Exposição de Caravaggio em Minas Gerais

Caravaggio: São Jerônimo escrevendo

A Casa Fiat de Cultura de Belo Horizonte inaugurou neste 22 de maio de 2012 uma das maiores exposições dos últimos anos: 8 obras do Mestre Michelangelo Merisi da Caravaggio  (1571-1610), o grande mestre da pintura barroca italiana, além de obras de pintores "caravaggistas".

Entre os antigos seguidores do mestre, estão presentes nessa exposição: Artemisia Gentileschi (1593-1653), Bartolomeo Cavarozzi (1587-1625), Giovanni Baglione (c.1566-1643), Giovanni Battista Caracciolo (1578-1635), Hendrick van Somer (1615-1684/85), José de Ribera (1591-1652), Leonello Spada (1576-1622), Mattia Preti (1613-1699), Orazio Borgianni (1574-1616), Orazio Gentileschi (1563-1639), Orazio Riminaldi (1593-1630), Simon Vouet (1590-1649), Tommaso Salini (1575-1625) e Valentin de Boulogne (1591-1632).

Essas pinturas deverão ser exibidas também no MASP, em São Paulo, entre julho e setembro de 2012, como parte da programação do Ano da Itália no Brasil. Depois da temporada brasileira, a exposição segue para a Argentina. A exposição tem o apoio da Direzione Generale Dei Musei Statali Italiani. A curadoria é coordenada por Rossella Vodret.

Biografia

Caravaggio: São Francisco
recebe os estigmas 

Michelangelo Merisi nasceu no povoado de Caravaggio, na lombardia italiana, em 29/09/1571. Seus pais, Fermo Merisi e Lucia Oratori, morreram cedo e o menino, com apenas 12 anos, foi enviado para estudar no atelier de Simoni Peterzano. Passou quatro anos vivendo e estudando no atelier desse mestre. Com ele, aprendeu o tratamento das cores segundo o método de Ticiano  (1488-1576) e o naturalismo da escola pictórica lombarda.

Depois da temporada de estudo, Caravaggio partiu para Veneza para ver de perto as obras de Ticiano, e estudar a técnica do sfumato de Leonardo da Vinci (1452-1519). A atitude artística do jovem pintor já era de rebeldia contra os convencionalismos de sua época. Caravaggio também era atraído por brigões, beberrões e vagabundos, freqüentando prostíbulos, jogos e se envolvendo em todo tipo de confusão. Era um homem agoniado, inquieto.

Mas seu destino era Roma, devido à demanda da igreja católica que transformava a cidade num canteiro de obras, com o objetivo de ser o centro da cristandade e do mundo civilizado. Artistas de toda a Europa afluíam à cidade, pintando, discutindo sobre pintura, estudando os mestres.

Nessa cidade, foi morar na casa do monsenhor Pandolfo Puzzi. Era o que lhe restava, pois vivia na penúria. O padre lhe dava pousada e comida, que era pouca, o que fez Caravaggio lhe apelidar de “monsenhor salada”. Enquanto isso, perambulava pela cidade, percorrendo ateliês em busca de trabalho. Necessitado, pintava até três quadros por dia, que vendia muito barato, para sobreviver.

Segundo o biógrafo Gilles Lambert, Caravaggio alternava com seus amigos “sessões de trabalho, de festas e de diversões no submundo”. Era amigo de vagabundos, miseráveis, homossexuais e prostitutas, muitos dos quais posaram para ele em seu atelier. Nesses marginalizados, o artista via o desespero da luta cotidiana pela sobrevivência em um ambiente dominado pela miséria, em plena Roma a cidade dos papas e cardeais cercados de riqueza e opulência.

No começo, Caravaggio se recusou a pintar quadros com temas religiosos. Mas logo, aconselhado por colegas, viu que essa era uma forma de sobreviver e pintou “São Francisco recebendo os estigmas”, de 1595, considerada a pioneira e a que melhor expressa a estética da arte barroca. Os quadros, em geral, eram encomendados por ricos burgueses que com eles presenteavam as igrejas.

Em maio de 1606, em meio a uma briga de jogo, Caravaggio matou um colega. Condenado à morte, fugiu para Nápoles, depois indo para a ilha de Malta. De lá, fugiu para a Sicília, após agredir um cavaleiro da Ordem de Malta. Cansado, doente, ansioso pelo indulto que o permitiria voltar a Roma para continuar seu trabalho, foi detido no Porto Ercole, por engano, e levado à fortaleza da cidade. Lambert diz que ele foi visto, já livre da prisão, “atarantado, faminto, enfermo, extenuado em busca de um barco” que o levasse de volta a Roma. Estava infectado por feridas e com febre. E assim morreu no dia 18 de julho de 1610.

Mas a grandeza de Caravaggio se impôs com o tempo, e mostrou nele um pintor original. O aspecto mais notável de sua obra é o tratamento do claro-escuro. Consiste em projetar a luz sobre as figuras com um contraste intenso e brusco com as sombras, o que marca o início de uma das grandes conquistas da pintura barroca. Outra característica primordial de seu estilo é o realismo enfático como reação ao idealismo renascentista. Ao invés de pintar figuras, mesmo as religiosas, com ar solene ou suave, conforme os ditames da igreja, ele as trata com um realismo quase insolente, usando como modelos, o povo das ruas.

