Mandamentos e mistérios gozosos

Por que ninguém teve (ainda) a ideia de expor gavetas com restos mortais em pó de um Crematório?
(Foto do Crematório do cemitério Père Lachaise de Paris, outubro de 2011)

A revista Bravo do mês de outubro, publicou uma reportagem de capa cujo tema é a exposição que acontece na Fundação Bienal de São Paulo, "Em Nome dos Artistas – Arte Contemporânea Norte-Americana na Coleção Astrup Fearnley". Essa mostra reune 219 peças da coleção do Museu de Arte Moderna de Oslo, capital da Noruega. E traz "obras" de Damien Hirst, Jeff Koons e Cindy Sherman, entre outros.


A revista organizou sua apresentação, elencando 7 mandamentos "daquilo que se convencionou chamar de “arte contemporânea”". Continua o texto: "É interessante notar que uma exposição reunindo Van Gogh, Renoir e Degas em todo o seu esplendor e glória não seria possível. Simplesmente porque tais artistas não experimentaram, em vida, esplendor e glória comparáveis aos de Damien Hirst e Jeff Koons, para ficar nos dois mais ricos da constelação (...). Ricos no sentido monetário mesmo. Hirst é, sem sombra de dúvida, o ser humano que mais ganhou dinheiro com criação artística na história ocidental." (!)


"A arte contemporânea não é uma linguagem acessível às massas. Ela se escora em uma série de teorias e procedimentos tão complexos quanto o teatro experimental, o cinema alternativo e a música contemporânea. Só que, diferentemente do teatro experimental, do cinema alternativo ou da música contemporânea – que sobrevivem em ambientes restritos ou financiados por universidades –, ela gerou um circuito milionário. Entender essa relação estreita e amigável entre arte e mercado é essencial para compreender a produção atual. Daí a razão do primeiro mandamento." 

"Escultura" de Jeff Koons,
mas você pode achar algo
assim numa lojinha de
souvenirs...

1 - AMARÁS O MERCADO SOBRE TODAS AS COISAS - o norte-americano Jeff Koons, entre 1991 e 1992, foi casado com a atriz de filme pornô italiana Cicciolina, e fez uma série de pinturas, com cenas do casal tendo relações sexuais. Depois, resolveu ir para o mundo da escultura, quando sua peça ("isso" aí ao lado) foi vendida por 23,5 milhões de dólares na casa de leilões Sotheby’s de Nova York, tornando-o o artista mais valorizado do mundo. Em julho de 2008, outra obra dele foi vendida na casa de leilão Christie’s de Londres por 25,7 milhões de dólares.


Na arte contemporânea, o mercado é uma poderosa fonte de validação artística de um trabalho. Calcula-se que no Brasil o montante de dinheiro que circula no mundo da arte seja da ordem de 300 milhões de reais por ano." Mas no mundo, segundo "levantamento da Tefaf (The European Fine Art Foundation), só em 2008, o total de vendas no mercado internacional atingiu 68,5 bilhões de dólares, sendo que os Estados Unidos e a Grã-Bretanha são responsáveis por dois terços desse montante."


O inglês Damien Hirst, em 2008, por exemplo, colocou à venda na Sotheby’s, em Londres, 223 trabalhos recém-saídos do ateliê. Vendeu 97% (!) para, em sua maioria, investidores particulares, um total de 198 milhões de dólares. Dois anos mais tarde, o valor das peças vendidas despencou para 10% do total. "É óbvio que Damien Hirst criou uma bolha com a própria produção, usando um procedimento clássico do mercado de ações: vender o máximo possível na alta – e provocar uma baixa logo depois por causa da inundação do mercado com um mesmo tipo de produto. É como se Hirst dissesse que, num ambiente cada vez mais dominado pelo mercado, entender seu funcionamento é essencial para um artista. É como se sua bolha fosse, por si só, uma performance."

Serre um boi no meio e isso é arte,
como fez Damien Hirst, um dos
alunos da escola de Duchamp

2 - NÃO PRECISARÁS DOMINAR A TÉCNICA - Depois que o francês Marcel Duchamp (1887-1968) expôs um urinol como obra de arte, em 1917 (A Fonte), a concepção de que um artista precisa saber pintar, esculpir ou fotografar ficou definitivamente para trás." Muitos das "obras" desses artistas-para-o-mercado aí nem foram produzidas por eles. Mas o que importa é a "ideia". "Desde Duchamp, o que faz de alguém um artista são suas ideias, e não suas habilidades manuais", diz a revista Bravo.


