sábado, 3 de março de 2012

Uma mulher em três nomes



Estudo, Tereza Costa Rêgo, acrílico sobre madeira, 2,2 x 1,6 m


Tereza Costa Rêgo, artista plástica pernambucana com riquíssima experiência nas artes e na vida política, pertence a uma geração de pintores brasileiros que marcam nossa história da arte com as cores da nossa cultura. 


Neste primeiro de março, passei três horas agradabilíssimas ao lado de Tereza, conversando sobre pintura e sobre a vida. Dona de uma energia contagiante, o tempo parece não ter tocado no rosto lindo dessa senhora de 82 anos de idade. Que me confessou ser três em uma: Terezinha, Joana, Tereza.


Tereza, em seu atelier
O estado de Pernambuco tem gerado artistas, ao longo da história, que vêm marcando a arte brasileira. Cícero Dias e Vicente do Rego Monteiro, por exemplo, foram dois pintores pernambucanos que tiveram uma ativa participação na Semana de Arte Moderna de São Paulo, em 1922 e que ajudaram a levar os ventos modernistas das artes para o Nordeste brasileiro.


Tereza Costa Rêgo, que era filha de uma tradicional família da aristocracia rural pernambucana, cresceu em meio ao mundo do glamour modernista do Recife, que incluía artistas como Teles Júnior, Francisco Brennand, os irmãos de Vicente do Rego Monteiro, Joaquim e Fedra, Lula Cardoso Ayres, Reynaldo Fonseca, Hélio Feijó, Wellington Virgulino e Abelardo da Hora. Todos eles seus amigos. Todos romperam com os padrões acadêmicos e adotaram estéticas pessoais que tinham mais a ver com a identidade cultural nordestina, com o imaginário pernambucano, com a luz e as cores do Brasil. Mesmo Reynaldo Fonseca, que segue os mestres holandeses como Van Eyck, guarda a sua veia brasileira. Mesmo Tereza, que se diz influenciada pela arte do pintor espanhol Francisco Goya, escancara uma alma pernambucana.


No texto escrito para o livro “Tereza Costa Rêgo”, publicado em 2009 em Recife, o pintor Raul Córdula explica que “Recife é uma cidade onde a prática da pintura remonta à chegada dos artistas europeus trazidos por Maurício de Nassau, no século XVII, durante a invasão holandesa, e que ainda influenciam nos dias atuais, a modalidade da arte pictórica em Pernambuco.”


Os marinheiros pedem e vão, acrílico
sobre madeira, 1,62 x 2,2 m
Nas décadas de 40 e 50, os artistas pernambucanos renovaram as artes plásticas no nordeste, dando-se mais liberdade expressiva. Havia diversos grupos em atividade naquele Estado, como o Atelier Coletivo do Recife, a Sociedade de Arte Moderna, o Movimento de Cultura Popular e um grupo de artistas ligados ao Movimento da Ribeira, que incluía Adão Pinheiro, José Barbosa, Maria Carmen, Anchises Azevedo, entre outros. A cidade eleita para abrigar esses novos movimentos nas artes plásticas pernambucanas, desde aquela época, foi e continua sendo Olinda, a cidade que acolhe hoje uma grande concentração de ateliês de artistas.


Mas na década de 1960, a vida de Terezinha (seu nome de batismo) deu uma guinada. A menina rica deixou para trás a vida nos salões da elite pernambucana, para acompanhar o grande amor da sua vida, o também pernambucano Diógenes de Arruda Câmara, dirigente do Partido Comunista do Brasil. Ela mesma resume a decisão que tomou nesse período:


“Fui educada para ser a boneca que enfeita o piano da sala de visitas. Acontece que um dia eu saltei do piano e fui embora!”


Veio com Diógenes Arruda inicialmente para São Paulo, onde ela se formou em História pela USP. Mas a vida clandestina e as perseguições da Ditadura Militar, fizeram com que o casal fosse embora do Brasil. Diógenes tinha sido preso e torturado em 1968. Após sua soltura, eles foram para o Chile, em 1972, mas acabaram tendo que fugir de Santiago também, após o golpe militar de Augusto Pinochet.


Verão, acrílica sobre madeira, 2,2 x 0,8 m, 2003
Teresa e Diógenes viveram muitos anos exilados entre Paris e Lisboa, passando também por Tirana (Albânia) e Pequim (China). No exílio, ela foi obrigada a uma vida de artista também clandestina: nesses anos assinava suas pinturas com o pseudônimo de Joana (nome de uma de suas netas, a jornalista Joana Rozowykwiat, do Portal Vermelho). Mas não podia participar de exposições de arte. Mesmo na Europa, os comunistas estavam sempre sob observação de espiões internacionais, e lá também precisavam usar nomes frios. Por isso, Terezinha ficou sendo Joana.


Em 1979, a luta do povo brasileiro pela Anistia trouxe de volta os exilados políticos, como João Amazonas e Edíria Carneiro (também artista plástica), e Diógenes Arruda e Tereza Costa Rêgo. Eles voltaram, em outubro de 1979, para seu país, sua família, seus amigos, seu povo. Muitas homenagens foram feitas aos exilados que voltavam, por parte dos que aqui ficaram. Havia tanta alegria em estar de volta para casa, em ver de volta amigos como João Amazonas, que o coração de Diógenes Arruda não resistiu: teve um enfarte, logo depois. Diz Raul Córdula, no livro sobre Tereza: “Ele avistou a terra prometida, mas não pôde ocupá-la”.


