Ticiano são os grandes pintores da Escola Veneziana.

Após o Concílio de Trento, os severos padres da Inquisição decidem controlar absolutamente tudo o que dissesse respeito à fé católica.

No dia 18 de julho de 1573 se lançaram contra uma pintura de Veronese, cujo título era “A Última Ceia”. Ela tinha sido feita para adornar o refeitório do convento dos santos João e Paulo.

Chamado imediatamente pelo Santo Ofício, Veronese teve que responder aos padres indignados. Eis o diálogo que teria ocorrido:

Padres: - O que você faz?

Veronese: - Desenho e pinto figuras…

P - E o que significa a figura cujo sangue sai do nariz?

V - É um servo, que um acidente qualquer lhe fez sangrar o nariz…

P - E o que significam essas pessoas armadas e vestidas à moda alemã?

V - Nós pintores nos damos as mesmas licenças poéticas que poetas e loucos se dão e por isso eu quis representar esses boas-vidas aí, um bebendo, outro comendo embaixo da escada, prontos para cumprir seus serviços. Porque parece possível, e desejável, que o dono de uma casa rica pudesse ter tantos servos.

Padres: - E aquele vestido de bobo da corte com um papagaio na mão?

V - Está lá como um ornamento…

P - Que faz o terceiro personagem?

V - Ele limpa os dentes com um garfo…

P - E vos parece conveniente, na Última Ceia de Nosso Senhor, representar bobos da corte, alemães bêbados, anões e outras bobagens? Por isso, nós, os julgadores pronunciamos que o supracitado Paolo Veronese seja obrigado a corrigir e emendar seu quadro em um prazo máximo de três meses!

As modificações exigidas pelos padres da Inquisição nunca foram feitas. Veronese apenas mudou o título do quadro para “Jantar na casa de Levi”.

Paolo Veronese pintou numerosas telas em refeitórios de congregações religiosas usando sempre temas bíblicos, mas que eram muito mais profanos do que religiosos. Na tela “Festa de Caná”, ele pintou Tintoretto tocando violino, Bassano na flauta e Ticiano no contrabaixo. São 132 figuras na cena! Ele mesmo se pinta um autorretrato tocando um instrumento de corda. Calméjane observa que naqueles tempos, era comum pintores também serem músicos, como é o caso de Tintoretto, que teria sido também um talentoso violinista.

"Escola de Atenas", Rafael Sanzio - abaixo seu autorretrato

"Escola de Atenas", detalhe
Rafael é este jovem à direita, olhando
para a frente

"Sagrada Família com Maria Madalena", El Greco

Autorretrato de Albrecht Dürer aos 13 anos 

"Juízo final", Michelangelo

"Jantar na casa de Levi", Paolo Veronese 

Autorretrato de Albrecht Dürer aos 26 anos

Pequena história do autorretrato - parte III

Autorretrato de Adam Kraft

Os primeiros retratos realistas e claramente identificáveis foram executados em três dimensões, ou seja, esculpidos. Os escultores do final da Idade Média eram tanto pintores como escultores, e até mesmo arquitetos, como o alemão Peter Parler (1330-1399) a quem foi confiada a construção da catedral Saint-Guy em Praga, em 1353. Seu atelier fez 21 retratos para a decoração da igreja, entre eles um autorretrato.

Autorretrato de Nikolaus Gerhaert

O gênero do autorretrato onde o artista se integra a uma cena, religiosa ou profana, será uma prática de numerosos pintores da Renascença, como Andrea di Cione Arcângelo (1320-1368), conhecido como Orcagna, também arquiteto e escultor. Junto com seus irmãos Jacopo, Matteo e Nardo, mantinha seu ateliê em Florença, e era bastante requisitado. Sua obra foi marcada pela influência do também pintor italiano Giotto e seu realismo. Ele esculpe em mármore uma representação da “Morte e Assunção da Virgem” para a capela de Orsanmichele em Florença, no ano de 1355, em cuja cena ele esculpe seu autorretrato.

Nikolaus Gerhaert de Leyde, escultor holandês que viveu ente 1420 e 1473, também se autorretrata na escultura “Busto de homem debruçado”, ele aparece em “melancólica meditação”, com seu corpo colocado em elegante movimento, voltado sobre seu eixo vertical e tendo o queixo apoiado sobre a mão direita (foto ao lado).

Adam Kraft (1460-1532), virtuoso escultor alemão nascido em Nuremberg, se representou de joelhos, ferramentas à mão, ao pé do imenso tabernáculo de pedra de mais de 18 metros de altura que ele esculpiu para a igreja São Lourenço de sua cidade (foto acima deste post).

Autorretrato de Van Eyck

Os poderosos daqueles tempos antigos, colocaram a seu serviço inúmeros artistas. Um deles foi o artista flamengo Jan van Eyck (1395-1441). Ele teve o título (que na época era honroso) de “Criado de quarto” ("valet de chambre") do Duque de Borgonha, Felipe o Bom, de quem era homem de confiança. Van Eyck deu uma grande contribuição ao desenvolvimento do retrato na pintura. É bem conhecida sua obra “O casal Arnolfini”.

