Mulher de azul lendo uma carta

Hoje de manhã resolvi ir ao Masp ver a obra-prima de Johannes Vermeer, “Mulher de azul lendo uma carta”, pintada entre 1663-1665. A pintura, que é do acervo do Rijksmuseum de Amsterdã, está sendo exibida aqui em São Paulo até 10 de fevereiro.

"Mulher de azul lendo uma carta", de Jan Vermeer, 1663-65

Quase não tinha ninguém no museu, o que foi bom. Sentei-me em frente a ela, a pintura, e lá fiquei decifrando os segredos por trás do rosto da mulher de azul que lê uma carta misteriosa. De alguém que está longe? Pode ser... Sempre se espera notícias daqueles que estão distantes de nós, longe ou perto. As mãos dela, delicadas, seguram firmes no papel sobre o qual seu olhar se lança, como através de uma janela para enxergar coisas distantes. O brilho no rosto dela podem vir da janela, podem vir da carta. Sua barriga parece guardar uma gravidez. Seu rosto e seus cabelos são do mesmo tom do mapa a seu lado, que representa as expansões espaciais da vida...

Detalhe da pintura

Vermeer tem muitos quadros em que uma mulher está perto de uma janela, e a janela aparece. Mas neste aqui, só sabemos da janela pela luz que entra no aposento, e ilumina a testa dela, os dedos dela, o vestido azul lápis-lazuli dela. Os olhos estão atentos à carta, mas quando olhamos para a boca e para os olhos simultaneamente, os olhos são tristes. Me olho no espelho? Vermeer pintou esta tela com uma paleta muito reduzida, quase restrita ao azul do lápis-lazuli, mais terra-de-sena-queimada, sena-natural, e o que mais? A sombra do vestido azul da moça que parece grávida é uma sombra fria, intensa. Sobre a mesa há livros e um manto escuro que aumenta a sombra da parte inferior do quadro. Um mapa na parede parece dizer que o autor daquela carta anda por muito longe... E o azul que se espalha por vários lugares do quadro, no encosto e acento das cadeiras, na base que segura e estica o mapa, na sombra da saia da moça, na sombra do manto escuro e explode na blusa dela. Lápis -lazuli é uma pedra de cor azul que vinha da Índia e custava caríssimo no tempo de Vermeer.  Mas ele preferia o azul dessa gema cara ao azul do azurita, muito mais barato. Ele mesmo esmagava o pigmento, misturava com óleo de linhaça, preparava suas tintas.

Mas eu estava ali, sentada em frente dessa moça de azul de lápis-lazuli, lembrando do “No caminho de Swann”, de Marcel Proust que ando lendo... Proust adorava Vermeer. Ficou tão impressionado com o quadro “Vista de Delft”, numa exposição que teve em Paris, que a considerou a mais bela pintura que ele jamais vira. Faz uma descrição dela em um dos livros da série “Em busca do tempo perdido”. Mas eu ainda não cheguei lá.

Detalhe da pintura

Ainda estou no Caminho de Swann. Enquanto meus olhos percorrem o quadro de Vermeer, minha mente passeia pelas páginas já lidas, olhando para dentro como a moça que olha para o que está escrito na carta. Levei o livro para ler em minha viagem a São Luis, à casa da minha mãe. Coisa estranha. Ler Marcel Proust na casa da nossa mãe traz um gosto diferente, uma mistura de mundos, pois enquanto eu lia as descrições da casa do personagem, das relações familiares, da mãe, do pai, e das escaramuças entre a tia Léonie e Françoise, a empregada, no meu próprio pano de fundo os sons da minha própria família, conversas ocasionais, pequenas rusgas, e minha mãe pra lá e pra cá cuidando do almoço na cozinha, enquanto orientava a sua própria empregada. Eu parava a leitura, ouvia. Era a ilustração do que eu lia. Voltava à leitura, e reencontrava o personagem principal “àquela hora em que eu descia à cozinha para saber o que se preparava...”. Mundos que se entrecruzam...