Para ela, foi uma perda incomensurável, que ela expressou no quadro “A partida”. Nele, uma mulher em dor profunda, se debruça sobre o corpo do marido morto. Mais uma vez, ela teve que se refazer, retomar seu caminho sob outros parâmetros, desta vez sem seu grande companheiro.


A partida, acrílica e colagem sobre madeira, 2,20 x 0,8 m, 1981
Joana se transformou em Tereza.


Voltou à sua terra com o coração partido, mas cheio das experiências que viveu mundo a fora, onde ajudou a escrever a história de um mundo em mudança e que apontava para a justiça social e a liberdade. Se estabeleceu em Olinda, onde organizou sua casa e seu atelier, onde mora até hoje. De volta ao trabalho, começou a reconstruir sua carreira de artista plástica, se engajando novamente entre os artistas pernambucanos, participando de exposições, eventos, atividades culturais. Hoje ela é a diretora do Museu do Mamulengo, que pertence à Prefeitura de Olinda.


Em 1981 fez sua primeira exposição, no Museu de Arte Contemporânea de Pernambuco. Hoje esse museu separa uma sala para exposições temporárias e tem como título “Galeria Tereza Costa Rêgo”.


Em 2008 recebeu o título de Cidadã Olindense, da Câmara Municipal de Olinda, quando declarou sobre si mesma: “Pode não parecer, queridos companheiros, mas eu sou uma mulher muito velha... uma mulher que viveu muitas vidas... uma mulher Terezinha... uma mulher Joana e uma mulher Tereza”.


Interiores, acrílica sobre eucatex,
1,0 x 1,5 m, 1999
Em 9 de novembro de 2011, no Teatro Santa Isabel, em Recife, Tereza Costa Rêgo recebeu o prêmio Honra do Mérito Cultural na categoria artista plástica, das mãos da ministra da Cultura Ana de Hollanda, do governador de Pernambuco, Eduardo Campos e do prefeito de Recife, João da Costa. Esse prêmio é a maior honraria do governo federal concedida aos artistas brasileiros e que, em 2011, homenageou a escritora e jornalista Patrícia Galvão – a Pagu.


A presidenta Dilma Rousseff, que de última hora se viu impedida de entregar o prêmio pessoalmente, enviou mensagem, lida pela atriz Denise Fraga, na qual destacou a importância da homenagem a Pagu, como um reconhecimento da inteligência e bravura da mulher brasileira e ressaltou que os agraciados com o prêmio de 2011 são “exemplos da vibrante e apaixonante mistura de sotaques e saberes que compõe o mosaico da cultura brasileira”.


Tereza Costa Rêgo estava entre outros homenageados, ao lado de Glênio Bianchetti, Adriana Varejão e Vik Muniz (artistas plásticos), além de Luiz Melodia, Jair Rodrigues, Hector Babenco, Beth Carvalho, Xico Dias, Antônio Nóbrega, Antônio Pitanga, o dramaturgo João das Neves, os escritores Afonso Borges e Lygia Bojunga, a atriz Ítala Nandi, o artesão Espedito Seleiro, o pedreiro Evandro dos Santos, e a antropóloga Claudett Ribeiro.


Tereza comentou, em nossa conversa: “Foi uma pena a Dilma não ter ido. Eu ia perguntar a ela se se lembrava de Diógenes Arruda, pois eles foram contemporâneos na luta contra a ditadura...”


Mas logo ela muda de assunto e diz que está pintando um grande painel de dez metros de largura por dois e meio de altura, onde conta a história das Mulheres de Tejucupapo. E me explica, enquanto me mostrava as fotos de seu trabalho: em 1646, as mulheres de um povoado chamado Tejucupapo tiveram que enfrentar sozinhas o ataque de 600 holandeses que tinham ido até aquele lugar para se apossar de produtos como milho e mandioca, pois precisavam desesperadamente diminuir a escassez de comida daqueles tempos, quando a fome assolava a cidade de Recife. Sem os maridos, que estavam nas guerras contra os invasores, elas tiveram que reagir. Puseram água pra ferver em seus tachos e panelas de barro, jogaram pimenta dentro e com esse molho partiram para cima dos soldados holandeses, acertando seus olhos com a mistura. Os desesperados homens eram depois atacados com qualquer coisa que servisse de arma e o resultado foi que mais de 300 cadáveres ficaram espalhados pelo vilarejo. Depois da batalha, no dia 24 de abril de 1646 as valentes mulheres pernambucanas impediram que invasores holandeses atacassem seus paióis de milho e mandioca e passaram para a história como heroínas e guerreiras.


É essa alma pernambucanamente feminina que encontramos em tantos quadros de Tereza! Eles refletem o imaginário popular, os símbolos, as cores, a alma do nosso povo. Com algum tratamento que considero um tanto quanto Barroco... O escritor Ariano Suassuna identificou também essa característica da pintura de Tereza quando disse em 1996: “O painel de Tereza Costa Rêgo, inclusive por uma forma central meio circular e de palco, fazia com que seu quadro entrasse naquela linguagem barroca e brasileira(...)”.
Na pintura dela podemos encontrar alguns desses elementos tão ricos da arte barroca, mas que ela dá uma leitura brasileira: contrastes fortes, dramaticidade, exuberância, sensualidade de curvas, um gosto pela espiritualidade popular, pelo realismo e algum toque de opulência, como podemos encontrar até mesmo nas pinturas da série “Bordel”, onde as prostitutas de Olinda e Recife aparecem rica e lindamente pintadas.