Um bom exemplo, entre inúmeros outros, é o quadro O Enterro da Virgem. A figura de Maria foi inspirada no cadáver de uma prostituta afogada no rio Tibre e com o ventre inchado. Maria Madalena foi retratada muitas vezes a partir do modelo de uma jovem amante do pintor, assim como seus vários “João Batista” teve como modelo um rapaz amante de Caravaggio, que era bissexual.

Caravaggio: São João Batista

As personagens principais dos quadros de Caravaggio estão sempre localizados na obscuridade: um cômodo sombrio, um exterior noturno ou simplesmente um fundo escuro. Uma luz poderosa que provém de um ponto da parte superior da tela envolve os personagens à maneira de um projetor de luz sobre uma cena de teatro. O coração da cena é especialmente iluminado e os contrastes produzidos por essa maneira de pintar conferem uma atmosfera dramática ao quadro.

Edward Gombrich, em seu livro História da Arte, diz que Caravaggio queria a verdade, acima de tudo. Por isso não tinha respeito pela beleza idealizada de seu tempo. No quadro São Tomé, os três apóstolos parecem trabalhadores comuns, com os rostos curtidos pelo tempo, testas enrugadas. Ele queria copiar a natureza, fosse ela bela ou feia e fez todo o possível para que as figuras dos textos bíblicos parecessem reais.

Sem Caravaggio não haveria – como diz o crítico de arte Roberto Longhi – “Ribera, Vermeer, La Tour, Rembrandt. E Delacroix, Courbet e Manet teriam pintado de outra maneira”. Poucos artistas têm fascinado a posteridade de artistas e encorajado a ousadia criativa como ele o fez.

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Serviço:

CARAVAGGIO E SEUS SEGUIDORES

De 22 de maio a 15 de julho na Casa Fiat de Cultura
Terças a sextas: 10h às 21h
Sábados, domingos e feriados: 14h às 21h
ENTRADA E TRANSPORTE GRATUITOS

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POSTS SOBRE CARAVAGGIO E OS CARAVAGGESCOS:

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- Caravaggio vem aí!

- Caravaggio e seus seguidores

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- Exposição de Caravaggio no Masp

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- Artemisia Gentileschi, caravaggesca

- José de Ribera, caravaggesco

- Hendrick van Somer, caravaggesco da escola de Ribera

- Valentin de Boulogne, o "Inamorato"

Berthe Morisot em retrospectiva

O Museu Marmottan Monet de Paris, França, organiza desde o dia 8 de março, e até o próximo 1º de julho, a primeira retrospectiva da obra da pintora Berthe Morisot (1841-1895) após mais de meio século. São 150 pinturas, pasteis, aquarelas, sanguíneas e carvões provenientes de outros museus e de coleções particulares do mundo inteiro, o que permite ter uma ideia ampla do que foi a carreira de uma das mais ilustres pintoras impressionistas.

A exposição de Berthe Morisot no Museu Marmottan Monet de Paris

A seleção das obras foi feita com o objetivo de acompanhar o percurso da artista desde o período de sua formação com o mestre Jean-Baptiste Camille Corot até sua última pintura. Segundo o texto de apresentação da exposição, no site do Museu Marmottan, as obras escolhidas mostram uma arte sutil e delicada, onde o tema geral é a celebração da mulher e da criança. Os retratos de moças no baile, ou fazendo a toalete, ou simplesmente em algum jardim dão testemunho da evolução de sua pintura como grande representante do Impressionismo. Mas há também pinturas de paisagens ou simplesmente composições decorativas, que a colocam lado a lado com dois de seus grandes contemporâneos: Monet e Renoir.

Quem foi Berthe Morisot

Retrato de Berthe Morisot,
por Edward Manet

Berthe nasceu em 14 de janeiro de 1841, na cidade de Bourges, onde seu pai era prefeito. De uma família de posses, ela recebeu uma educação burguesa: fez cursos de música, desenho e pintura, juntamente com sua irmã Edma. Eram sobrinhas do grande pintor rococó Jean-Honoré Fragonard (1732-1806).

Em 1852, a família muda-se para Paris e as irmãs vão estudar desenho e pintura. Berthe tinha 16 anos de idade. Depois passaram a copiar as obras dos mestres da pintura no Museu do Louvre, onde conheceram o pintor Fantin-Latour. Mais tarde, através dele, elas conheceram o pintor impressionista Edward Manet.

Em 1861, Berthe e Edma se tornaram alunas do pintor Camille Corot. Três anos depois, Berthe Morisot participou pela primeira vez como pintora do Salão de artes oficial, o primeiro de muitos. Ela expunha regularmente, ano a ano, sobretudo paisagens. Mas ela também expôs um retrato duplo de sua mãe lendo, e da irmã Edma sentada ao lado, já dentro da concepção artística de Manet, que Berthe considerava seu segundo professor.