Vermeer era realista. Marcel Proust incomoda com tanto realismo! Chega a beirar o insuportável! Por isso são tão poucas as pessoas que encaram a leitura de “Em busca do tempo perdido”. Ele era um fascinado pela realidade cotidiana, simples, corriqueira, aquela que nem nos chama a atenção, de tão rotineira. Mas Vermeer via. Mas Proust via. Um exemplo:

“Parava para olhar em cima da mesa, onde a criada de cozinha acabava de as debulhar, as ervilhas alinhadas e contadas como bolitas verdes em um jogo; mas todo meu encantamento era para os aspargos, empapados de azul ultramar e rosa, e cujo talo, delicadamente estriado de azul e malva, se degrada insensivelmente até a base – ainda suja do solo onde estivera – com irisações que não são da terra. Parecia-me que aqueles matizes celestiais traíam as deliciosas criaturas que se haviam divertido em metamorfosear-se em legumes e que, através do disfarce de sua carne comestível e firme, deixavam transparecer naquelas cores frescas de aurora, naqueles esboços de arco-iris...”

Proust parece ter efetuado um mergulho em busca do tempo perdido, se agarrando a pedaços de real que o tempo ia deixando escapar... Desde o começo ele fala em cores, em tintas, em pinturas, em luzes, em artistas. Alguns trechos parecem ter sido escritos como quando se contempla um quadro do outro realista, o Jan Vermeer... Como eu aqui, frente a essa moça azul, meus olhos vasculhando os momentos do quadro, encontrando a projeção da sombra da cadeira na parede e tendo a sensação de que ao mesmo tempo que o real me fisga, o real me escapa. Se eu fosse o Proust agora...

Mas eu também estava sob uma sombra naquela praia da Baronesa, em Alcântara. Olhava o mar, o céu, as ondas, os navios, os barcos, as gentes poucas daquela praia. Peguei meu lápis e capturei aquilo ali. Tem momentos que devem ser capturados, porque eles não voltam nunca mais! Ah, as coisas sem retorno da vida...

Volto ao museu e me levanto e vou embora, porque o mergulho dentro do quadro já foi longe demais e a vida me chama para trabalhar. Na rua, a luz externa me ofusca mas lança uma luminosidade ao meu coração e vejo que foi bom ter encontrado Vermeer nesta manhã nublada e cinza. E vi que será bom quando à noite em casa abrir meu livro e ver o mundo através dos olhos de Marcel Proust... Arte é vida.

Una Madonna per mia madre

Parte do processo de trabalho em meu ateliê

Pintei esta imagem, em pastel, a partir da pintura original "Madonna delle Arpie", feita em 1517, pelo pintor maneirista italiano Andrea del Sarto. O processo durou mais ou menos 20 dias de trabalho e foi um presente para a minha mãe, Dalva Leite, que mora em São Luís do Maranhão, aonde estive por dez dias neste final-começo de ano. Ver o rosto feliz da minha mãe ao receber o presente foi uma alegria imensa para mim! De tão feliz, ela ia pedir para algum padre abençoar o quadro, que será, para ela, uma imagem sagrada. Para mim também é sagrada: desde menina queria convencer meus pais de que eu poderia ser artista. Neste natal de 2012, décadas depois, minha mãe disse: você é uma artista! Momento muito simbólico para mim...

Sobre a pintura, resolvi não fazer uma cópia fiel, mas dar um estilo mais pictórico, deixando partes sem muita finalização, como a mão que segura o livro. A pintura original é maior, inclui outras figuras, como se pode ver abaixo. Giorgio Vasari, artista e historiador italiano, diz que Del Sarto teve a intenção de fazer com que esta imagem parecesse uma escultura, pois colocou a Madonna sobre um pedestal.

Andrea del Sarto foi um pintor italiano do período do alto Renascimento, nascido perto de Florença em 26 de novembro de 1486.

A pintura original "Madonna delle Arpie",
de Andrea del Sarto, 1517

Ele era filho de um alfaiate (em italiano se diz “sarto”) e com sete anos de idade começou a ser aprendiz de um ourives. Em seguida, tornou-se aprendiz do pintor e escultor em madeira Gian Barille. Como ele progredia muito rapidamente na pintura, foi encaminhado para o ateliê de Piero di Cosimo e, em seguida, para o de Rafaellino del Garbo.

Com um amigo, Andrea abriu seu próprio ateliê na Piazza del Grano. Nessa época ele fez uma série de pinturas monocromáticas, em grisália. Tempos depois, os amigos seguem caminhos separados e Andrea del Sarto se destaca individualmente.