A imagem feminina é quase constante na pintura de Tereza. São mulheres em geral nuas, sem nenhuma preocupação pudica em ocultar suas carnes, seu sexo, até seu desejo. Muitas delas estão deitadas de costas, muitas delas transmitindo uma sensação de extrema tranqüilidade, como se elas ali estivessem descansando após momentos de prazer com o ser amado...


Mas há também os seres sagrados, as procissões, as igrejas, os santos e as casas e ruas de Olinda e Recife. E os animais. Ela mesmo reconhece: “sempre tem bichos nos meus quadros”.


Há gatos, cisnes, pombas brancas, tatus, rinoceronte, bois, bodes, carneiros, serpentes. São incrivelmente expressivos os painéis “O ovo da serpente ou Problemas da Terra” da série “Sete Luas de Sangue” e o “Apocalipse”. Este último é um gigantesco painel de 12 metros de largura por um e meio de altura, onde uma cobra gigante parece ter engolido um homem e uma mulher, e toda uma saga histórica acontece nas entranhas dessa serpente. Faz lembrar as histórias de cordel que povoa nosso imaginário pernambucano... Faz lembrar minhas noites de infância em Caruaru, com meu pai recitando cordéis que contavam estórias de princesas encantadas, de pavões misteriosos, de serpentes malvadas que engoliam pessoas...
Boi voador, acrílica sobre madeira, 4,4 x 1,6m, 1992
E por isso Tereza me lembra El Greco (1541-1614), o pintor espanhol de estilo também dramático e expressivo, que causou estranhamento entre seus contemporâneos, lá pelos idos de 1580.  Ele já pintava, naquela época, figuras tortuosas, alongadas, com uma coloração forte, dramática, usando figuras fantasmagóricas, que povoavam o imaginário desde o período medieval.


Mas isso é meu gosto, porque Tereza gosta mesmo é do pintor espanhol Francisco Goya, que também pintava figuras e seres que habitam do mundo real aos mundos imaginários da alma humana.


Criança, acrílica sobre madeira, 1,10 x 1m, 2009
As cenas dos bordéis de Recife e Olinda retratadas por ela, nos remetem ao pintor francês Toulouse-Lautrec, que também pintou os bordeis de Montmartre em Paris. Nessas conhecidas “Casas de Tolerância” onde os homens vão buscar o prazer perdido nos braços de mulheres sensuais, habitam seres de profunda sensibilidade, beleza e até certa ingenuidade. É o que podemos ver através das pinturas de Tereza, dessa série “Bordel”. Lá estão mulheres nuas, carnudas. Em cenas de sexo, ou simplesmente apreciadas por homens vestidos. Elas são belas e estão, em várias telas, em estado de reflexão, ou mesmo de espera... Ou descansam, simplesmente, após o prazer proporcionado a seus clientes... São lindas, as angélicas prostitutas de Tereza...


Ela trabalha em seu próprio atelier, em Olinda, num espaço dentro de sua própria casa. Ela me disse que gosta de trabalhar sem ninguém por perto, pois o momento da pintura para ela é um tempo de estar à vontade com ela mesma, completamente absorta pela sua arte. Alternando sua rotina diária de diretora do Museu do Mamulengo de Olinda com sua pintura, Tereza gosta de pintar em grandes superfícies. Usa tinta acrílica, em geral sobre madeira. “Eu nunca uso a cor azul”, me confessou, mostrando-me alguns tubos de tinta onde a predominância dos tons quentes confirmavam isso. Eu lhe perguntei o motivo. Ela respondeu simplesmente com um sorriso: “não sei...”


E me contou da emoção imensa que foi ver um de seus quadros reproduzido num painel gigantesco no carnaval de 2011, quando foi a homenageada de Pernambuco. O governador Eduardo Campos e sua esposa recepcionaram a homenageada do ano dos foliões pernambucanos, caracterizados como personagens de um quadro de Tereza. Ela completou: “Quando eu vi tudo aquilo, todo o meu trabalho de artista ali vivo à minha frente, e sendo homenageada pelo meu povo, a emoção foi enorme!


Para completar, nessa rápida passagem por São Paulo, Tereza recebeu um convite da artista plástica paulistana Lucia Py para expor seu painel “Mulheres de Tejucupapo”, como convidada do Núcleo de Arte Contemporânea Latino-Americana. Cabe a nós ficar aguardando, então, que a arte de Tereza possa ser vista de perto por nós moradores desta desvairada Pauliceia...


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Um resumo da carreira artística da Tereza Costa Rêgo
Ela fez as seguintes exposições Individuais: 
- Pintura, Museu de Arte Contemporânea de Pernambuco, Olinda, 1981; Pintura, Galeria Carmita Brito, Recife, 1985; Pintura e Lançamento de Álbum de Gravuras, Palácio dos Governadores, Olinda, 1984; Pintura, Atelier do Artista, Olinda, 1985; "Olinda Gravuras", Vila do Conde, Portugal, 1985; Pintura e Álbum de Gravura, Oficina Guaianases de Gravura, Olinda, 1988; Pintura, Galeria Officina, Recife, 1988; Pintura, Atelier do Artista, 1990; Pintura, Recife-Olinda/Olinda-Recife, Museu de Arte Contemporânea de Pernambuco, Olinda, 1992; Gravura, Museu de Arte Contemporânea de Pernambuco, Olinda, 1992; Atelier do Artista, 40 Anos de Arte, Olinda, 1997; Museu de Arte Moderna, 7 Luas de Sangue, Recife, 2000; Espaço Cultural Correios, 7 Luas de Sangue, Rio de Janeiro, 2001; Museu de Arte P P, 7 luas de Sangue, São Paulo, 2002.


