A arte realista de John Singer Sargent

El Jaleo, John Singer Sargent

John Singer Sargent nasceu em Florença, Itália, em 12 de janeiro de 1856, mas era filho de pais norte-americanos, originários da Filadélfia e por isso, ele é considerado de origem norte-americana. A família de John Singer Sargent vivia modestamente em Florença, Itália, e sem contato com outros norte-americanos que viviam naquele país. Recebiam apenas as visitas ocasionais de alguns amigos artistas.

Sargent, desde pequeno, viajava com sua família por países europeus, visitando museus e igrejas, pois sua mãe considerava isso fundamental para a educação dos filhos. Ela era uma artista amadora, enquanto seu pai fazia ilustrações para uso na medicina. Por isso, desde cedo ele ganhava cadernos de desenho e era encorajado a desenhar em suas viagens. Fazia, então, desenhos detalhados das paisagens que via e chegou a copiar as imagens de uma revista londrina ilustrada. Adorava desenhar navios, o que fez seu pai achar – e desejar – que o menino fosse acabar seguindo uma carreira de marinheiro.

Quando ele completou 13 anos, sua mãe achou que era hora de levar o filho, que já desenhava muito bem, a um estudo mais sistemático, e ele recebeu suas primeiras lições de aquarela com Carl Welsch, pintor paisagista alemão. Sargent já sabia muito de arte, literatura e música. Também falava fluentemente francês, italiano e alemão. Aos 18 anos já conhecia de perto, e bem, os grandes mestres italianos como Tintoretto, Ticiano e Michelangelo.

Lady Agnew, Sargent

Sargent é considerado um dos maiores retratistas de sua época, mas se dedicou também à pintura de paisagem e pinturas urbanas. São muito conhecidas as aquarelas que ele pintou da cidade de Veneza, Itália.

Ele trabalhava intensamente em sua arte, de manhã à noite, diariamente, sete dias por semana. Entre 1877 e 1925 ele pintou mais de 900 telas a óleo e mais de duas mil aquarelas, além de incontáveis desenhos com carvão e lápis-grafite. 

Sargent começa seus estudos na Academia de Florença, mas foi na França que ele recebeu sua formação mais densa. Com apenas 18 anos de idade foi admitido no Atelier do pintor realista Carolus-Duran, em Paris, um artista que se inspirava na obra do também pintor francês Gustave Courbet. Sargent passou também pelo atelier de outro pintor francês, Léon Bonnat. Sua educação foi fortemente influenciada na pintura do mestre espanhol Diego Velázquez e na do holandês Franz Hals.

Seus estudos no atelier de Carolus-Duran compreendiam desde desenho de anatomia até perspectiva. Mas também passa grande parte de seu tempo desenhando nos museus de Paris. Nessa época ele partilhava um atelier com seu amigo pintor e norte-americano James Carrol Beckwith, seu primeiro contato com os inúmeros norte-americanos que no século XIX foram viver no estrangeiro, para aprender pintura.

Carolus-Duran exigia muito empenho no desenho, ao qual Sargent se submeteu. Lá ele aprendeu a pintar alla-prima (com o pincel diretamente na tela, sem preparação anterior), como era o estilo de Diego Velázquez.

Esboço para Dama Ethel Smyth

Rapidamente Sargent se tornou o aluno favorito de Carolus-Duran, que considerava seus desenhos e suas pinturas dentro da “mesma veia” dos velhos mestres. Logo, o jovem pintor passou a ser admirado em Paris. Ele passou a conviver com artistas do nível de Degas, Rodin e Monet, entre outros.Com 23 anos de idade, pinta o retrato de seu mestre Carolus-Duran. Em seguida expõe no Salão de Paris.

Em 1879, Sargent se despede do atelier de Carolus-Duran e viaja para a Espanha, com o desejo de estudar as pinturas de Velazquez. Lá, ele se apaixona pela música e pela dança espanhola. Ele sempre foi um apaixonado por música durante toda a sua vida. Da Espanha, foi para a Itália onde realizou inúmeros esboços e anotou ideias para diferentes pinturas que ele fará depois.

Em seu retorno a Paris, recebeu uma enxurrada de pedidos de retratos e sua carreira deslancha. Sargent tinha uma grande capacidade de concentração e disciplina, que o manteve pintando durante os próximos 25 anos de sua vida. Ele já era, então, a grande vedette em meio aos artistas em Paris, inclusive por sua maneira refinada e seu francês perfeito.