E dá um exemplo local, como do artista paulistano Nelson Leirner, que foi tema de um documentário deste ano (Assim É Se Lhe Parece). Ele nunca pintou um quadro na vida. O que faz é se apropriar de objetos existentes e dar-lhes novo significado".


3 - APRENDERÁS A FALAR SOBRE SEU TRABALHO - "num mundo em que a ideia é tão ou mais importante do que a execução, dominar a palavra é tudo. Tanto que os artistas aprendem isso desde a faculdade. No departamento de artes plásticas da Universidade de São Paulo, os alunos passam pelas aulas ministradas por Ana Maria Tavares e Mario Ramiro, em que são incentivados justamente a falar sobre o próprio trabalho." (grifo meu)


4 - PERTENCERÁS A UMA GALERIA - Absolutamente necessário. Como quase todos os artistas de renome hoje passaram por uma faculdade de Belas Artes (o que evidencia que vivemos o tempo da Nova Academia - ou seja, isso daí é arte acadêmica), "imediatamente passam a integrar o elenco de alguma galeria. Muitos deles assinam contratos com endereços comerciais antes mesmo da formatura". Continua o texto: "A carreira de artista tem atualmente etapas tão bem definidas, e encontra-se tão escorada por marchands, colecionadores, leilões e exposições, que até perdeu um pouco do caráter aventureiro e um tanto arriscado que sempre a acompanhou".


"O diretor do Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo, Tadeu Chiarelli, vê no entanto essa presença forte das galerias no circuito como algo incômodo: “Pertencer a uma galeria virou sinônimo de ser bem-sucedido”. Porém o número de endereços que abrem a cada ano e o volume de dinheiro que negociam é tanto que foi criada em 2007 no Brasil a Abact (Associação Brasileira de Arte Contemporânea), uma iniciativa das próprias galerias para mapear esse setor. A presidente da instituição é Alessandra d’Aloia, também sócia-diretora da prestigiada galeria Fortes Vilaça, em São Paulo."


5 - PARTICIPARÁS DE FEIRAS DE ARTE - São umas 30 feiras internacionais de arte contemporânea no mundo, mais de duas por mês. Negócios muito rentáveis rolam por lá.


6 - CONHECERÁS CURADORES - ah.... os curadores! Não é possível viver sem eles! Enquanto o tradicional papel da crítica teve seu papel diminuído, "os curadores são os novos críticos". Continua Bravo: "São eles que selecionam artistas e suas obras para exposições que pretendem oferecer um panorama da produção atual e, dessa forma, atribuem leituras para esses conjuntos. Os curadores apresentam temas, sugerem relações entre criadores e apontam também revelações da área. Inclusive para galeristas e colecionadores. “Hoje até as feiras de arte têm curadores. O que antes era Igreja e Estado agora se mistura. Bienais e feiras têm muitas vezes conceitos tão próximos que ficam muito parecidas”, diz um deles, Cauê Alves.


7 - VIVERÁS COMO UMA CELEBRIDADE - Como já dizia o pop Andy Wahrol,cada um deve buscar seus 15 minutos de fama. Os "artistas deixaram de ser figuras por trás de suas obras e estão cada vez mais à frente delas. O público quer saber como se vestem, com quem circulam, o que bebem, como bebem".

Então junte-se uma boa faculdade que ensine a nova forma de fazer arte, renda-se às regras do mercado, tenha-se uma boa ideia ("boa" no sentido disso daí), circule-se por esses circuitos sociais onde impera a futilidade (e muita grana!), dê-se um jeito de ser celebridade (mesmo que por 5 minutos), e pronto! Seu reino individual está garantido!

Cemitério Père Lahaise, Paris, outubro de 2011

A incansável artista Edíria Carneiro

Edíria em seu atelier em São Paulo

Edíria Carneiro tem uma longa trajetória de vida, como militante comunista, mas principalmente como artista plástica. Sua caminhada começou lá pela década de 1930 quando, jovem estudante da Escola de Belas Artes de Salvador, fazia suas primeiras ilustrações para a revista “Seiva”, um instrumento de luta política e cultural de resistência ao fascismo. Nesse período, Edíria filiou-se ao Partido Comunista do Brasil.