Leda e o cisne, acrílica sobre madeira, 1 x ,7 m, 1978
Mas também participou das seguintes exposições coletivas:
Coletiva de Artistas Brasileiros, Galeria Vila Rica, Recife, 1980; Salão de Artes Plásticas de Pernambuco, Museu do Estado de Pernambuco, Recife, 1981; Coletiva de Artistas Brasileiros, Galeria Vila Rica, Recife, 1981; Pintura e Poesia - Geração 65, Oficina 154 - Edições Piratas, Olinda, 1981; 1º Salão de Arte Erótica de Pernambuco, Vivencial Diversiones, Olinda, 1982; Coletiva de Artistas Brasileiros, Avivarte, Olinda, 1983; Exposição Mulher Dez Artistas Pernambucanas, Shopping Recife, 1984; As Novas Imagens do Nordeste Rio Design Center, Rio de Janeiro, 1984; Exposição Comemorativa dos 450 anos de Olinda, Museu de Arte Contemporânea de Pernambuco, Olinda, 1985; Artistas Olindenses, Museu de Arte Contemporânea de Pernambuco, Olinda, 1985; Mostra de Arte do Recife, Teatro Santa Isabel, Recife, 1985; Coletiva Guaianases, Oficina Guaianases de Gravura, Olinda, 1985, 1986, 1987 e 1988; Galeria Oficina, Recife, 1986, 1987 e 1988; Pintores Brasileiros, Portugal, 1987; Cor de Pernambuco, Ranulpho Galeria de Arte, São Paulo, 1989; O Gato Pintado, Ranulpho Galeria de Arte, São Paulo, 1989; O Gato na Pintura, Ranulpho Galeria de Arte, São Paulo, 1989; O Circo, Galeria Ranulpho, Recife, 1990; Fernando de Noronha, Eco 92, 3 Visões MAC; Viagem ao ano 2000, Passaporte Para O Futuro, São Paulo, 1994; A Batalha dos Guararapes, Museu do Estado, 1994; Arte Brasileira, Estúdio A, São Paulo, 1997


Das exposições coletiva internacionais, Tereza participou:
Exposição “Seis Pintores de Olinda”, Vila do Conde, Portugal, 1990; Cumplicidades, Lisboa, 1995; Olhar Sobre Os Trópicos, Lisboa, 1995; Arte Brasileira, UNESCO, Paris, 1995; Artistas Pernambucanos, Cuba, Santiago de Cuba, 1997; Artistas Pernambucanos, Portugal, 2003.
Mulher nua de costas, da série Bordel, acrílica sobre tela, 2,20 x 0,8 m, 2009 



terça-feira, 28 de fevereiro de 2012

Natureza morta


Acabei de terminar a pintura dessa natureza morta com pastel colorido. É um dos estudos do atelier para treinar a aplicação da cor intensa, sem opacidade, em camadas que vão trazendo o efeito de cor local. Uma coisa importante sobre isso é que quando se pinta um quadro usando o esquema rígido da cor local, a tendência é que a pintura saia dura, estática. Mas com o movimento das massas que ultrapassam a forma do objeto e essa movimentação de cores que se repetem em vários pontos, dão o ritmo e criam a sensação de movimento, de brilho e de mais realidade. Não é necessário descer ao detalhismo extremo do modelo observado, para que o efeito geral traga a quem observa uma sensação de que tudo aquilo que está ali apenas sugerido, seja o suficiente para formar um todo coerente. David Leffel, pintor norte-americano, sempre atenta para isso: o pintor não está pintando um pão, um peixe, uma faca, um vaso... Está pintando relações de espaço, ritmo e principalmente está pintando a Luz.

sexta-feira, 24 de fevereiro de 2012

As dores da Colômbia segundo Fernando Botero

A exposição "dores da Colômbia" do artista colombiano Fernando Botero, já passou por Brasília, Curitiba, Rio de Janeiro e São Paulo. Mas ainda pode ser vista em Porto Alegre, cuja inauguração se deu em 21 de janeiro, no centro Cultural Érico Veríssimo, lá ficando até o dia 8 de março próximo. A mostra reúne 67 obras do pintor, doadas por ele ao Museu Nacional da Colômbia entre 2004 e 2005.


Fui ver essa exposição no Museu do Olho de Curitiba, no ano passado. O conjunto da obra mostra como a arte pode levar a uma reflexão sobre nossa sociedade, sobre os dramas da guerra, sobre a morte. Assim como o fez Portinari, com seus paineis Guerra e Paz", que estão expostos aqui em São Paulo, no Memorial da América Latina.


A exposição de Botero não é fácil de se ver. São telas aonde ele pintou pessoas mutiladas, assassinatos e todo tipo de violência, físicas e morais. As figuras apresentam pessoas angustiadas, desesperadas. Lembra um pouco o que fizeram os artistas expressionistas alemães, no período entre as duas guerras mundiais, quando criaram obras de arte que mostravam basicamente o desespero humano diante da tragédia da guerra e da existência difícil num mundo onde falta o básico para a sobrevivência e sobra muito medo do futuro.



Na exposição de Botero, cujos quadros foram colocados sobre paredes cinzas, mostra a ideia do artista que disse que queria deixar “um testemunho de artista que viveu seu país e seu tempo. É como dizer: vejam a loucura em que vivemos (...). Meu país tem duas caras. A Colômbia é o mundo amável que eu pinto sempre, mas também tem essa cara terrível da violência” Nessa exposição, Botero dá um destaque especial às mulheres, na série “Las Madres” que retratam mães chorando a perda de seus filhos.