Em 12 de dezembro de 1508 ele foi admitido na corporação dos pintores, a “l’Arte dei Médici e degli Speziali”, e são deste ano as suas primeiras obras. Fez diversas pinturas murais, afrescos e pinturas monocromáticas.

Casou-se em 1518 com Lucrezia del Fede. No mesmo ano viaja para a França a serviço do rei francês François I, com seu aluno Andrea Squarzzella. Ele já havia feito para o rei francês a “Madonna col Bambino”, além de outras obras. Sua esposa o chama de volta para a Itália, mas o rei lhe exige que sua ausência seja breve. Mas Andrea, já em Florença, resolve construir uma casa na cidade. O rei reage impedindo que Andrea volte a fazer parte de sua corte, sem outras maiores punições.

Em 1520 seu trabalho se concentra em Florença, fazendo diversas pinturas e afrescos.

Andrea del Sarto morreu de peste em Florença em 1531. Seu corpo está enterrado no chão da capela dos pintores da Santíssima Annunziata com mais outros 14 pintores.

Detalhe em pastel da "Madonna delle Arpie", Mazé Leite, 2012

Rápidos rabiscos

No centro histórico de São Luís, hoje conhecido como Projeto Reviver

Fui para São Luís do Maranhão neste fim de 2012, como faço a cada um, dois anos para visitar minha mãe e irmãos que moram por lá. Passei o reveillon em Alcântara, cidade ainda mais antiga, primeira capital do Maranhão.

São Luís se moderniza com uma velocidade incrível. A cada vez que vou lá, encontro muita coisa nova e diferente. Mas tem coisas que ainda não mudaram, principalmente a miséria do povo, abandonado pelos mesmos que mandam naquele Estado há uns 50 anos, cujo sobrenome o Brasil inteiro conhece: Sarney. Povo pobre, família Sarney riquíssima.

Enquanto olhava de novo as mesmas velhas construções cada vez mais deterioradas por causa do abandono por parte dos sucessivos maus governos municipal e estadual, resolvi que ia fazer uns sketchs sem muito apuro, pegando só o sentido do que vi. Nem quis ser muito literal. Olhava, rabiscava a lápis, pegava o que queria e finalizava com nanquin. Fugi das novidades. Fiquei mais no que representa a cultura maranhense, grandemente influenciada pela cultura de origem indígena e africana, mescladas. Velhas embarcações, construções de palha, artesanato rudimentar, redes, praias, casas de taipa, coqueiros, canoas, redes de pesca, chapéus de palha, imagens religiosas católicas e do candomblé... Uma atmosfera meio barroca ainda ronda o Maranhão...

O calor de lá, junto com o sol quente, dá uma preguiça danada...

Vista da baía de São Marcos, do paredão ao lado do Palácio dos Leões

Na avenida Litorânea, essa mesa tosca empurrava o coqueiro

Uma espécie de tenda coberta de palha, na praia da Baronesa em Alcântara

Velho lustre feito de metal, quase simétrico, quase bonito,
mas mantém uma rudeza que diz muito sobre aquela terra.
Ele estava sobre uma mesa do restaurante da Pousada Bela Vista

Teto de palha que cobre um local de descanso com redes estendidas,
na Pousada Bela Vista em Alcântara, MA 

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Um barquinho que voltava de Alcântara

Feliz 2013!

Neste final de 2012, desejo que o mundo

seja cada vez um lugar melhor de se viver! 

Que as mãos que se buscam acima,

na pintura de Michelangelo, nos lembrem que devemos buscar nos unir cada vez mais na construção de um mundo melhor para todos!

Por um mundo justo e bom de se viver!

Que todos sejamos felizes neste fim de ano!

Que sejamos felizes em 2013! 

Que o mundo se torne mais belo,

mais harmonioso, mais justo!

Um mundo melhor!

Um mundo bom e igual para todos!

Um mundo de Paz!

Obrigada a todos os que diariamente visitam este Blog que fala de Arte!

Continuemos esse mergulho profundo na Beleza do mundo que a Arte revela!

Como diz o poeta Vinícius:

"Que tudo seja belo e inesperado"!

Um Feliz 2013!

