Landseer, o pintor de animais

"Cães", Edwin Landseer

O pintor inglês Landseer

Edwin Henry Landseer, pintor inglês, nasceu no dia 7 de março de 1802 e morreu no dia 1º de outubro de 1873, há exatamente 141 anos. Ficou conhecido por suas pinturas de animais, especialmente cavalos, cães e veados. Mas suas obras mais conhecidas são esculturas de leões em Trafalgar Square, em Londres.

Landseer, filho do gravador de paisagens John Landseer, era uma espécie de prodígio cujo talento artístico foi reconhecido muito cedo na vida. Ele estudou com vários artistas, incluindo seu pai, e o pintor Benjamin Robert Haydon, que incentivou o jovem Landseer a realizar dissecções, a fim de entender completamente a musculatura dos animais e sua estrutura esquelética. A vida de Landseer foi entrelaçada com a Royal Academy. Na idade de apenas 13 anos, em 1815, ele expôs suas obras lá. Com 24 anos de idade, foi aceito como membro dessa Academia e, cinco anos depois foi nomeado cavaleiro. Em seguida indicado a presidente daquela entidade, mas recusou o convite.

Dos 30 anos e para o resto de sua vida, Landseer foi perturbado por crises de melancolia e depressão, agravadas pelo uso do álcool e drogas. No últimos anos de sua vida sua estabilidade mental era um grave problema, e, a pedido de sua família, foi declarado “louco” em julho de 1872.

Landseer foi uma figura notável na arte britânica do século XIX, e suas obras podem ser encontradas na Tate Britain, no Victoria and Albert Museum, na Kenwood House e na Wallace Collection, em Londres.

A popularidade de Landseer na Grã-Bretanha vitoriana era considerável, e sua reputação como um pintor de animais era muito grande. Uma parte de sua fama e de seus rendimentos deveu-se à publicação de gravuras de seu trabalho, muitos delas feitas pelo irmão Thomas.

"Dignidade e imprudência", Landseer

Sua produção artística cruzou as fronteiras de classe: reproduções de suas obras eram comuns em casas de pessoas mais pobres, da classe média, enquanto ele também era popular com a aristocracia. A rainha Victoria encomendou várias pinturas de seus animais de estimação, mas também encomendou um retrato de si mesma, como um presente para o príncipe Albert. Landseer também fez retratos dos filhos de Victoria quando bebês, geralmente na companhia de um cachorro. Uma de suas últimas pinturas foi um retrato equestre em tamanho natural da rainha, exibido na Royal Academy em 1873, feita a partir de esboços anteriores.

O pintor ficou tão popular como pintor de cães em serviço da humanidade, que seu nome veio a ser o nome oficial para a variedade do cão conhecido como Terra Nova, pois ele popularizou essa raça em suas pinturas, como aquelas onde cães resgatam pessoas.

Algumas das obras mais tardias de Landseer têm um carater um tanto pessimista: uma delas mostra dois ursos polares brincando com os ossos de mortos, enquanto outra mostra uma expedição ao ártico fracassada.

A morte de Landseer, em 01 de outubro de 1873, mexeu com a Inglaterra: lojas e casas fecharam suas portas, bandeiras foram hasteadas a meio mastro e grandes multidões foram às ruas para participar do cortejo fúnebre. Landseer foi sepultado na Catedral de São Paulo, em Londres.

Landseer deixou três pinturas inacabadas, em seus cavaletes em seu ateliê. Ele havia pedido que seu amigo, o também pintor John Everett Millais, terminasse o trabalho, o que foi feito. Diz-se que Landseer conseguia pintar com as duas mãos ao mesmo tempo, e era muito rápido em seu  trabalho. Mas quanto às encomendas, muitas delas levavam meses e até anos para o que o pintor se dispusesse a trabalhar nelas.