“Dores da Colômbia” é parte de uma corrente artística que vincula a arte e política, em contextos onde o artista se dá o papel de interpretar e denunciar fatos históricos em suas telas. São inúmeros os exemplos, como Delacroix, Francisco Goya e Pablo Picasso (com sua “Guernica”). Como um gesto de solidariedade ao seu povo, Botero doou a coleção ao Museu Nacional da Colômbia, quando declarou: “Não vou fazer negócio com a dor do meu país”.



Em geral, com suas figuras gordas que são sua marca pessoal, Botero satiriza figuras de destaque da sociedade contemporânea.



Fernando Botero, ao lado de uma escultura
Mas quem é Fernando Botero? Um pouco de sua biografia:


Ele nasceu na cidade de Medellin, na Colômbia, em 19 de abril de 1932. Ele é pintor e escultor e sua maior reputação dá-se pela forma voluptuosa e arredondada de sua figuras gordas. Ainda vivo, ele é um dos raros artistas que gozam de fama e glória, em vida. Oficialmente, sua carreira começou em 1958, quando ele ganha o prêmio do Salão dos Artistas Colombianos.


Botero fez inúmeras viagens aos Estados Unidos e Europa, desenvolvendo um estilo que lhe é muito próprio, que já podia ser visto em 1957 com sua pintura “Natureza morta à La mandoline”. Por esse estilo tão característico, Botero não se enquadra em nenhum movimento ou corrente estilística passada ou atual. Sua obra é, ainda, inspirada basicamente na arte pré-colombiana.


Fernando Botero passa sua infância em Medellin, onde faz seus primeiros estudos. Para seguir com os estudos secundários, ganha uma bolsa para o Colégio Jesuíta Bolivar. Passou um período estudando numa Escola de Touros, paga por seu tio apaixonado por touradas. Mas Botero ficou traumatizado com essa experiência e desenvolve medo de touros. Mas seus primeiros desenhos tem como tema principal os touros e as touradas.


Em 1948, com apenas 16 anos de idade, Botero consegue publicar seus desenhos no suplemento dominical El Colombiano, um dos jornais mais importantes de Medellin. Já nessa época, sua influência principal era a arte pré-colombiana, mas também lhe atraíam as obras dos muralistas mexicanos, como Diego Rivera, José Orozco e David Siqueiros. Os cursos que fez de História da Arte lhe fizeram descobrir os pintores europeus, especialmente Pablo Picasso. Em 1949, recebeu uma reprimenda da direção de sua escola por causa dos desenhos de nus que fazia para El Colombiano, sendo, em seguida, expulso da mesma escola porque havia escrito um artigo sobre arte contemporânea europeia, intitulada “Picasso e o incoformismo na Arte”.


Em janeiro de 1951, muda-se para a capital do país, Bogotá. Começa a ler os poemas de Pablo Neruda (1904-1973), Federico Garcia Lorca (1898-1936) e se interessa pela corrente literária do realismo mágico. Em junho do mesmo ano, ele faz sua primeira exposição individual, composta de 25 desenhos, aquarelas, guaches e telas pintadas a óleo. A exposição foi um sucesso e ele vendeu algumas obras. Nova exposição em 1952, ele apresenta as obras que fez na costa das Caraíbas. Em agosto do mesmo ano, ele ganha um prêmio no Salão dos Artistas Colombianos e, com o dinheiro do prêmio em mãos, resolve viajar para a Europa.


Chega em Barcelona em agosto de 1952, mas logo vai para Madri, onde se inscreve na Academia Real de Belas Artes de São Fernando. No Museu do Prado, ele estuda as obras dos mestres espanhóis, como Diego Velázquez e Francisco Goya.


Em 1953 faz uma pequena viagem a Paris. Fica decepcionado com as obras contemporâneas expostas no Museu de Arte Moderna de Paris e resolve ir estudar os mestres no Museu do Louvre. Em seguida, vai para Florença, Itália, e é admitido na Academia São Marcos. Lá, ele estuda a técnica do afresco, atraído pela arte do Renascimento italiano. Copia diversas obras, entre elas de Giotto di Bondone e Andrea Del Castagno. No período noturno, aprende pintura a óleo num atelier da Via Panicale que havia pertencido ao pintor Giovanni Fattori. Em 1954 assistiu a diversas conferências sobre arte, com o historiador de arte italiana Roberto Longhi, na Universidade de Florença. Isso faz com que Botero se interesse ainda mais pela arte do Quattrocento italiano, especialmente fascinado pelas obras dos pintores Paolo Uccello e Piero della Francesca.


Em março de 1955, resolve voltar para casa, em Bogotá. Dois meses depois, faz mais uma exposição com 20 pinturas trazidas da Itália. Mas essa exposição chocou o público, e ele não vendeu nada. Os críticos condenaram duramente seu trabalho. Sem dinheiro e precisando cuidar da vida, Botero trabalho algum tempo como vendedor de pneus e, em seguida, aceitou fazer trabalhos gráficos para a imprensa. Casa-se com Gloria Zea e em 1956 vai morar no México.


Foi em 1957, com sua pintura “Natureza morta à La mandoline” que Botero descobriu que podia dilatar as formas e exagerar os volumes de suas figuras, sua característica de estilo até hoje. Em abril, vai para Washington, EUA, fazer sua primeira exposição em território norte-americano. Aproveita para visitar diversos museus em Nova Iorque, e lá descobre o expressionismo abstrato, que já estava em voga desde o fim da década de 1940. Consegue o apoio de uma galerista em Washington, o que lhe permite sustentação financeira.