Nos anos 1880, Sargent expõe regularmente no Salão de Paris. Os críticos da época o comparavam a Velázquez, especialmente após o quadro “As filhas de Edward Darley Boit”, pintado em 1882, baseado em “As meninas” do pintor espanhol.

Claude Monet pintando ao ar livre, óleo sobre tela, John Singer Sargent, 1885

Tudo ia muito bem para John Sargent, quando ele pinta e expõe seu quadro “Madame X”, em 1884. Atualmente, ela é considerada sua obra-prima e era sua preferida, segundo seus biógrafos. Ele teria dito em 1915 que aquela pintura era a melhor coisa que ele já tinha feito. Mas quando a tela é apresentada ao Salão de Belas Artes de 1884, a reação de críticos e público foi tão negativa que obrigou o pintor a se mudar de cidade, indo se instalar em Londres. Ocorre que a senhora retratada por ele não havia encomendado essa pintura e isso causou muito escândalo em Paris. E ela própria se envolveu, causando muito incômodo para Sargent. Para o público, era difícil aceitar uma pintura de uma mulher com tanta diferença entre a cor do seu vestido e a de sua pele. Foi um golpe difícil pare ele, que chegou a pensar em parar. Mas, diante da reação escandalosa de todos, Sargent resolveu ir embora de Paris.

Carnation, Lily, Lily, Rose, Sargent

Se instala em Londres. Mas os críticos de arte inglesa resistiram a aceitar a pintura dele, acusando-o de pintar de maneira muito francesa. Um de seus críticos dizem inclusive que sua maneira de pintar era dura e quase metálica. Mas com o tempo Sargent foi atraindo a atenção dos ingleses para seu trabalho e logo começou a receber muitas encomendas para retratos.

Na Inglaterra, Sargent passou bastante tempo pintando no campo. Em 1885, visitando Monet em Giverny, França, ele pintou aquele que é considerado um de seus quadros mais impressionistas, representando Monet pintando a céu aberto (plein-air). Nessa década de 1880, Sargent chega a participar de várias exposições impressionistas. Ainda que os ingleses chegassem a classificar Sargent como impressionista, os franceses, como Monet, não concordavam com isso porque viam na pintura dele uma influência muito grande de seu mestre realista Carolus-Duran.

O primeiro grande sucesso de Sargent na Inglaterra teve lugar na Academia Real em 1887, com seu quadro “Lily, Lily, Rose” representando duas meninas com lanternas num jardim inglês. Essa pintura é parte do acervo da Tate Gallery de Londres.

Sua primeira viagem aos EUA foi entre 1887-88, indo para Nova Iorque e depois Boston, onde ele faz sua primeira exposição individual nos EUA, apresentando 22 obras. E recebe novos pedidos de retratos.

Uma rua em Veneza, Sargent

Para pintar os retratos, Sargent solicita de oito a dez sessões com o modelo a ser pintado. Muitas vezes na casa da pessoa que solicitou, mas a maioria das vezes em seu atelier, bem sortido de móveis e objetos que ele mesmo escolhia para que o efeito fosse bom. Normalmente ele entretinha seus clientes com alguma conversa e algumas vezes interrompia a sessão para tocar um pouco no piano. Muito raramente fazia esboços preparatórios. Como tinha aprendido com Carolus-Duran, a maior parte das vezes ia diretamente com o pincel na tela. Sargent nunca teve assistentes. Ele mesmo preparava suas telas, envernizava suas pinturas, além de se ocupar pessoalmente com a papelada e documentos do atelier. Ele era tão famoso retratista que diversos clientes norte-americanos ricos iam a Londres apenar para serem pintados por Sargent.

Durante os anos 1890, ele chegava a receber catorze encomendas de retratos por ano, o que lhe valeu o título de “o Van Dyck” daqueles tempos. Agora viajava com bastante freqüência aos EUA, sobretudo por causa das encomendas que recebia.

Entre 1900 e 1907, Sargent produziu num ritmo intenso, mais de doze retratos a óleo por ano, mas também fazia dezenas de retratos apenas desenhados, que ele vendia por preço mais baixo. Com 51 anos de idade, em 1907, Sargent fecha seu atelier de retratos. Nesse mesmo ano, pinta seu próprio retrato. Se concentra em pintar apenas paisagens.