Mais alguns exemplos de pinturas de Edwin Landseer:

"Vida pobre", 1829, Landseer

"Vida rica", 1829, Landseer

"Tio Tom", Landseer

"A megera Tamed", ou "Cavalo encantado", 1861, Landseer

"Companheiros", Landseer

"Rei do vale", 1851, Landseer

"A salvo", Landseer

"Ligação", 1829, Landseer

"O choro do velho pastor", 1837, Landseer

"Gado selvagem de Chillingham", 1867, Landseer

"Falcão", 1837, Landseer

A política e os artistas

"A morte no sábado - homenagem a Vladimir Herzog",
óleo sobre tela, Antonio Amaral, 1975

A força das ideias gera a história, movimenta os povos, muda sistemas. Nas artes, inúmeros artistas não ignoraram o que aconteceu em seu próprio tempo, criando obras que foram testemunhos históricos e ao mesmo tempo marcos estéticos de suas épocas. Há relação, portanto, entre arte e política.

Vamos começar com um exemplo mais distante, mas que trouxe grande influência à nossa época e mesmo ao nosso país: na França do século XVIII, ideias as mais contraditórias disputavam espaço numa sociedade em ritmo de mudanças profundas em seu sistema político, econômico, social. Burgueses e aristocratas combatiam entre si os espaços de poder e de pensamento, enquanto que a grande maioria do povo vivia na pobreza. Os adeptos do velho regime se agarravam ferrenhamente ao passado; outros, inspirados pelos novos ideais carregavam novas bandeiras que balançavam ao sopro dos ventos de um mundo novo.

A Revolução Francesa marcou o fim desse "Ancien Régime" e dos privilégios da realeza e do clero. Até então o rei era o centro de toda a vida política e social na França. Os impostos cobrados ao povo eram extorsivos. A imensa maioria vivia na miséria, enquanto os membros da corte e do clero se refestelavam nos palácios. A Declaração dos Direitos do Homem e do Cidadão, de 1789, proclamou a igualdade dos direitos de todos diante da lei, além de defender direitos básicos dos cidadãos. Essa Revolução de 1789 marcou o início da era moderna e influenciou todos os recantos do mundo.

Marat assassinado, David

Em meio aos artistas, as discussões iam além de questões estéticas e as ideias dos adeptos do Romantismo já movimentavam os ateliês. Foi em meio a esse fervilhar de ideias que se destacou Jacques-Louis David (1748-1825). Envolvido totalmente com a Revolução Francesa de 1789, David pôs seu talento de pintor a serviço das causas revolucionárias, assim como foi fiel ao período napoleônico, declaradamente favorável a Napoleão Bonaparte. Mas na Revolução de 1789 alinhou-se aos jacobinos, a ala esquerda. Em 1793 apresentou o depois famoso quadro “Marat assassinado”, onde denunciava o assassinato do revolucionário e seu amigo Jean-Paul Marat.

Além de David, um outro artista francês se destacou como um pintor da Revolução: Eugène Delacroix (1798-1863), que já nasceu numa França renovada pela Revolução mas também era plugado a seu tempo, até mesmo pelo romantismo que o inspirava.

A Liberdade guiando o povo, Delacroix

Delacroix participou dos movimentos revolucionários de seu tempo ao pintar o célebre quadro “A Liberdade guiando o povo às barricadas”. A mulher que representa a Liberdade em sua tela é uma mulher do povo, com o peito nu e os cabelos ao vento. Diz Walter Friedlaender em seu livro “De David a Delacroix”: “De todas as obras de Delacroix, foi a única em que um conceito original e um verdadeiro sentimento contemporâneo se completaram de forma vigorosa”.

Aqui no Brasil, muitos foram os artistas que se envolveram com a política de seu tempo. Começando com Victor Meirelles (1832-1903) e Pedro Alexandrino (1856-1942), que pintaram grandes telas representando momentos épicos da história do nosso país, passamos pelos modernistas e chegamos a Candido Portinari (1903-1962), um dos nossos maiores pintores, que se envolveu diretamente com a política de seu tempo, sendo inclusive candidato a deputado federal nas eleições de 1945 e de 1947, pelo Partido Comunista do Brasil (PCB). São inúmeras as telas de Portinari com cunho político, especialmente aquela em que ele denuncia a miséria em que vivia grande parte do povo nordestino, “Os Retirantes”, que tem uma força expressiva muito tocante.

Mas para exemplificar com um artista mais próximo do nosso tempo, vamos destacar o paulista Antonio Henrique Abreu Amaral, que nasceu em 1935 e ainda vive em São Paulo. 