A exposição, no Museu do Olho de Curitiba, em 2011
Em maio de 1957 ganha novamente o Prêmio dos Artistas Colombianos. No ano seguinte, foi nomeado professor de pintura na Academia de Belas Artes de Bogotá, aonde fica até 1960.
Nesse ano, faz ilustrações para um livro do escritor Gabriel García Márquez, que serão também publicadas no jornal El Tiempo, de Bogotá. Mas em 1960 ainda, ele resolve deixar a Colômbia pela terceira vez, para ir viver em Nova Iorque. Ele expõe, no mês de outubro na Galeria Gres, a série “Menino de Vallecas após Velázquez”, que causou surpresa àqueles acostumados com pinturas mais coloridas do começo da carreira de Botero. Em novembro, ele ganha o prêmio “Guggenheim International Award”, pela Colômbia, com a tela “A batalha do arqui-diabo”.


A partir de 1867, já com a segunda esposa, Botero viaja regularmente entre a Colômbia, os EUA e a Europa. Vai para a Alemanha ver de perto a obra do artista alemão da Renascença Albrecht Durer, que lhe dão inspiração para fazer uma série de desenhos com carvão. Também faz no mesmo período diversas pinturas a partir do quadro “O café da manhã sobre a grama” do pintor francês Édouard Manet. Fez sua primeira exposição em Paris em setembro de 1969, na galeria Claude Bernard.


Em 1970, nasce seu terceiro filho, Pedro, em Nova Iorque, inspirando o pintor a fazer uma série de quadros que representam os primeiros anos de vida de seu filho. Em 1973, Botero deixa os EUA e vai morar em Paris. O filho pequeno, com quatro anos, morre num acidente de carro, o que abala fortemente o pintor. Em homenagem a ele, o Museu Zea de Medellin inaugura uma nova sala e lhe dá o nome de Pedro Botero, onde estão dezesseis obras doadas pelo pintor em memória de seu filho.


Entre 1976 e 1977, Botero se dedica mais à escultura e ganha vários prêmios na Colômbia e Venezuela.
Em 1983, Fernando Botero faz uma série de ilustrações para o livro “Crônica de uma morte anunciada” de Gabriel García Márquez. Em 1984, doa diversas esculturas ao Museu Antioquía de Medellin e 18 pinturas ao Museu Nacional de Bogotá. E passa os dois anos seguintes pintando telas com o tema das touradas, que ele expõe na Alemanha, Espanha, Itália, Japão e Venezuela.


Em 2000, ele faz uma doação de sua coleção particular para as cidades de Medellín e Bogotá, uma coleção que compreende mais de duzentas pinturas, desenhos e esculturas suas, assim como cerca de cem obras de artistas como Picasso, Monet, Renoir, Matisse, etc.


Em 2004, Fernando Botero se revolta contra os maus tratos sofridos pelos prisioneiros da prisão de Abou Ghraib no Iraque e produz uma série de trabalhos inspirado nesses fatos. Em 2008 foi nomeado Doutor Honoris Causa pela Universidade Autônoma de Nuevo León, onde ele apresentou uma exposição com as obras inspiradas na polêmica de Abou Ghraib.


Fernando Botero ainda é vivo e alterna sua morada entre a Colômbia, Itália, França e Nova Iorque.



domingo, 19 de fevereiro de 2012

Guerra e Paz - para não esquecer

Milhares de paulistanos foram ver os paineis de Portinari, Guerra e Paz
Hoje, segunda-feira de carnaval, milhares de paulistanos foram ao Memorial da América Latina. Não que lá tivesse alguma grande programação carnavalesca. Não. A programação era ver arte mesmo, a arte presente nos paineis "Guerra e Paz" de Candido Portinari.

Sol forte, dia quente, e mesmo assim a fila não parava de crescer no Memorial. A cada 20 minutos, uma leva de 300 pessoas entrava de uma vez para ver os dois paineis de perto. Enquanto isso, a fila do lado de fora se mantinha em torno das 500 pessoas. E isso o dia inteiro, me disse o guarda. O horário de visita começa as 9h da manhã e vai até às 18h.

Os paineis foram pintados entre 1952 e 1956 e ficam instalados na sede da ONU em Nova Iorque, no hall de entrada do prédio. Mas o acesso a eles é restrito a autoridades do mundo todo. Por isso também, é bom fazer um esforço para ir vê-los, aqueles que estão aqui em São Paulo. Aqui eles estarão expostos até 21 de abril. Depois que voltarem ao prédio das Nações Unidas, em 2013, provavelmente ficarão durante décadas, bem longe do acesso público. Os paineis só puderam vir ao Brasil desta vez porque uma grande reforma está sendo feita no prédio da ONU e muito esforço foi feito, por parte do Projeto Portinari com o apoio do governo brasileiro, para que eles viessem para cá e pudessem ser restaurados aqui e mostrados ao povo.

Ao fundo o painel Paz.
Nada mais justo. Portinari é paulista, Portinari pintou o povo brasileiro, Portinari é do Brasil. Como podemos ver pelas cores e pelas figuras que ele escolheu para ilustrar esses dois temas sempre tão atuais da história da humanidade: Guerra e Paz. Os mesmos esquálidos seres humanos, em desespero diante da morte, diante das atrocidades da guerra. E os mesmos meninos e meninas, brasileiros em suas cores e suas brincadeiras, que aparecem por todo o painel Paz.