Em 1945, como delegada ao congresso UNE no Rio de Janeiro, resolveu mudar-se para essa cidade que iria lhe permitir ter uma vivência maior com artistas e intelectuais. Lá na sua terra era muito difícil, para ela, ser militante comunista, inclusive por causa do preconceito que havia contra a participação de mulheres, tanto na política quanto nas artes.

No Rio, como o Partido precisava de uma desenhista, Edíria foi trabalhar como ilustradora do Jornal "A Classe Operária". Colaborava também com “Momento Feminino”, um jornal editado por mulheres e dirigido por Arcelina Mochel e Heloísa Ramos, esposa do escritor Graciliano Ramos, também filiado ao PCB. Edíria, além de seu trabalho como ilustradora, também desenhava panfletos, faixas, material de propaganda, etc.

Em 1946, teve aulas de xilogravura com Axl Leskochek, e de gravura em metal com Carlos Oswald, assim como estudou pintura com Tomás Santa Rosa. Enviou, nessa época, uma pintura sua para o Salão Nacional de Belas Artes do Rio de Janeiro, onde ganhou uma medalha de bronze.

Com a ilegalidade do seu Partido Comunista, Edíria foi viver na clandestinidade, junto com seu companheiro João Amazonas. Durante muito anos, ela ficou sem poder desenhar e produzir, por causa da perseguição aos comunistas. Somente em 1959, quando ela e João Amazonas mudaram-se para o Rio Grande do Sul, pode frequentar exposições e voltar a fazer cursos de artes plásticas, tornando-se aluna do pintor Iberê Camargo.

Nas idas e vindas da vida clandestina, Edíria e João voltaram a morar em São Paulo. Mas a ditadura militar perseguia duramente os comunistas e eles foram obrigados a se exilar em Paris durante quase quatro anos, após o episódio da Queda da Lapa, uma reunião do Comitê Central do PCdoB que foi estourada pelo Exército, onde foram assassinados os dirigentes comunistas Angelo Arroyo e Pedro Pomar, além dos outros que foram presos e selvagemente torturados.

Em Paris, Edíria voltou aos cursos de artes. Esteve com Friedlaender, um gravador muito conhecido e já muito velhinho, que tinha sido mestre do artista brasileiro Lívio Abramo. Friedlaender indicou para ela o “Atelier 17” de Stanley Hayter, um atelier freqüentado por muitos artistas famosos como Miró, Picasso, Vieira da Silva, Giacometti, entre outros. Com ele, Edíria aprendeu uma técnica especial de gravação que permite se usar várias cores numa mesma impressão, técnica que ela domina muito bem, como pode ser visto em sua recente exposição de gravuras, no final de 2010, na sede do PCdoB.

Atualmente, mesmo com a idade avançada, ela não para! Transformou o apartamento onde mora em atelier, onde pinta frequentemente suas telas à óleo. As paredes estão repletas delas. Nos últimos anos, Edíria tem voltado sua pintura especialmente para o tema do sofrimento das mulheres pobres: mulheres que sofrem com enchentes, com a falta de moradia, com a fome, com o abandono e com a falta de terra para trabalhar, as que são camponesas. Isso lhe valeu uma homenagem das mulheres do MST, em 2009, quando Edíria doou seis telas para a Escola Florestan Fernandes.

Seu curriculum de artista é bastante extenso e inclui a participação em diversos Salões de Artes em várias cidades do Brasil, assim como duas participações na Bienal Internacional de Artes de São Paulo.

Ela também expôs no exterior:

na Associação Brasil-Estados Unidos, em Washington, EUA (1961); no Salon d'Automne, em Paris, França (de 1977 a 1981); no Musée des Beaux Arts de Caen, França (1981); no Salon des Artistes Françaises, em Paris (de 1977 a 1981); no Salon Internacional del Grabado, em Madri, Espanha (de 1977 a 1981); na Feira Internacional de Arte de Paris (1986); no Museu de Arte Colonial, a convite do Centro Wilfredo Lam, em Havana, Cuba (1991); na Bienal de Gravura de Taiwan, China (1991) e na Mostra Internacional de Minigrabados em Madri, Espanha (de 1994 a 1998)

Edíria Carneiro tem obras nos acervos dos museus: Museu de Arte Moderna de São Paulo; Museu de Arte Moderna de Skoplje, Macedônia, antiga Iugoslávia; Museu del Grabado de Buenos Aires, Argentina; no Cabinet d'Estampes de la Bibliothèque National de Paris, França e na Prefeitura de Porto Alegre, Rio Grande do Sul. Além disso, é verbete no Dicionário das Artes Plásticas no Brasil (Roberto Pontual), no Dicionário de Artistas Plásticos (Instituto Nacional do Livro) e na Grande Enciclopédia Delta Larrouse (Edição Brasileira ano 1970).