Antonio Henrique iniciou sua formação artística na Escola do Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand - MASP, em 1952. Em 1956, foi estudar gravura com Lívio Abramo, um grande gravador brasileiro, que também se interessava muito pela política do nosso país. Em 1958, Antonio Henrique viajou pela Argentina e Chile, realizando exposições, ocasião em que conhece pessoalmente o poeta Pablo Neruda (1904 - 1973), que era comunista. 

Após passar pelos EUA, em sua volta ao Brasil em 1960, Antonio Henrique Amaral conheceu artistas como  Ivan Serpa (1923 - 1973), Candido Portinari (1903 - 1962), Antonio Bandeira (1922 - 1967), Djanira (1914 - 1979) e Oswaldo Goeldi (1895 - 1961). Em 1964, houve o golpe militar que instaurou no Brasil uma Ditadura Militar que perseguiu muitos artistas e intelectuais, prendendo, torturando e mesmo assassinando inúmeros brasileiros que se opunham àquele regime de falta de liberdade e que havia imposto uma censura muito grande que atingia também diretamente a o meio artístico.

Incomunicação, Antonio Amaral,
xilogravura

Com isso, Antonio passou a incorporar em seu trabalho artístico a temática social, denunciando também a falta de liberdade em que vivia o povo brasileiro, sob uma censura rígida e muita perseguição política. Em 1967, ele lançou um álbum de xilogravuras coloridas intitulado “O Meu e o Seu”, com apresentação do poeta Ferreira Gullar (1930) que à época também era militante comunista e também foi perseguido pela ditadura militar. Nesse album, ele sintetiza a questão do autoritarismo político dos militares no poder.

Antonio Henrique Amaral começa a fazer uma série de pinturas com o tema das Bananas, entre 1968 e 1975, onde se vê claramente a metáfora da banana como crítica ao que estava acontecendo em nosso país. Um desses trabalhos apresenta uma banana cortada e envolta por um garfo, ambos amarrados por um grosso barbante. Nessa série de Bananas, o artista parece concentrar sua denúncia do momento político brasileiro sob o regime ditatorial militar: bananas apodrecidas, espetadas por garfos pesados parecem querer mostrar o que estava acontecendo nas prisões com a tortura cruel aos presos políticos.

Bananas, A. Amaral,
óleo sobre tela, 1970

A metáfora das bananas sempre foram usadas em diversos momentos da nossa história, desde a pintura “Tropical” de Anita Malfatti (1889-1964), passando pela “A Negra” de Tarsila do Amaral (1886-1973), e até “Bananal” de Lasar Segall (1891-1957). Na década de 1930 o compositor Braguinha explicitou na letra da música “Yes nós temos bananas”, de forma gaiata, a exploração das riquezas do Brasil por parte dos estrangeiros. Na década de 1940 Carmen Miranda balançava suas curvas nos Estados Unidos, criando a imagem caricata da latino-americana com seu chapéu excêntrico carregado de bananas e outras frutas. Ou seja, Antonio Henrique voltava à mesma metáfora para mostrar que o país da banana e do carnaval sofria com a ditadura militar.

Uma de suas pinturas mais explícitas é “A morte no sábado - homenagem a Vladimir Herzog”, na qual o artista denuncia o assassinato do jornalista da TV Cultura Vladimir Herzog nos porões da ditadura dos generais brasileiros.

Antonio Henrique Amaral vive e trabalha em São Paulo.

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Alguns exemplos da arte política do artista:

A Grande Mensagem, 1966, Amaral, xilogravura

Campo de batalha 22, óleo sobre tela, 1974

Campo de batalha 3, óleo sobre tela, Amaral, 1973

Os metais e as vísceras I, óleo sobre tela, Amaral, 1975 

"Eu decido", Antonio Amaral, xilogravura, 1968

"Sem saída", xilogravura, 1967

Impressão, sol nascendo

Impressão, sol nascente, Claude Monet, 1972

O Museu Marmottan-Monet de Paris, França, está festejando seus 80 anos expondo uma tela das mais importantes de sua coleção, a obra do pintor Claude Monet, intitulada “Impressão, sol nascente”. Realizada em uma manhã de 1872, ela é considerada uma espécie de “Gioconda” do Impressionismo.