Os intoxicados, óleo sobre tela, Sargent, 1918

Mas em 1917, a maior parte da crítica já o considera um pintor do passado. Os artistas modernos o consideravam desconectado da realidade da vida norte-americana e das novas tendências nas artes. Ele aceita as críticas calmamente, mas se recusa a mudar sua opinião negativa sobre as novas tendências artísticas. Ele teria dito que “Ingres, Rafael e El Greco possuem atualmente toda a minha admiração. Eles são o que eu amo”.

Durante a sua carreira, Sargent pintou centenas de aquarelas, mais de duas mil. Do campo inglês à cidade de Veneza, ele era infatigável aquarelista. As de Veneza, por exemplo, muitas delas ele pintou sentado dentro de uma gôndola. Nelas, ele expressava sua atração pela natureza, pela arquitetura, pelas paisagens com montanhas. Mas também pintou seus amigos, sua família, os jardins de sua casa.

A primeira vez que ele expôs essas aquarelas foi em 1905, na Carfax Gallery de Londres. Em 1909, expôs 86 aquarelas em Nova Iorque. De seus retratos feitos com carvão, ele expôs 46 deles – realizados entre 1890 e 1916 – na Sociedade Real de Pintores de Retratos em Londres, em 1916.

John Singer Sargent morreu em 14 de abril de 1925, em Londres, Inglaterra.

As filhas de Edward Darley Boit - inspirado em As Meninas, de Velázquez

Artistas realistas no Rio de Janeiro

Céu da China, 2010, óleo sobre tela, dos três artistas da Guilda de São Francisco

Eu estava pesquisando em sites de museus, quando me deparei com uma novidade que acabava de passar pelo Museu Nacional de Belas Artes do Rio de Janeiro: uma exposição de desenhos de Cláudio Valério Teixeira e outra de pinturas de um grupo chamado Guilda de São Francisco.

Desenho de Cláudio Valério Teixeira

Aos poucos fui descobrindo tudo. Cláudio Valério Teixeira, um dos artistas da Guilda de São Francisco, é um artista plástico com longa carreira e que, na época da ditadura militar no Brasil, havia exposto desenhos onde ele retratava as situações de prisão, tortura e mortes sofridas por pessoas que se opunham ao regime militar. Ele refez todos os desenhos de 1978 - os daquela época foram perdidos - e os expôs no Museu Nacional de Belas Artes, num momento inclusive bastante propício, pois foi recentemente instituída a "Comissão da Verdade" para apurar crimes políticos cometidos pelos militares naquela época e, com isso, "torna-se ainda mais pertinente a remontagem desta exposição", diz ele em seu site.


Através do sítio da exposição "1978 - Desenhos", eu cheguei ao da Guilda de São Francisco, onde pude ver que três artistas plásticos se reuniram para recuperar a pintura que era feita no século XVII, dando uma atenção especial ao pintor flamengo Peter Paul Rubens, assim como a Nicolas Poussin, pintor francês. São eles: Celio Belem, Milton Eulalio e o próprio Cláudio Valério Teixeira. Todos se dizem pintores realistas, que buscam trazer para nossos tempos o modelo de mestres como Velázquez, o mestre de todos os pintores realistas, como diz Cláudio.

Desenho de Cláudio Valério
para a exposição "1978 - Desenhos"

O nome dado ao grupo, Guilda de São Francisco, remete ao jeito antigo dos artistas se reunirem juntos num atelier, em guildas. O nome deve-se ao fato do atelier deles estar localizado no bairro de São Francisco, em Niterói, Rio de Janeiro. Celio, Cláudio e Milton pintam juntos a mesma tela, um continuando o que o outro começou, construindo as pinturas juntos. Os três são amigos, os três compartilham o mesmo gosto estético e a mesma paixão pelas obras dos velhos mestres da pintura. Eles também trabalharam juntos em diversas restaurações de obras de arte, como nos paineis "Guerra e Paz" de Portinari.


Nestes tempos de predomínio e imposição acadêmica onde reina quase absoluta a arte conceitual, parece que um vento sopra novamente para a arte figurativa. Foi esse frescor que senti ao ver duas exposições dessas em um dos principais museus brasileiros, o Museu Nacional de Belas Artes. Pode ser sinal de que nem tudo está perdido, ou dizendo melhor: num mundo onde tudo parece perdido, artistas trabalham em seus ateliês, na calada do dia ou da noite, no silêncio quieto do pincel sobre a tela, debruçados sobre as grandes questões da arte pictórica.