O artista russo Ilya Repin

Ilya Repin: "Os barqueiros do Volga"

Ilya Repin, fotografia, 1890

Ilya Repin nasceu em 1844 em Tchougouiev, na Ucrânia. Seu pai era um soldado. Iniciou seus estudos de pintura com um pintor de ícones chamado Bunakov. Em seguida, entrou para a Academia Imperial de Belas Artes de São Petersburgo em 1863, onde estudou até 1871. Entre 1873 e 1876, viajou pela Itália e por Paris, graças a uma bolsa de estudos que havia ganhado na Academia.

Se juntou a uma sociedade de pintores ambulantes, a partir de 1878, que realizavam exposições artísticas ambulantes. Após 1882 se estabeleceu em São Petersburgo, mas fez muitas viagens ao exterior. Conheceu a obra do pintor holandês Rembrandt, que o inspirou muito em seus retratos.

Sobre ele foram escritas inúmeras publicações, desde livros a monografias e centenas de artigos. Ilya Repin é um mundo dentro da pintura russa!

Ilya Repin: "Adeus de Puchkin ao mar"

A Rússia em que ele viveu era dominada pelo regime dos czares. Quando Repin nasceu, a Rússia estava sob o domínio do czar Nicolau I, mas em 1894 assumiu o czar Nicolau II que foi deposto pela Revolução Socialista de 1917. A injustiça e a opressão que ele via acontecendo com seu povo, retrato da administração dos czares, lhe incomodava muito e Repin denunciou isso em vários de seus quadros. Movimentos revolucionários pipocavam em toda a Rússia, lutando contra o império czarista. Repin pintou retratos de amigos escritores como Tolstoi, L. Andreeva, Maxime Gorki e V. Garshina, assim como dos artistas P. Strepetovoy e Mussorgsky. Também pintou o retrato do famoso químico Dmitry Mendeleyev.

Um de seus quadros mais conhecidos é "Ivan, o Terrível e seu filho Ivan".

Repin pintou centenas de quadros e fez milhares de esboços e desenhos. Também escreveu um livro de memórias intitulado "Longe perto". Nele conta, por exemplo, como fez sua pintura “Os barqueiros do Volga". Foi em 1868. Ilya Repin era estudante na Academia de Artes e participou de um concurso de pintura sobre a história bíblica com o tema "Jó e seus amigos." Em um dia agradável de verão, ele e outro artista, K. Savitsky, resolveram ir juntos fazer croquis pelo rio Neva, em um barco de passageiros. Lá, avistaram trabalhadores maltrapilhos puxando um barco com seus corpos amarrados a cordas. Sujos de barro, muitos deles sem camisa, bronzeados pelo sol. Os rostos eram pesados, marcados, onde o suor escorria. Contrastavam muito com os passageiros do barco, especialmente as perfumadas e elegantes senhoras da sociedade. Ilya Repin disse a seu amigo: “Que imagem é esta? Pessoas tratadas como animais!” E disse que essa visão o deixou tão impressionado que não parava de pensar naqueles homens sujos, carregando cargas pesadas sobre a lama. Fez um esboço do que viu, que depois pintou (figura acima).

Retrato de Maxime Gorki, por Repin

A imagem chocou a todos, amigos e adversários do artista. Mas para pintá-lo, Repin levou vários anos de trabalho duro, fez duas viagens ao Volga, em contato diário com os trabalhadores. Acabou se tornando amigo desses heróis do seu quadro. Ele conta que trabalhou muito, longas horas em seu ateliê, fazendo esboços.

As primeiras impressões, ao ver aqueles homens cujo rosto expressava sofrimento sob duro esforço, fez com que seus primeiros esboços incluissem o contraste entre eles e as senhoras elegantes do barco no rio Neva. Mas, conforme foi amadurecendo as ideias, acabou por pintar a cena no rio Volga, em um céu de verão, com nuvens luminosas e um banco de areia sob sol quente. Bem no fundo, o navio, onde está o proprietário ou administrador a bordo. No primeiro plano, os barqueiros, tensos, num esforço supremo para puxar o barco, como pode ser visto na última figura à direita. O amarelo da areia, aparece na água e até no azul do céu. Água, céu e areia e 11 pessoas cujo trabalho vale menos do que o de cavalos, disse ele. Repin lembrou de um poeta, Nekrasov, que diz em um de seus poemas: “Vá para o Volga, cujo gemido é ouvido.” O rio Volga é o grande rio russo.