Exposição "As Excluídas"
Edíria Carneiro
de 18 de março a 15 de abril
Rua Rego Freitas, 192 Centro
São Paulo - SP

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NOTA DO BLOG:

A artista Edíria Carneiro faleceu em dezembro de 2011.

Os revólveres, os urubus, a Bienal e as polêmicas do momento

Reproduzo abaixo artigo do poeta AFONSO ROMANO DE SANT'ANNA sobre a Bienal de São Paulo.

Artista, acima de qualquer suspeita?

Gil Vicente contra Gil Vicente
(do blog do Afonso Romano)

A 29ª Bienal de São Paulo está propiciando uma discussão que não pode ficar na superfície dos fatos. Com efeito, a Bienal anterior, que denominei de "a bienal do vazio" não se interessou em discutir a fundo o problema que levantou, e tudo terminou como uma questão policial. 

Agora surgiu a polêmica em torno dos desenhos do artista pernambucano Gil Vicente, nos quais ele aparece atirando em Fernando Henrique Cardoso, cortando a garganta de Lula e matando outros lideres mundiais como Nethanyahu, Armadinejad, Rainha Elizabeth e o Papa atual.

Formaram-se logo dois grupos opostos. A OAB, exercitando seu discurso jurídico, prometeu processar o artista e/ou a Bienal por incitação ao crime e à violência, e do outro lado os curadores afirmando que isto é censura. E alçaram a palavra "censura" como um talismã que os protegesse.

A questão me parece mal colocada. E quando se coloca mal uma discussão, deriva-se para outros mal entendidos. Consideremos primeiro que esse episódio remete para algo conhecido no mundo antigo como "morte em efígie". Não se podendo destruir o réu, destruía-se sua imagem, arrasando sua memória.

Mas não é a primeira vez que dentro da modernidade ocorre um crime semelhante. Em 1965 três pintores mataram Marcel Duchamp. Gilles Aillaud, Antonio Recalcati e Eduardo Arroyo pintaram oito quadros realistas nos quais surpreendiam Duchamp subindo uma escada, esmurravam-no, torturavam-no e jogavam-no escada abaixo nu.

Duchamp, que propunha a morte da arte, não gostou de se ver morto ali. E analisando esse quadro/episódio no livro "O Enigma Vazio" (Ed.Rocco) eu dizia que não é matando, mesmo em efígie, o ícone da arte de nosso tempo que o entenderemos. O desafio é ir a fundo na sua vida&obra (que foi o que tentei fazer). Além do mais, a violência dos três pintores insere-se no quadro violento dos anos 60/70 quando o pensamento totalitário à esquerda e à direita achava que pela força resolveriam problemas sociais e políticos.

Portanto, preservando-se o direito do artista se expressar, mas alertando para as consequências disto, não se pode deixar de ver na obra daquele artista pernambucano um paradoxal exercício da violência. A meu ver, deveríamos ter aprendido com a Revolução Francesa, com a russa, a chinesa e cubana, que cortar a cabeça dos lideres é inócuo. Por outro lado, ressurge aí a síndrome voluntarista, perversa e autoritária do "justiceiro" - figura que a sociologia estuda pertinentemente.

Acima de qualquer suspeita?

Isto posto é crucial trazer à discussão uma pergunta: É o artista um cidadão acima de qualquer suspeita? Esta é uma clara alusão ao filme de Elio Petri ("Indagine su un Cittadino al di Sopra di Ogni Sospetto"- 1971). Naquela película, um policial comete um assassinato, e por pertencer aos altos escalões do sistema julga-se tão incólume que até participa das investigações. Transpondo para o caso da Bienal e da arte atual, pergunta-se: estaria o artista acima de todas as leis sociais?