A exposição "1978 - Desenhos", assim como a de pintura "Guilda de São Francisco" ficaram em cartaz de 30 de novembro de 2011 até hoje, dia 5 de fevereiro.


Abaixo, transcrevo um artigo do professor do Instituto de Filosofia e Ciências Humanas da Unicamp Jorge Coli, que foi publicado no site do grupo. Ele fala sobre o significado de artistas como estes em meio ao estado atual das Artes Visuais:


A Guilda de São Francisco


Jorge Coli


É bem sabido que a arte de vanguarda, ou moderna, como se quiser, ergueu seus fundamentos no princípio das libertações. Libertação da disciplina escolar, dos cânones acadêmicos, das regras, dos mestres, da tradição. Liberar o solo, dizia Le Corbusier, para a arquitetura. Liberar os poemas de suas rimas e metros. Liberar a prosa de qualquer narrativa. Liberar a música que a velha harmonia aprisionava. Liberar os quadros de toda figura, ou representação.


Tal liberdade era determinante para que o artista pudesse criar, e criar queria dizer: inventar o novo. A dupla liberdade e novidade moveu a criação moderna. Ela determinava que o retorno ao passado só poderia ocorrer ou como “releitura”, para empregar um termo hoje na moda, ou como alusão distante, inspiração remota.

Celio Belem, Cláudio Valério Teixeira e
Milton Eulálio trabalhando juntos na mesma tela

Boa fórmula axiológica: liberdade + novidade = modernidade. Porém, todas as proclamações, todas as invenções, originalidades, choques, não eliminam desses imperativos sua dimensão profundamente autoritária. O artista é livre para o que quiser, menos para uma coisa: não ser moderno. A fórmula de São Cipriano, caracterizando o universal da Igreja poderia ser aplicada aqui: fora dela, da modernidade, não há salvação. Trata-se de uma opressão que condenou os artistas apegados às tradições; as palavras que os caracterizaram fizeram-se insultantes: “passadista”, “acadêmico”.


Hoje, os valores, e mais que eles, as intuições e sentimentos modernos entraram em crise. Seus poderes, no entanto, ainda são fortes. Poderes que a Guilda de São Francisco desacata. Num formidável prazer de trabalhar juntos, abolindo o princípio de autoria individual, colaborando com gosto e alegria numa camaradagem cúmplice, eles decidiram voltar às lições dos de outras eras. Não como citações, embora um conjunto de nus possa remeter a Manet, e por trás dele, a Rafael; ou um grupo encaminhe a memória para algum Poussin. Mas, ao conceber o quadro como construção refletida, em que a figura humana, o nu, a paisagem, a natureza morta monumental retomam seus direitos esses artistas tentam encontrar antigos caminhos. Ao descobrir feituras técnicas, processos de representação e de composição que ocorreram no passado, ao avançar pondo o pé nas pegadas dos velhos mestres, escaparam à tirania já meio caduca da modernidade.


Nas obras da Guilda, há discretas referências ao nosso tempo, como essas pequenas centrais nucleares perdidas que se perfilam diante de um pôr-do-sol; ou esse skyline de cidade contemporânea. Mas essas referências discretas, um pouco bizantinas ou cabalísticas, não são necessárias para sabermos que esses quadros foram feitos hoje. Há neles não sei que espírito de malícia e de júbilo que os denuncia.


De qualquer modo, o grande equívoco dos modernos, aquilo que não entenderam é a impossibilidade de não ser atual. A marca deixada pelo agora em qualquer obra que seja, incorpora-se a ela de modo indelével: Borges enunciou com humor esse princípio no seu paradoxo de Pierre Ménard.


O torniamo all’antico que segue a Guilda de São Francisco revela, por tudo isso, uma considerável novidade. Graças ao domínio técnico exigente, graças ao evidente prazer que seus pintores demonstram em expandi-lo nessas telas de belo formato, graças à cumplicidade reforçada pelo trabalho coletivo e pelo estímulo que dele resulta, produzem uma arte que desafia – sem nenhuma intenção militante – as estéticas conformadas.

"Por ti, Portinari"

“Vim da terra vermelha e do cafezal. As almas penadas,
os brejos e as matas virgens acompanham-me
como o espantalho, que é o meu auto-retrato.