Não há como não sair de lá emocionado com o que se vê, diante da grandiosidade da tarefa aceita pelo pintor já doente, intoxicado pelo chumbo das tintas. Mas ali está a sua própria alma brasileira, ali pintada a sua alma caipira, e a marca da sua alma socialista: o sonho dele era maior do que ele, maior do que sua doença, que uma simples tela, tão grande quanto um painel: o sonho de um mundo de paz, de um mundo justo, de um mundo bom para todos.

Um sonho que ele via com o coração, como ele mesmo disse:

"A pintura que não fala ao coração não é arte, porque só ele a entende. Só o coração nos poderá tornar melhores e é essa grande função da arte. Não conheço nenhuma grande Arte que não esteja intimamente ligada ao povo”.

quinta-feira, 16 de fevereiro de 2012

A arte realista de John Singer Sargent

El Jaleo, John Singer Sargent
John Singer Sargent nasceu em Florença, Itália, em 12 de janeiro de 1856, mas era filho de pais norte-americanos, originários da Filadélfia e por isso, ele é considerado de origem norte-americana. A família de John Singer Sargent vivia modestamente em Florença, Itália, e sem contato com outros norte-americanos que viviam naquele país. Recebiam apenas as visitas ocasionais de alguns amigos artistas.

Sargent, desde pequeno, viajava com sua família por países europeus, visitando museus e igrejas, pois sua mãe considerava isso fundamental para a educação dos filhos. Ela era uma artista amadora, enquanto seu pai fazia ilustrações para uso na medicina. Por isso, desde cedo ele ganhava cadernos de desenho e era encorajado a desenhar em suas viagens. Fazia, então, desenhos detalhados das paisagens que via e chegou a copiar as imagens de uma revista londrina ilustrada. Adorava desenhar navios, o que fez seu pai achar – e desejar – que o menino fosse acabar seguindo uma carreira de marinheiro.

Quando ele completou 13 anos, sua mãe achou que era hora de levar o filho, que já desenhava muito bem, a um estudo mais sistemático, e ele recebeu suas primeiras lições de aquarela com Carl Welsch, pintor paisagista alemão. Sargent já sabia muito de arte, literatura e música. Também falava fluentemente francês, italiano e alemão. Aos 18 anos já conhecia de perto, e bem, os grandes mestres italianos como Tintoretto, Ticiano e Michelangelo.

Lady Agnew, Sargent
Sargent é considerado um dos maiores retratistas de sua época, mas se dedicou também à pintura de paisagem e pinturas urbanas. São muito conhecidas as aquarelas que ele pintou da cidade de Veneza, Itália.

Ele trabalhava intensamente em sua arte, de manhã à noite, diariamente, sete dias por semana. Entre 1877 e 1925 ele pintou mais de 900 telas a óleo e mais de duas mil aquarelas, além de incontáveis desenhos com carvão e lápis-grafite. 

Sargent começa seus estudos na Academia de Florença, mas foi na França que ele recebeu sua formação mais densa. Com apenas 18 anos de idade foi admitido no Atelier do pintor realista Carolus-Duran, em Paris, um artista que se inspirava na obra do também pintor francês Gustave Courbet. Sargent passou também pelo atelier de outro pintor francês, Léon Bonnat. Sua educação foi fortemente influenciada na pintura do mestre espanhol Diego Velázquez e na do holandês Franz Hals.
Seus estudos no atelier de Carolus-Duran compreendiam desde desenho de anatomia até perspectiva. Mas também passa grande parte de seu tempo desenhando nos museus de Paris. Nessa época ele partilhava um atelier com seu amigo pintor e norte-americano James Carrol Beckwith, seu primeiro contato com os inúmeros norte-americanos que no século XIX foram viver no estrangeiro, para aprender pintura.

Carolus-Duran exigia muito empenho no desenho, ao qual Sargent se submeteu. Lá ele aprendeu a pintar alla-prima (com o pincel diretamente na tela, sem preparação anterior), como era o estilo de Diego Velázquez.

Esboço para Dama Ethel Smyth

Rapidamente Sargent se tornou o aluno favorito de Carolus-Duran, que considerava seus desenhos e suas pinturas dentro da “mesma veia” dos velhos mestres. Logo, o jovem pintor passou a ser admirado em Paris. Ele passou a conviver com artistas do nível de Degas, Rodin e Monet, entre outros.Com 23 anos de idade, pinta o retrato de seu mestre Carolus-Duran. Em seguida expõe no Salão de Paris.

Em 1879, Sargent se despede do atelier de Carolus-Duran e viaja para a Espanha, com o desejo de estudar as pinturas de Velazquez. Lá, ele se apaixona pela música e pela dança espanhola. Ele sempre foi um apaixonado por música durante toda a sua vida. Da Espanha, foi para a Itália onde realizou inúmeros esboços e anotou ideias para diferentes pinturas que ele fará depois.

Em seu retorno a Paris, recebeu uma enxurrada de pedidos de retratos e sua carreira deslancha. Sargent tinha uma grande capacidade de concentração e disciplina, que o manteve pintando durante os próximos 25 anos de sua vida. Ele já era, então, a grande vedette em meio aos artistas em Paris, inclusive por sua maneira refinada e seu francês perfeito.

Nos anos 1880, Sargent expõe regularmente no Salão de Paris. Os críticos da época o comparavam a Velázquez, especialmente após o quadro “As filhas de Edward Darley Boit”, pintado em 1882, baseado em “As meninas” do pintor espanhol.