Para começar a entender essa pergunta, lembre-se que a ditadura recente nos deixou uma marca deletéria: depois de tanta repressão, caímos na ânsia de repressão nenhuma. Mergulhamos no oposto. Por isto, o mote: "é proibido proibir", que tem o seu charme juvenil, é um paradoxo, pois proibir a proibição é exercitar a proibição e a censura, só que do outro lado.

Por sua vez, a ideologia da pós-modernidade alardeia que tudo é legítimo, que não há fronteiras, nem valores, que as coisas se esgotam em si mesmas sem qualquer outro compromisso que não seja hedonista e narcísico. Portanto, um vetor nacional e outro internacional se complementam em forjar uma ideologia de época, que deve ser analisada cautelosamente.

Isto nos leva a um outro aspecto já que esta 29ª Bienal tem como tema "Arte e política". Ora, falar da política convencional é fácil. Acusar políticos, verberar contra os militares, é uma banalidade. Eles são os "outros". No entanto, há um enfrentamento político, igualmente urgente, dentro das artes. É necessário questionar o sistema em que as artes se baseiam. Isto consiste em rever o poder dos curadores, o sistema das galerias, as premiações, a crítica universitária e jornalística, a publicidade, a bolsa de valores, enfim, o "deus ex machina" que hoje, mais do que nunca, controla as artes - o mercado.

E para esclarecer a esquizofrenia do sistema artístico e de nossa sociedade, leiamos esse poema do antipsiquiatra R.D. Laing:

“Ele estão jogando o jogo deles
eles estão jogando de não jogar o jogo
se eu lhes mostrar que os vejo tal qual eles estão
quebrarei as regras desse jogo
e receberei a sua punição.
O que devo pois é jogar o jogo deles
o jogo de não ver o jogo que eles jogam.”

Na última Bienal isto ficou claro: os grafiteiros que denunciaram o "jogo" do qual não podiam participar foram parar na polícia. Na atual Bienal já ocorrem reclamações semelhantes, comprovando que a arte oficial de nosso tempo não consegue resolver seu paradoxo fundamental: diz que não há fronteiras, que tudo é licito, desde, é claro, que sejam suas as fronteiras e desde que sejam "eles" a decidirem o sistema que tutelam.

Todo mundo é artista?
Grande parte da arte contemporânea se baseia em silogismos que nunca foram analisados detidamente. Se analisados, revelam-se como falácia. Falácias que levam a becos sem saída.

Retomemos a questão implícita no conceito de que o artista pode tudo, que ele é um cidadão acima de qualquer suspeita. Existe um silogismo básico na prática da arte oficialista (o governo deu R$ 46 mihões para a Bienal), silogismo originário de Duchamp, segundo o qual a arte morreu e todo mundo é artista.

Ora, vejamos o silogismo aí contido: todo mundo é artista / o artista está acima de qualquer suspeita / logo, todo mundo esta acima de qualquer suspeita. Como se sabe, essa verdade é mentirosa. Se todo mundo estivesse acima da lei, não existira lei, nem sociedade.

Esse silogismo é ainda falacioso, enganador, porque sabemos que nem todo mundo é artista e que uns são "mais" artistas que outros. Pior: dentro do sistema das artes que, hipócrita e espertamente decretou que tudo é arte e todos são artistas, grupos bem organizados e presos sobretudo às leis do mercado e do marketing controlam as leis éticas e estéticas que, paradoxalmente, dizem não existir.

Portanto, uma discussão radical sobre política e arte passa pelo exame interno do sistema das artes hoje e tem que enfrentar certos paradoxos, dilemas e sofismas. É uma operação tão arriscada e séria, que pode levar a um suicídio histórico, a um colapso do sistema. Ou, então, o que seria admirável, ao renascimento da própria arte de uma forma para nós ainda inimaginável.

Afonso Romano de Sant'Anna

A Bienal de Artes que se diz política

Foi inaugurada em São Paulo, no último dia 25 de setembro, a 29ª Bienal Internacional de Artes, no pavilhão do Ibirapuera. A mostra estará aberta ao público até o dia 12 de dezembro de 2010, com obras de 159 artistas de várias partes do mundo, sendo 52 brasileiros.