Todas as coisas frágeis e pobres se parecem comigo.”
(Candido Portinari)

Em 6 de fevereiro, há 50 anos, morreu o artista brasileiro de maior reconhecimento internacional: Candido Portinari. Duas homenagens à altura desse pintor acontecerão neste primeiro semestre de 2012: a escola de Samba Mocidade Independente de Padre Miguel desfilará no sambódromo do Rio de Janeiro em homenagem ao artista, e o Memorial da América Latina em São Paulo passará a exibir os dois painéis “Guerra” e “Paz”, que depois passarão por outros países: Rússia, China, Índia e África do Sul.


Guerra e Paz


Após uma completa restauração realizada no Rio de Janeiro, os dois gigantescos paineis de Portinari serão exibidos ao público no Memorial da América Latina em São Paulo. É uma rara oportunidade de ver essas duas gigantescas telas de 14 metros por 10 cada uma, doadas pelo governo brasileiro à sede da ONU em Nova Iorque, Estados Unidos. Além de ser possível observar cerca de 100 estudos preparatórios que Portinari fez para os paineis, assim como uma amostra do Projeto Portinari, organizada pelo seu filho João Candido. No Memorial também está o painel Tiradentes, pintado por ele entre 1948-49.

Painel Guerra, de Portinari, 14 metros de altura por 10 metros de largura

Os paineis Guerra e Paz foram encomendados no final de 1952 ao pintor, para um espaço de 280 metros quadrados, maior do que o espaço que Michelangelo tinha para a pintura da Capela Sistina.


Portinari, em 1952, já havia sido proibido de pintar a óleo, por recomendação dos médicos, uma vez que ele já sofria com sintomas de intoxicação pelas tintas. Mesmo assim, Portinari aceitou o convite. Ele sabia que corria risco de morte ao aceitar esse trabalho, mas foi "uma decisão consciente e coerente com toda uma vida de militância", disse o filho do artista, João Candido Portinari, ao jornal Folha de São Paulo. "Foram nove meses pintando e ele saiu disso muito fragilizado."


Foi no auditório dos estúdios da antiga TV Tupi que durante 4 anos Portinari trabalhou na confecção de 180 estudos, esboços, maquetes e as pinturas para os murais, que foram entregues em 5 de janeiro de 1956 ao Ministro das Relações Exteriores Macedo Soares, para a doação à ONU.


Mas antes de embarcarem para os EUA, Guerra e Paz foram montados no fundo do palco do Teatro Municipal do Rio de Janeiro, e em fevereiro de 1956 foram inaugurados pelo então Presidente da República Juscelino Kubitschek. Na ocasião, ele entregou a Portinari a Medalha de Ouro de Melhor Pintor do Ano de 1955, concedida pelo International Fine Arts Council de Nova York. Logo depois os paineis foram enviados à sede da ONU, mas somente no dia 6 de setembro de 1957, Guerra e Paz foram inaugurados em cerimônia oficial.


Mas sem a presença do pintor. Portinari era ligado ao Partido Comunista do Brasil, e o macartismo terrivelmente anticomunista que dominava os Estados Unidos naquele período, impediu que fosse concedido o visto de entrada a Portinari. Ele foi representado pelo chefe da delegação brasileira, o embaixador Cyro de Freitas-Valle, que lamentou publicamente a ausência do artista.


Portinari, com tamanho desafio à frente, realizou, só para o painel Guerra, cerca de 150 desenhos e 14 telas a óleo, como informa a pesquisadora Annateresa Fabris, da USP. Com seu traço marcantemente expressionista, ele resume nesses dois paineis todo o seu modo de ver a realidade do mundo: mães em desespero por seus filhos mortos, crianças esquálidas, retirantes, camponeses e trabalhadores sofridos, fazem do painel Guerra uma verdadeira denúncia dos horrores cometidos pelas guerras que dominaram o século XX, considerado o século mais sangrento de toda nossa história.


Nesse período, a resistência à guerra e ao nazismo e fascismo tinha alcançado também os artistas. Assim como Pablo Picasso e Bertolt Brecht, entre outros artistas humanistas, Portinari não podia se furtar a denunciar o que via em seu tempo: as consequências de duas sangrentas guerras mundiais, de massacres como nunca tinham sido vistos antes, quando homens mataram homens em conflitos bélicos, “acentuando climas de intolerância e regimes de terror, com a proliferação dos fascismos de diferentes formas - da Alemanha à Itália, da Espanha a Portugal”, como diz, em artigo, o sociólogo Emir Sader.