Já faz quase 70 anos que o Museu Marmottan-Monet guarda cuidadosamente esta obra emblemática do Impressionismo, uma pequena tela de 50 x 65 cm que nem mesmo foi emprestada ao museu do Grand Palais para uma retrospectiva magistral que aconteceu em 2010. O Marmottan é um museu de caráter especial, uma vez que é ligado à Academia de Belas Artes e dirigido por um de seus membros, Patrick de Carolis, desde o ano passado (2013). Este museu possui uma especial coleção impressionista, assim como objetos e telas da época napoleônica, obras da Idade Média e do Renascimento, reunidos por diversos de seus doadores que pertenciam às famílias Marmottan, Monet, Wildestein, Morisot, Bellio…

Este quadro em destaque, o “Impressão, sol nascente” deve sua notoriedade às contingências históricas que lhe fizeram preciosa ao longo do tempo, assim como o mistério que envolve sua concepção e sua recepção, pois durante uns 50 anos era considerada com sarcasmo. Exposta pela primeira vez em 1874 no estúdio de Nadar, fotógrafo francês, na famosa primeira exposição “impressionista”, essa obra foi a que inspirou, num crítico de arte do jornal satírico “Le Charivari”, o qualificativo pejorativo de pintura “impressionista”. Louis Leroy, o jornalista, teria dito: “Impressão, eu estava seguro disso. Eu também disse isso a mim mesmo, pois fiquei impressionado, deve haver impressão. (...) Qualquer papel pintado em estado embrionário vale ainda mais do que esta marinha!” Com essa crítica, os artistas do grupo de Monet rapidamente tomaram a si o termo e se autodenominaram “impressionistas”.

A tela foi vendida no mesmo ano em que foi exposta para o colecionador Ernest Hoschedé, e revendida quatro anos depois, valendo quatro vezes menos. Adquirida por Georges de Bellio, ela foi doada em 1940, por sua filha, ao Museu Marmottan. Um ano antes, esse quadro e mais uma dezena de outros da coleção Bellio foi enviada secretamente ao castelo de Chambord, junto com outras obras do Louvre. Era tempo da II Guerra e o nazismo era um perigo em todos os aspectos da vida. Era necessário proteger essas obras. “Impressão, sol se pondo” ficou guardada nesse castelo durante seis anos, e foi enviada ao museu no fim de 1945. Com tanta história, essa tela acabou se tornando um mito. No dizer do crítico Roger Marx, “Impressão, sol nascendo” era "a esfera de fogo que vai para cima ou para baixo em um mar de névoa", e torna-se também, para os historiadores de arte, uma testemunha concreta do nascimento do Impressionismo.

A famosa cena, uma marinha ao alvorecer, foi pintada à beira do Havre, uma vila portuária situada a noroeste da França. William Turner, Eugène Boudin, Johan Barthold Jongkind, Gustave Courbet e o próprio Claude Monet pintaram essa visão matinal com tons crepusculares. “O sol sob a névoa e os mastros dos navios apontando para o alto”, é assim que Monet descreve esta tela 25 anos após sua execução. Os reflexos de um sol gordo, a sensação vaporosa, a luz pulverizada, o contraste entre verdes,cinzas e laranjas, a atmosfera ambivalente do limbo… dão a esta tela o valor de um símbolo de um período, o do Impressionismo, mas que já anuncia o Simbolismo.

Estudos de topografia, de astronomia e dos movimentos das marés e boletins meteorológicos da época, dão, segundo o professor de física e astronomia da Universidade do Texas, Donald W. Olson, a precisa data e hora em que Monet pintou este quadro: 13 de novembro de 1872, em torno de 07:35. Uma grande precisão para uma tela que não é nenhum pouco precisa...

Lise Forell: uma vida para a Arte

O Ateliê e Galeria Contraponto homenageiam a artista plástica Lise Forell com uma exposição de pinturas que marcam seus 90 anos de vida dedicados à arte. Com curadoria de Claudinei Roberto, a exposição constará de cerca de 25 pinturas realizadas em diversas fases da vida desta artista de origem theca. A abertura será no próximo dia 20 de setembro, sábado, a partir das 16 horas, com entrada livre.