Neste domingo chuvoso e frio de 26 de setembro, fui visitar a 29ª Bienal de Artes de São Paulo. Como ainda estava cedo, uma meia dúzia de pessoas entrou no prédio, após uma revista rigorosa de seguranças postados na entrada. A moça que portava um scanner ameaçador, pediu: “pode abrir sua bolsa?” Eu perguntei: “por que? Para ver se eu não estou trazendo um spray comigo?” Enquanto examinava minha bolsa, respondeu: “Ordens da direção”. Entrei no prédio e fui refletindo, em estado de choque: Bienal da violência? Na noite anterior um rapaz tinha invadido uma instalação e deixado lá uma frase de protesto: “Liberte os urubu!” (sic)

Mas o tema escolhido para este ano é “Arte e Política”. Segundo os curadores Moacir dos Anjos e Agnaldo Farias, a ideia de fazer dessa Bienal de 2010 uma exposição que tenha essa conotação política, deve-se ao fato de ser importante “resgatar o entendimento tradicional na relação que sempre existiu entre Arte e Política.”

Arte e política?

Mas é necessário esclarecer que o entendimento que os curadores desta Bienal têm da relação arte-política está longe de ser tradicional. Diz Agnaldo Farias: “Nossa ideia é criar um conceito-arquipélago, sem bordas nítidas. Queremos escapar de uma noção literal do binômio “arte e política”, associada a uma tradição realista, e recuperar uma outra compreensão, de uma arte mais experimental, que ataca no âmbito da linguagem, levando a novas formas de sociabilidade e de compreensão do objeto artístico.” Então... como diz a música “Bienal” do Zeca Baleiro, “minha mãe não entendeu o subtexto/ da arte desmaterializada no presente contexto/ reciclando o lixo lá do cesto/ chego a um resultado estético bacana...” E fazemos um esforço honesto de compreensão dessa verborragia que mais parece ter sido construída com o intuito de atrair de novo as atenções para uma entidade que se esvazia ano a ano.

O “objeto artístico”, no caso desta Bienal, é basicamente centrado na fotografia. Andando-se pelo pavilhão entremeado de pequenos ambientes fechados, e do que os curadores chamam de “terreiros”, o público se depara com uma quantidade enorme de fotografias, isoladas, agrupadas, formando conjuntos grandes ou pequenos. Há também espalhados em espaços apropriados, os vídeos, que apresentam temas os mais variados, desde pequenos documentários e assuntos non-sense a um vídeo do cineasta francês Jean-Luc Godard. E instalações diversas espalhadas pelo prédio, de artistas nacionais e estrangeiros.

A representação internacional de artistas segue, basicamente, o mesmo perfil. Traz do norte-americano Joseph Kosuth, criador e teórico importante da arte conceitual, à fotógrafa Nan Goldim, também dos EUA, que influenciou toda a fotografia praticada a partir dos anos 1980 (inclusive a de moda), ao chinês Ai Weiwei.

No caso deste chinês, sua obra – um conjunto de cabeças de animais estranhos espetadas em suportes que lembram troncos estilizados – foi colocada estrategicamente no hall de entrada do prédio. No site da Fundação Bienal, ele é apresentado como um chinês nascido na China socialista, mas que se exilou “voluntariamente por um período em Nova York, o que alargou seu repertório conceitual, visual e histórico”, segundo a organização da Bienal que acrescenta que seu “Circle of Animals” lá exposto tem um “forte valor simbólico e material que apropriam e ressignificam objetos”. Pois é.

Além dos espaços destinados à apresentação das obras, a Bienal também conta com seis espaços, que estão sendo chamados de terreiros, usando os 30 mil metros quadrados de área disponíveis no Pavilhão do Ibirapuera. A ideia dos “Terreiros”, para os organizadores, é dar o tom de celebração da política, “uma vez que o terreiro, na cultura brasileira, é um espaço entre o sagrado e o profano, um espaço da troca, da festa, mas também da resistência”, disse Agnaldo Farias, o curador. Tentando examinar os tais “Terreiros”, cheguei à conclusão que mais uma vez o discurso se coloca na frente da arte: terreiros conceituais. Mãe Menininha do terreiro do Gantois jamais poderia reconhecer na megalomania conceitual desses gestores de arte atual, o bom e velho terreiro dos brasileiros.