Não bastasse o sangue derramado nas duas guerras, duas bombas foram atiradas sobre Hiroshima e Nagasaki, o que levou o poeta Vinicius de Moraes a escrever “A rosa de Hiroshima”. Observando os detalhes da pintura de Portinari, nos sofrimentos ali expostos, nas mãos suspensas das mulheres em desespero, podemos lembrar dos versos do poeta: “Pensem nas crianças mudas telepáticas (...) Pensem nas mulheres, rotas alteradas...”


Emir Sader completa, em seu artigo: “Foi nesse marco - o da resistência e o do triunfo democrático - que uma geração notável de artistas e homens de cultura brasileiros se integraram a esse movimento internacional com o melhor de sua capacidade criativa. Os poemas de Carlos Drummond de Andrade sobre o assassinato de Federico Garcia Lorca, sobre a resistência de Stalingrado, ao lado das telas de Portinari Guerra e Paz se destacam como expressões maiores desse movimento”.

Painel Paz, de Portinari, 14 metros de altura por 10 metros de largura

No painel Paz, pessoas se movimentam, pessoas trabalham. Uma mãe está com seu bebê no colo, o filho de volta, pequeno, cheio de futuro. Um grupo de jovens canta. Muitas crianças brincam. É o recado do artista: a Paz deve ser para todos. As crianças representam o futuro da humanidade, um futuro de paz verdadeira, sem interesses bélicos que lancem as pessoas umas contra as outras, como nas guerras imperialistas.


Mas o mundo ainda não viveu esse dia. Estamos observando o desenrolar de uma crise que mais uma vez envolve os EUA e os países poderosos da Europa: há um cheiro de guerra no ar, quando ouvimos falar da Síria ou do Irã. A lição ainda não foi aprendida pelo senhores da guerra e os EUA, principalmente, ainda insistem na solução da morte para se imiscuir nos problemas internos da nações soberanas do mundo.


Guerra e Paz vão voltar à sede da ONU em 2013. Os poderosos do mundo vão continuar passando através deles, na entrada e na saída do prédio. E o recado do artista estará lá, em seu grito silencioso. Até que um dia os povos do mundo façam esse grito ser ouvido...


Serviço:
Exposição dos paineis GUERRA e PAZ
Memorial da América Latina
Barra Funda - São Paulo
De 6 de fevereiro a 21 de abril


O Samba para Portinari


Mas... como o mundo não é só guerra e o Brasil é também o país da celebração, a Mocidade Independente de Padre Miguel vai levar a arte de Candido Portinari para a Marquês Sapucaí no próximo carnaval, com o enredo “Por Ti, Portinari. Rompendo a tela, a realidade”.


O carnavalesco Alexandre Louzada pretende mostrar a infância do pintor em Brodowski, os grandes murais, pinturas como “Os retirantes”, as favelas e o carnaval que Portinari pintou. E lá também estarão representados os paineis "Guerra e Paz".


Este é o samba-enredo, de autoria de Diego Nicolau, Gabriel Teixeira e Gustavo Soares:


Por Ti, Portinari. Rompendo a tela, a realidade


Eu guardei
A mais linda inspiração
Pra exaltar em tua arte
A brasilidade de sua expressão
Desperta gênio pintor
Mostra teu talento, revela o dom
Deixa a estrela guiar
Faz do firmamento, seu eterno lar


Solto no céu feito pipa a voar
Quero te ver qual menino feliz
Planta a semente do sonho em verde matiz
Emoção, me leva...
Livre pincel a deslizar
Vou navegar, desbravador
Um errante sonhador
Voar pelas asas de um anjo
Num céu de azulejos pedir proteção
Vida de um retirante
No sol escaldante que queima o sertão


Moinhos vencer... Histórias de amor
Riscar poesias em lápis de cor
Você, que do morro fez vida real
Pintou nossos lares num lindo mural
Você, retratando a alma, se fez ideal
Meu samba canta mensagens de "Guerra e Paz"
Seu nome será imortal em nosso Carnaval
É por ti que a Mocidade canta
Portinari, minha aquarela
Rompendo a tela, a realidade
Nas cores da felicidade
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Mais textos sobre Candido Portinari neste blog:


 Candido Portinari no MAM de São Paulo
 Um samba para Portinari
 Portinari de todos os tempos


Links para o Projeto Portinari:


Projeto Portinari
Paineis Guerra e Paz


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Veja abaixo o video onde o presidente Lula, na ONU, apresentou os paineis GUERRA e PAZ de Portinari:

"O tempo em que o mundo tinha a nossa idade"

"Quero pôr os tempos em sua mansa ordem, conforme esperas e sofrências. Mas as lembranças desobedecem, entre a vontade de serem nada e o gosto de me roubarem do presente. Acendo a estória, me apago a mim. No fim destes escritos, serei de novo uma sombra sem voz.
Sou chamado de Kindzu. É o nome que se dá às palmeiras mindinhas, essas que se curvam junto às praias. Quem não lhes conhece, arrependidas de terem crescido, saudosas do rente chão?"


Terminei de ler "Terra sonâmbula" de Mia Couto, escritor moçambicano que transforma prosa em verdadeira poesia. Como Guimarães Rosa - que ele conhece bem - qualquer coisa do mundo, mesmo a fome, mesmo a guerra, mesma a solidão... vira coisa bela. Para mim, isso faz o artista: captura qualquer imagem do seu mundo, tempera-a com o fogo de seu próprio coração, após atravessar muitas vezes a barreira de lágrimas formadas em seus olhos, e devolve ao mundo o que viu e sentiu, em forma de arte. Para que as pessoas possam ver o mundo, ver e rever, perceber, com outros olhos. Ver, rever, perceber, mudar o mundo.


Me lembrei de uma frase do poeta Mário Quintana, que, com sua licença, faço uma adaptação: A Arte não muda o mundo, a Arte muda o homem. E o homem  muda o mundo...


Fiquei com vontade de pintar o rosto de Kindzu, um Kindzu já velho, pleno de experiência, marcado pelos sofrimentos da sua gente moçambicana, repleto da mais pura poesia que sai de seus olhos vermelhos. Em nossa língua portuguesa.


Acima está o meu "Kindzu dos olhos vermelhos", pastel sobre papel canson.

Grandes exposições em 2012

Desde outubro de 2011, inúmeros eventos marcam o Ano da Itália no Brasil, com espetáculos artísticos e culturais que vão desde apresentações de teatro, arte, música, feiras, festas, esportes e cinema, que marcam as profundas relações culturais entre os dois países.


O Brasil possui mais de 30 milhões de descendentes de italianos, que moram sobretudo em São Paulo, que será um dos grandes palcos desses acontecimentos artísticos e culturais. Mas a programação do Momento Itália-Brasil não se restringe a São Paulo: estará presente em todo o Brasil, como mostra esta Programação (clique aqui para abrir o arquivo em PDF).


Destacamos dois grandes eventos, entre outros (mostras dos artistas Eliseu Visconti, Amadeo Modigliani, De Chirico, Maria Bonomi, etc):


1 - Roma – A Vida e os Imperadores

Cícero, arquivo da Galeria
Uffizi

No MASP, em São Paulo, a partir de 25 de janeiro.


Essa exposição (que já passou por Belo Horizonte) pretende recontar a trajetória do povo e dos imperadores romanos no período tardio da República e primeiros séculos do Império Romano por meio da arte, da arquitetura triunfal, das cerimônias de poder, da vida cotidiana, das célebres conquistas e da opulência do Império. É a primeira vez que esse acervo sai de instituições da Itália como o Museu Arqueológico Nacional de Florença, o Museu Nacional Romano, o Museu Nacional de Nápoles, o Antiquário de Pompéia, o Museu Arqueológico de Fiesole e a Galeria Uffizi.


O curador, Guido Clemente, professor de História Romana da Universidade de Florença, escolheu privilegiar o ponto de vista do exercício do poder por parte dos imperadores de Roma. A variedade das peças trazidas ao Brasil permite ao visitante visualizar um pouco como foi o mundo do império romano em seus diversos aspectos, desde o poder do Imperador até aspectos da vida social e familiar, da escravidão, da economia, da religião, do trabalho, das moradias.