Lise Forell nasceu na atual República Tcheca, em 1924. Estudou na Academia de Belas Artes de Antuérpia, na Bélgica. Em 1940, em plena II Guerra Mundial, embarcou com seus pais, em Marselha, na França, com destino ao Brasil, fugindo da perseguição nazista. O navio em que ela e seus pais se encontravam foi, entretanto, retido em Casablanca, no Marrocos, e seus passageiros transferidos para um campo de concentração no Saara marroquino. Um ano mais tarde, consegue escapar com a família para Cadiz e embarcar no navio espanhol Cabo de Buena Esperanza para o Brasil, chegando ao Rio de Janeiro em setembro de 1941. Transferiu-se para São Paulo em 1942, onde passou a executar pinturas em vitrais para a empresa Conrado Sorgenicht. Há muitos anos, vem se dedicando à pintura e ensinando em seu atelier na Chácara Shalom, nos arredores de São Paulo.

Sobre ela, escreveu o jornalista, historiador e crítico de arte Pietro Maria Bardi: “No Museu de Arte se conserva um painel, nº 352, de Lise Forell, denominado ‘O Judeu Errante’, pela primeira vez exposta no XLIX Salão Nacional de Belas Artes em 1943. É, além de uma pintura expressa com patética força de sentimento, um documento notável, pois sublinha o evento mais degradante da humanidade do século XX. Sua autora, formada pela Academia de Antuérpia, veio jovem para o Brasil, naqueles tempos de perseguições, e aqui se radicou dedicando-se à sua arte, logo entrosada com a vida de nosso povo, conseguiu sucesso imediato, com sua disposição cordial. O sombrio e o pânico que sopravam na outra costa do Atlântico se desfizeram ao encontro das batucadas, da intensa impressão da favela, dos desprendimento com que a gente desenvolve sua vida alegre. Lise pintou com verve o Brasil, alcançando as cores dos diapasões mais brilhantes, construindo e imaginando suas cenas com o instinto que Gauguin chamava “Naiveté”, que não deve ser confundido com o trabalho cada vez mais numeroso dos primitivos”.

"Samba", óleo sobre tela

Lise Forell participou de inúmeras exposições coletivas, entre as quais destacam-se: Museu de Arte de São Paulo (1971 e 1978); Grupo Nós, SP (1973, 1979 e 1988); Chapel Scholl, SP (1974, 1977 e 1978); Escola Suíça-Brasileira, SP (1977, 1979, 1993 e 1994); Briminghans of Art, Inglaterra (1975); Galeira Cravo e Canela, SP e Galeria Orixás, SP (1980); Galeria Jacques Ardies, SP (1981 e 1982); Galeria Samuel Wainer, Brasília (1986); Clube Transatlântico, SP (1989); Livraria Revisal, SP (1996); Atelier Pinski, SP (1997); Bienal Internalcional de Budejovice (2001); Galerie Kaplanka " Krumlov; Galerie Mesic de Budejovice; Galerie Zert, Colin (2002).

Entre as exposições individuais salientam-se: Galeria Pilão, SP (1972); Galerie Heide, Hamburgo, Alemanha e Galeria Heijo, SP (1974); Galeria 167, SP e Espaço Cultural Mercedez-Benz, SP (1975); Centro Cultural de Wilster, Alemanha; Galeira Armon e Galeria Alex Lezion, Israel (1977); Clube Naval Brasília, (1977 e 1778); Espaço Araras, SP (1978); Galeria Cléo, SP (1979); Galerie Bambu, Hamburgo, Alemanha (1980); Galeria do Consulado do Brasil em Berlim, Alemanha, (1981); Espaço Cultural Sambra, SP (1983 e 1985); Galeria Todarte, SP e Woman"s Club, SP (1984); Galeria Matalon, Los Angeles, EUA (1985); Chapel Art Show, SP (1986); Centro Cultural Brasília (1987); Credit Lionnais, Paris; Casa Antigua, SP (1990); Galerie Saint Romain, França (1991); Espaço Cultural do Banco do Brasil e Clube A Hebraica, SP (1992); Clube Transatlântico, SP (1998); Galerie Altestadt, Vaduz, Liechstenstein (2001); Espaço Cultural Judaico, Brno (2002); Espaço Cultural Einstein, SP; Galeria Futura, Praga, República Tcheca; e Galeria Mischa Marianske Lazne, República Tcheca (2003).