Claude Monet pintando ao ar livre, óleo sobre tela, John Singer Sargent, 1885

Tudo ia muito bem para John Sargent, quando ele pinta e expõe seu quadro “Madame X”, em 1884. Atualmente, ela é considerada sua obra-prima e era sua preferida, segundo seus biógrafos. Ele teria dito em 1915 que aquela pintura era a melhor coisa que ele já tinha feito. Mas quando a tela é apresentada ao Salão de Belas Artes de 1884, a reação de críticos e público foi tão negativa que obrigou o pintor a se mudar de cidade, indo se instalar em Londres. Ocorre que a senhora retratada por ele não havia encomendado essa pintura e isso causou muito escândalo em Paris. E ela própria se envolveu, causando muito incômodo para Sargent. Para o público, era difícil aceitar uma pintura de uma mulher com tanta diferença entre a cor do seu vestido e a de sua pele. Foi um golpe difícil pare ele, que chegou a pensar em parar. Mas, diante da reação escandalosa de todos, Sargent resolveu ir embora de Paris.


Carnation, Lily, Lily, Rose, Sargent
Se instala em Londres. Mas os críticos de arte inglesa resistiram a aceitar a pintura dele, acusando-o de pintar de maneira muito francesa. Um de seus críticos dizem inclusive que sua maneira de pintar era dura e quase metálica. Mas com o tempo Sargent foi atraindo a atenção dos ingleses para seu trabalho e logo começou a receber muitas encomendas para retratos.

Na Inglaterra, Sargent passou bastante tempo pintando no campo. Em 1885, visitando Monet em Giverny, França, ele pintou aquele que é considerado um de seus quadros mais impressionistas, representando Monet pintando a céu aberto (plein-air). Nessa década de 1880, Sargent chega a participar de várias exposições impressionistas. Ainda que os ingleses chegassem a classificar Sargent como impressionista, os franceses, como Monet, não concordavam com isso porque viam na pintura dele uma influência muito grande de seu mestre realista Carolus-Duran.

O primeiro grande sucesso de Sargent na Inglaterra teve lugar na Academia Real em 1887, com seu quadro “Lily, Lily, Rose” representando duas meninas com lanternas num jardim inglês. Essa pintura é parte do acervo da Tate Gallery de Londres.

Sua primeira viagem aos EUA foi entre 1887-88, indo para Nova Iorque e depois Boston, onde ele faz sua primeira exposição individual nos EUA, apresentando 22 obras. E recebe novos pedidos de retratos.


Uma rua em Veneza, Sargent
Para pintar os retratos, Sargent solicita de oito a dez sessões com o modelo a ser pintado. Muitas vezes na casa da pessoa que solicitou, mas a maioria das vezes em seu atelier, bem sortido de móveis e objetos que ele mesmo escolhia para que o efeito fosse bom. Normalmente ele entretinha seus clientes com alguma conversa e algumas vezes interrompia a sessão para tocar um pouco no piano. Muito raramente fazia esboços preparatórios. Como tinha aprendido com Carolus-Duran, a maior parte das vezes ia diretamente com o pincel na tela. Sargent nunca teve assistentes. Ele mesmo preparava suas telas, envernizava suas pinturas, além de se ocupar pessoalmente com a papelada e documentos do atelier. Ele era tão famoso retratista que diversos clientes norte-americanos ricos iam a Londres apenar para serem pintados por Sargent.

Durante os anos 1890, ele chegava a receber catorze encomendas de retratos por ano, o que lhe valeu o título de “o Van Dyck” daqueles tempos. Agora viajava com bastante freqüência aos EUA, sobretudo por causa das encomendas que recebia.

Entre 1900 e 1907, Sargent produziu num ritmo intenso, mais de doze retratos a óleo por ano, mas também fazia dezenas de retratos apenas desenhados, que ele vendia por preço mais baixo. Com 51 anos de idade, em 1907, Sargent fecha seu atelier de retratos. Nesse mesmo ano, pinta seu próprio retrato. Se concentra em pintar apenas paisagens.
Os intoxicados, óleo sobre tela, Sargent, 1918
Mas em 1917, a maior parte da crítica já o considera um pintor do passado. Os artistas modernos o consideravam desconectado da realidade da vida norte-americana e das novas tendências nas artes. Ele aceita as críticas calmamente, mas se recusa a mudar sua opinião negativa sobre as novas tendências artísticas. Ele teria dito que “Ingres, Rafael e El Greco possuem atualmente toda a minha admiração. Eles são o que eu amo”.

Durante a sua carreira, Sargent pintou centenas de aquarelas, mais de duas mil. Do campo inglês à cidade de Veneza, ele era infatigável aquarelista. As de Veneza, por exemplo, muitas delas ele pintou sentado dentro de uma gôndola. Nelas, ele expressava sua atração pela natureza, pela arquitetura, pelas paisagens com montanhas. Mas também pintou seus amigos, sua família, os jardins de sua casa.

A primeira vez que ele expôs essas aquarelas foi em 1905, na Carfax Gallery de Londres. Em 1909, expôs 86 aquarelas em Nova Iorque. De seus retratos feitos com carvão, ele expôs 46 deles – realizados entre 1890 e 1916 – na Sociedade Real de Pintores de Retratos em Londres, em 1916.
John Singer Sargent morreu em 14 de abril de 1925, em Londres, Inglaterra.
As filhas de Edward Darley Boit - inspirado em As Meninas, de Velázquez