Baixo-relevo com Vendedor de Travesseiros,
da Galeria Uffizi

Lá estarão expostas três paredes com afrescos da Vila de Pompéia, estátuas de Júpiter, de Lívia (esposa de Augusto) e da deusa Isis, a Cabeça Colossal de Júlio César em mármore, máscaras teatrais, escultura de Calígula, Armadura de Gladiador, desenhos do Coliseu, a Lamparina de Ouro e cerca de 60 joias.


Roma - A Vida e os Imperadores foi estruturada em ordem cronológica. O ponto de partida é o processo de estabelecimento do Império, período revivido por meio da vida e obra de César e Augusto, seus fundadores, e o destino final é o terceiro século, considerado o apogeu do domínio de Roma.

São quatro as divisões da exposição:
1. Entre César e Augusto: o nascimento do Império
2. Nero
3. O apogeu do Império
4. Um Império multicultural


No total são 370 peças e obras originais do período tardio da República e primeiros séculos do Império Romano. 


Local:  1º  e 2º subsolos do MASP (Avenida Paulista, 1578).


2 - Caravaggio e os Caravaggescos

Narciso, Caravaggio

Como já havíamos anunciado antes aqui neste Blog, a exposição Caravaggio e os Caravaggescos trará ao Brasil um conjunto de 24 pinturas nunca antes vista por aqui, que percorrerá os estados de Minas Gerais e São Paulo.


A mostra contará com oito obras do mestre do Barroco italiano, Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610), e mais 16 pinturas realizadas por seus seguidores, os chamados “caravaggescos”. 


São eles: Giovanni Baglione (1573-1644), Orazio Gentileschi (1563-1639), Artemísia Gentileschi (1597-1652), Carlo Saraceni (1579-1620), Mattia Preti (1613-1699), Bartolomeo Cavarozzi (c. 1590-1625), Giovanni Antonio Galli conhecido como Spadarino (1580-1650), Tomaso Salini (1575-1625), Giovanni Serodine (1600-1631), Giuseppe Vermiglio (c. 1585-c. 1635), Niccolò Musso (1580/90-c. 1622) e Lionello Spada (1576-1622).

São Francisco em meditação,
Caravaggio

De 03 de abril a 03 de julho de 2012:


Casa Fiat de Cultura
Rua Jornalista Djalma Andrade, 1250 - Nova Lima MG
+55 31 3289.8900 | Fax +55 31 3289.8920
www.casafiatdecultura.com.br
Terça a sexta das 10 às 21hs | sábados domingos feriados das 14 às 21hs


De 12 de junho a 19 de agosto de 2012:
Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand – MASP
Av. Paulista, 1578 - São Paulo SP
+55 11 3251.5644 | Fax +55 11 3284.0574
masp.art.br
Terça a domingo das 11 às 18hs | quinta das 11 as 20hs

São João Batista, Caravaggio

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Além destas, outras exposições estão sendo programadas para 2012:

1. Portinari - Memorial da América Latina - exposição dos murais “Guerra” e “Paz”
6 de fevereiro a 21 de abril


2. Índia - CCBB
Mais de 300 peças que tratam da religiosidade indiana, da vida de sua população, da formação da Índia moderna. (Esta exposição está atualmente no CCBB do Rio de Janeiro)


3. Alberto Giacometti - Pinacoteca
Primeira exposição retrospectiva no Brasil com cerca de 70 esculturas, de vinte a trinta pinturas, 60 a 80 obras sobre papel e trinta fotografias provenientes da Fondation Giacometti e outras coleções.
De 26 de março a 17 de junho (vai também para Curitiba, Rio de Janeiro e Porto Alegre)


4. Giorgio de Chirico - Masp
De 19 de junho e 20 de setembro.
45 pinturas e onze esculturas produzidas entre os anos 60 e 70, além de 66 litografias de 1930, apresentadas juntas pela primeira vez. A exposição passará por Belo Horizonte e Porto Alegre.


5. Homenagem a Lina Bo Bardi - Casa de Vidro
A arquiteta recebe homenagem no segundo semestre de 2012. 15 nomes estão confirmados, entre eles o holandês Rem Koolhaas, o brasileiro Cildo Meireles, o argentino Adrian Villar Rojas, o estadunidense Arto Lindsay, o francês Dominique Gonzalez-Foerster e o inglês Norman Foster.


6. II Bienal de Graffiti - Mube
Entre setembro e outubro de 2012, com artistas nacionais e internacionais, contando a história do graffiti no Brasil e no mundo, influências recebida de movimentos artísticos do século XX e tendências atuais