Em 1863, Berthe começou a pintar ao ar livre em Pontoise, a noroeste de Paris. Lá conheceu os pintores Daubigny e Daumier. Depois fez algumas viagens pela Espanha e Inglaterra.

Menina lendo, 1888, coleção do Museu
de São Petersburgo, Rússia

Já influenciada pela nova geração de pintores que surgia, os futuros impressionistas e seus amigos, Berthe retirou a pintura onde retratava a mãe e a irmã do Salão de 1870. Em 1874, ela deixa de participar dos Salões oficiais para se juntar ao grupo de pintores independentes, que resolveram fazer sua própria exposição.

No final da década de 1860, as raízes do Impressionismo já estavam lançadas. Mas antes disso uma corrente artística teve uma crescente importância no meio artístico francês, constituindo-se – como diz Peter H. Feist em O Impressionismo na França – em um “dos mais notáveis fenômenos da arte do século XIX”: o Realismo. Era fruto de fatores ligados ao desenvolvimento de concepções que davam uma nova leitura do mundo, inclusive dando sentido às opções políticas que tomaram artistas como Gustave Courbet. Os artistas e seus quadros eram – continua Feist – “como janelas que se debruçam sobre uma parte do mundo real”. Apesar de ser dotado de visão como qualquer ser humano, o pintor deveria treinar permanentemente seu olhar, treinar e refinar sua percepção do mundo. E assim, suas imagens representativas da natureza deveriam levar o observador comum a examinar a realidade de uma forma nova.

Autorretrato, coleção do Museu Marmottan Monet

Para esse grupo de jovens pintores ao qual se juntou Berthe Morisot, pintar era representar a realidade que o artista tinha vivenciado e presenciado. O centro de interesse era a realidade cotidiana, a vida prosaica, os prazeres da vida. A paisagem com mar e céu era agora mais luminosa. Os pintores impressionistas, com seus cavaletes ao ar livre, queriam pintar a mudança e o movimento do dia, com sua luz nova a cada momento. Davam a seus quadros uma claridade maior, uma invasão de luz e cor. Até as sombras eram coloridas.

A inauguração do Salão dos Independentes aconteceu no dia 15 de abril de 1874, quinze dias antes da abertura do salão oficial. Eram trinta os artistas desse salão, que incluíam, além de Berthe Morisot, Pierre-Auguste Renoir e Claude Monet. A crítica não recebeu bem essa nova forma de pintar, e um dos próprios críticos foi quem cunhou a expressão “impressionismo”.

Em 1874 Berthe se casou com Eugène Manet, irmão de Edward. Cinco anos depois nasceu sua filha, Julie. Ela já tinha 38 anos. Fez mais algumas viagens pela Itália, Bélgica e Holanda.

Entre 1881-1883, Berthe construiu uma casa em Paris, onde recebia a cada quinta-feira pintores e escritores: os pintores Degas, Caillebotte, Monet, Pissarro, Renoir e o crítico de arte Duret, entre outros. Suas qualidades tanto humanas quanto artísticas fizeram dela uma mulher muito respeitada no mundo intelectual e artístico francês, atraindo a amizade inclusive do poeta Stephane Mallarmé, que se tornou seu amigo e seu maior fã.

Retrato da mãe e da irmã, 1869-70, National Gallery
of Art, Washington, EUA 

Em 1892, Berthe fez sua primeira exposição individual, poucos meses depois da morte de seu marido. Como Camille Pissarro, Berthe Morisot foi dos únicos artistas que expuseram em todas as mostras impressionistas, com exceção de 1879, ano em que nasceu sua filha.

Assim como a pintora norte-americana Mary Cassat, Berthe Morisot pintou principalmente as mulheres, as crianças e as cenas familiares. Nunca deixou de pintar, a vida inteira, ao contrário de sua irmã também talentosa, Edma, que abandonou a pintura depois que se casou em 1869. Naquela sociedade dominada pelo sexo masculino, era muito difícil para as mulheres acharem um equilíbrio entre a vontade de aprender, a segurança em si próprias como artistas e a manutenção do matrimônio.

Em março de 1895, Berthe Morisot morreu de pneumonia, em Paris. Tinha 54 anos. Porém, deixou a seus amigos – Degas, Monet e Renoir – diversas obras prontas. Apesar de ter sido uma artista de trabalho bastante profícuo, o machismo da época inscreveu em seu atestado de óbito: “sem ocupação” e em seu jazigo a inscrição “Berthe Morisot viúva de Eugène Manet”.

No entanto, um ano depois de sua morte, uma grande homenagem lhe foi prestada: a galeria de Paul Durand-Ruel expôs 394 de suas pinturas, desenhos e aquarelas, com um prefácio escrito por Stephane Mallarmé.

Esta exposição do Museu Marmottan de Paris, portanto, recupera a memória dessa grande pintora impressionista francesa. E faz justiça à presença feminina nas artes plásticas, sempre tão negligenciada pelos salões e pela mídia. Berthe Morisot foi contemporânea de outras duas artistas de peso: Mary Cassat (1845-1926) e Eva Gonzalez (1849-1883).

Retrato de Madame Hubbard