Mas a grande novidade introduzida por Jan van Eyck ao retrato é o olhar. A partir dele, os olhos do retratado fixam o expectador. Seu autorretrato com o turbante vermelho é considerado, segundo Yves Calméjane diz em seu livro, o primeiro verdadeiro autorretrato da era moderna. Van Eyck assinou este quadro e escreveu a frase “Als ikh kan” ("como eu posso"). Calméjane acrescenta: “... Van Eyck não deixa de jogar com duplos sentidos e essa fórmula assinala de qualquer maneira uma falsa modéstia, aquela do artista demiurgo que se surpreende com seu próprio poder."

Na pintura mundialmente conhecida “O casal Arnolfini”, há um verdadeiro jogo de perspectivas e modos de ver a obra. No espelho convexo do fundo do quadro ele se pinta a si mesmo e escreve: “Jan van Eyck estava lá”. Ele espia o expectador do fundo do espelho, assim como acontece em outros de seus quadros. Diz Calméjane que nenhum detalhe de suas pinturas era sem importância para Van Eyck, cujos quadros são repletos de símbolos. O pesquisador de arte Pierre-Michel Bertrand diz ver no “O casal Arnolfini” uma quantidade grande de possibilidades de investigação, onde ele tenta provar que na verdade este homem seria o próprio pintor em companhia de sua esposa Margarita. Em 1934, o historiador da arte Erwin Panofsky lembra que antes do Concílio de Trento (1545) era possível se casar de forma mais simples e sem a presença de um padre, apenas através de um juramento onde a noiva colocava sua mão direita sobre a mão do noivo. Então “trata-se de um casamento ao qual assistimos”, observa Calméjane… 

"O casal Arnolfini", Jan van Eycke

Na Itália, aprofunda-se o estudo da perspectiva (do latim “perspicere”, que significa “ver através” ou “ver claramente”). A perspectiva enriquece a pintura.

Autorretrato de Alberti

E é na Itália que vamos encontrar Leone Batista Alberti (1404-1472), o autor do tratado sobre pintura “De Pictura”, que dedica a um dos primeiros estudiosos da perspectiva, Brunelleschi.  Alberti observa que Brunelleschi desenvolvia o método para representar os objetos em relevo sobre uma superfície plana utilizando um ponto de fuga. Alberti possuía muitos talentos em domínios variados: Pintura, Desenho, Escultura, Arquitetura, Matemática, Estética. Muito atraído pelo conceito da "Regra Áurea" e pelos filósofos antigos como Pitágoras, Alberti desenvolve sua própria teoria da Beleza exprimível através da harmonia regida pelas regras matemáticas. Para ele, a "Regra Áurea", ou a "proporção divina", seriam os fundamentos da Beleza. É nesse espírito que ele trabalha em seu autorretrato em bronze, inspirado na arte romana, por volta de 1435. Feito apenas dois anos após o autorretrato de Van Eyck, “ele testemunha a consciência individual do artista nos albores da Renascença”, observa Yves Calméjane. 

Van Eyck, com seu autorretrato, nos presenteia com o olhar, enquanto Alberti com sua paixão pela perspectiva.

Autorretrato de Jean Fouquet

Na França, surge Jean Fouquet (1420-1478), considerado um dos grandes renovadores da pintura francesa no século XV. Fouquet também realiza seu autorretrato por volta de 1451. Para ele também, a geometria estava presente em tudo. Ele adorava - diz Calméjane - traçar linhas e situar nelas alguma figura da natureza. Ele se colocava na confluência entre a arte flamenga e a italiana, herdando dos primeiros a força de seu realismo, a ciência dos detalhes, o gosto pelos materiais; dos italianos ele herdou a construção rigorosa de sua arte, o gosto pelas formas puras e a maestria da perspectiva.

Fouquet se especializou em fazer retratos e, com isso, sua fama se espalhou, chegando até o Papa Eugênio IV, que lhe encomendou um retrato. Mas também se dedicou às iluminuras, aos vitrais, à tapeçaria, à miniatura. “Em seus quadros como em suas mais finas miniaturas, seus tecidos brilham, as folhas das árvores se mexem, os reflexos da chuva e do sol se mostram”, observa Calméjane. 

Fouquet resumiu, então, sua arte em seu próprio autorretrato, feito em couro, com esmalte negro e dourado. Apesar do pequeno formato de 6 cm, ele é monumental, diz o autor do livro. O olhar se dirige ao espectador, o de uma figura localizada na sombra, centralizada no quadro e modelada com cuidado. “A expressão do artista, tão intensa quanto aquela de Van Eyck, lança uma reflexão um pouco mais humana e profunda, de forma direta” (Calméjane). Esta pequena obra de arte testemunha que, naqueles tempos, o artista tinha plena consciência de sua presença e seu papel no mundo.

“On dirait que l’art sort de la nuit”... A arte se iluminava com os novos tempos que chegavam.

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continua no próximo post

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Referência bibliográfica:

Histoire de moi - histoire des autoportraits, Yves Calméjane, Thalia Editions, Paris, 2006