Esboço para um retrato, Repin

Mas esse artista planeja, numa grande síntese ideológica e criativa, valorizar os onze homens, colocando a linha do horizonte abaixo deles, assim como o Volga e o barco, onde o dono é muito menor que eles. Essa escolha de Repin deu a esse quadro um significado monumental, onde denunciava a situação de miséria e injustiça que vivia o povo sob o comando do império czarista.

Essa tela “Os barqueiros do Volga” colocou Ilya Repin na categoria dos melhores artistas russos. E ele ainda era um estudante... O quadro foi exposto em São Petersburgo, depois em Moscou e em seguida foi para a Exposição Mundial em Viena, Áustria. Esta imagem tornou-se o centro das atenções de toda a sociedade russa e recebeu elogios de diversos setores e círculos de artistas e intelectuais.

Mas o reitor da Academia de Belas Artes, ao contrário, considerou aquele quadro uma aberração, chamando de "estes gorilas" às figuras dos barqueiros, acrescentando que era uma vergonha para a Rússia e seu governo que um quadro como aquele fosse participar em exposições na Europa.

Retrato do paisaigista russo

Alexeï Bogolioubov, Ilya Repin

Mas um dos que defenderam Ilya Repin foi Dostoievski, que observou sobre o quadro: "É impossível não amá-los, estes inocentes.” Repin também disse que aquele quadro era a primeira voz e o mais poderoso grito de toda a Rússia, do seu povo oprimido, cujo grito era reconhecido em cada canto onde se falava o idioma russo. “E é o início da minha fama por toda a Rússia, ótimo”, acrescentou. Esse quadro se tornou um dos principais símbolos da opressão czarista sobre o povo.

Conta-se que Ilya Repin pensava muito ao executar suas pinturas, fazendo desenhos e esboços, incansavelmente. Cada detalhe era pensado e desenhado, antes de ser pintado. Suas obras são resultado de longo estudo, o que torna seus quadros, para quem se dispõe a observá-los atentamente, elegantes, marcantes e fortes. Um de seus quadros mais conhecidos é "Ivan, o Terrível e seu filho Ivan", além do “Os barqueiros do Volga”.

Ilya Repin conheceu o escritor Lev Tolstoi em Moscou e desde o primeiro encontro nasceu uma amizade que durou mais de 30 anos, até sua morte. Eles se admiravam mutuamente como artistas e quando já não moravam na mesma cidade, trocaram uma farta correspondência. Conversavam durante horas sobre arte. Repin fez vários retratos do amigo, com lápis, caneta, óleo e aquarela.

Tolstoi, por Repin

Entre 1880 e 1883 ele pinta outro de seus grandes quadros: "Procissão pascal na província de Kursk”, onde ele inseriu uma diversidade de tipos russos, como os camponeses, por exemplo, mas dando a eles um tratamento que os colocavam no nível dos personagens de magnitude histórica. Ao lado de uma senhora com ares de arrogância carregando um ícone (no centro do quadro), pintou policiais a cavalo, guardas, comerciantes, clérigos robustos, além de uma multidão de pobres, incluindo um adolescente aleijado que caminha com sua bengala em direção ao centro da pintura.

Repin era grande observador da vida de seu tempo. Com Ilya Repin o Realismo russo entrou na fase de maturidade e atingiu o auge.

No final do século XIX, a Rússia passava por grandes agitações políticas e diversos grupos revolucionários se organizavam. Ilya Repin pintou o quadro "A prisão do propagandista," entre 1870-1880. Mais uma vez é uma pintura que revela a alma engajada do artista, num episódio dramático da prisão de um revolucionário russo, carregado de bastante tensão, apresentado por Repin como um homem que escolheu o caminho da luta e do sofrimento, sendo retirado de casa pela polícia, sob os olhos assustados de sua família. Repin comungava com os ideais revolucionários e permaneceu fiel a eles até o final de seus dias.

Após a Revolução Socialista de 1917, a região onde ele morava ao norte de São Petersburgo, Kuokkala, foi incorporada à Finlândia (cuja independência se deu nesse ano). Vladimir Lenin, o líder da Revolução, convidou-o à ir morar em Moscou, mas Repin já se sentia muito velho para conseguir fazer essa viagem longa de cerca de 700 km de distância. Ele morreu em Kuokkala em 1930.

Ilya Repin: "A procissão pascal da província de Kursk"

Ilya Repin: "O levante de outubro de 1905"

Ilya Repin: "A prisão do propagandista"