A exposição de pinturas de Lise Forell no Ateliê e Galeria Contraponto estará aberta ao público de 20 de setembro a 11 de outubro de 2014.

"Carnaval da fome", óleo sobre tela, 1983

Tate Britain expõe William Turner

William Turner - The Blue Rigi, 1842 - Aquarela - 29,7 x 45 cm

Joseph Mallord William Turner, um dos nomes mais reverenciados da pintura inglesa do século XIX, está sendo homenageado com mais uma exposição de suas pinturas, no museu Tate Britain de Londres, entre 10 de setembro e 25 de janeiro de 2015.

Quando Turner tinha 60 anos de idade, em abril de 1835, visitou a Dinamarca, a Alemanha e a Holanda. No ano seguinte, foi para a França e Suiça, e em seguida Alemanha de novo, mais a Bélgica e a Itália. Sempre foi um incansável viajante e explorava a Europa como explorava suas pinturas: sozinho, fisicamente fragilizado e desenhando sempre. A esta altura de sua vida já não se preocupava mais com a venda de sues quadros, pois estava cercado de marchands que faziam isso por ele. Sem mais se preocupar com sua sobrevivência, Turner, já com 70 anos, se permitia experimentar, exercitar sua pintura, deixando obras inacabadas, mas sem jamais parar de se aprofundar em suas pesquisas como pintor. 

Ao mesmo tempo, o pintor sofria pesadas críticas, principalmente porque morava junto com Sophia Booth, sem ter se casado. A sociedade inglesa, conservadora demais, não aceitava os excessos de liberdade do artista, em sua vida e em sua obra, e por isso ele sempre era motivo de escândalo para os ingleses. Assim, numa pintura como “Sol poente sobre um lago”, um sol brando se reduz a uma espécie de bola esmagada, como uma goma de mascar, enquanto que “Praia de Brighton”, que abre a exposição do Tate reduz a paisagem marinha a quatro retângulos e uma área plana de cores batidas anunciam o “Impressão: nascer do sol” de Claude Monet, trinta anos mais tarde.

Obviamente em 1843 ainda não havia surgido a pintura abstrata. O próprio termo não significava nada e era impensável para um pintor da geração de William Turner. Ele se fixava sempre no mundo a seu redor, assim como nas pesquisas em sua pintura. Pintou desde mitos greco-romanos até as cerimônias religiosas de Veneza, os fenômenos naturais e as paisagens de seu país, como se fizesse tudo explodir em luz e cores.

Mesmo em idade avançada, Willian Turner continua desenhando com minúcia desde cenas bíblicas a paisagens. Já usava óculos de grau para poder enxergar melhor e desenhar, mas a imprecisão da vista já cansada leva-o a experimentar ainda mais a luz e a cor em seus quadros, feitos a óleo ou em aquarela. Romântico puro, ele coloca seus sentimentos pessoais sobre o mundo real. E pinta. 

Até sua morte, em 1851, Turner buscou a luz, e a descobriu muitas vezes.

Algumas das obras que estão expostas no Tate Britain:

William Turner - Ancient Rome; Agrippina Landing with the Ashes of Germanicus, 1839
- óleo sobre tela, 91,4 x 121,9 cm

William Turner - Goldau, with the Lake of Zug in the Distance - estudo feito por volta de 1842-3, caneta, aquarela, lápis - 22,8 x 29 cm

William Turner - Fishermen on the Lagoon, Moonlight, 1840 - aquarela, 19 x 28 cm

William Turner - Returning from the Ball (St Martha), 1846 - óleo sobre tela, 61 x 92,4 cm

William Turner - The Visit to the Tomb, 1850  óleo sobre tela, 91,4 x 121,9 cm

William Turner - Peace, Burial at Sea, 1842 - óleo sobre tela, 87 x 86 cm