Mas estão presentes também artistas da arte contemporânea nacional, como Cildo Meirelles, Hélio Oiticica, Artur Barrio, Antônio Dias e o performático Flávio de Carvalho. A presença das xilogravuras de Oswaldo Goeldi chega a ser uma dissonância em meio à monotonia do que se apresenta nesta mostra. O artista cearense Efrain Almeida também está presente, com uma instalação composta de cinco autorretratos esculpidos em madeira, postos em pedestais desproporcionais ao tamanho deles. Mesmo se mantendo dentro da tradição cultural nordestina, sua linguagem artística (como gostam de falar os arautos da arte contemporânea) se atualizou ao ponto de ele já ter participado de várias bienais internacionais. No corpo das figuras, com machetaria, fez tatuagens de carcarás, urubus, cactos e símbolos do cangaço. Mas ele diz uma frase que reflete bem como é a vida do artista da região nordeste, especialmente: “Nascendo onde nasci, em contexto de poucas possibilidades, fazer arte é atitude política”. Concordo.

Atitude política que tentou passar o Ministro Juca Ferreira no dia da inauguração da 29ª Bienal. O Ministro, cujo Ministério da Cultura foi um dos grandes patrocinadores da mostra deste ano de 2010 (o governo federal repassou À Fundação Bienal aproximadamente R$ 46 milhões), elogiou o esforço dos diretores da Bienal em recuperar administrativamente essa instituição, que foi deixada bastante endividada após o fracasso da 28ª Bienal, que ficou conhecida como a Bienal do Vazio. O Ministro, referindo-se ao tema “Arte e Política”, disse: “ouso dizer, que é impossível separar arte e política. Apesar de tantas interpretações possíveis para definir esta relação. (...) A Política entendida aqui como a arte da convivência coletiva com nossos impasses e virtudes, mas também a busca coletiva de soluções para os problemas de todos nós. A Política como campo privilegiado das negociações sociais e do exercício de poder compartilhado, como uma arte de exercício do conhecimento e revelação de possíveis mundos.”

Mas esses “possíveis mundos” – ou a probabilidade de todos os mundos e ideias artísticas possíveis – não estão presentes nesta Bienal. Com exceção de uma rara tela de pintura, das gravuras de Goeldi e dos desenhos de Gil Vicente, não se encontram presentes outras linguagens das artes plásticas, especialmente a figurativa, considerada pelo sistema de arte atual, como coisa do passado.

A Bienal e seus escândalos

Gil Vicente e FHC

Como não poderia deixar de ser, esta versão da mostra que ocorre a cada dois anos em São Paulo, está tendo seus momentos de polêmicas que tomam as páginas dos jornais e os programas televisivos.

A série de desenhos intitulada “Inimigos", do pernambucano Gil Vicente, causou polêmica antes mesmo de ser exposta. Nela, o artista retrata a si mesmo matando personagens famosos como Fernando Henrique Cardoso e Lula. Uma semana antes da abertura da Bienal, a OAB-SP divulgou uma nota em que se coloca contra a exposição da série, "por fazer apologia ao crime".

Em entrevista a estudantes uma semana depois, Gil Vicente disse que escolheu os personagens, de acordo com sua repulsa pessoal. Ele desenhou-se a si mesmo portando na mão um revólver apontado para figuras públicas, colocando Lula em pé de igualdade com FHC e George W. Bush. No caso de Lula, Gil Vicente aparece de pé atrás do Presidente, que se encontra amarrado a uma cadeira, indefeso, com uma faca contra seu pescoço. Vicente disse que os desenhou por compreender “muito intensamente a impossibilidade de mudança no mundo, e que, qualquer tentativa seria abafada.” Com toda a certeza, os torturadores do regime militar e os inimigos atuais do Presidente do Brasil teriam adorado ver Luís Inácio sendo torturado, mesmo que em efígie, e ameaçado de morte. Como isso pode contribuir para uma reflexão entre arte e política, a não ser incitando sentimentos de ódio e violência?

Violência também presente sutilmente numa outra obra, a instalação “Bandeira Branca” de Nuno Ramos. Movimentos em defesa dos animais e defensores dos direitos dos animais se puseram a postos para boicotar a bienal que aprisiona, em nome da “arte”, três urubus vivos. Mas o ato mais contundente contra essa instalação foi cometido pelo jovem pichador Rafael Augustaitiz, ou Rafael Pixobom, como é conhecido. Ele rasgou um lado da tela protetora da instalação e escreveu com spray: “Solte os urubu!” Foi preso. Entrevistado sobre o assunto, Nuno Ramos disse que não ia prestar queixa contra o rapaz, mas que achou um absurdo pois “a Bienal é um momento em que o público abre a cabeça” (sic!).

Obra de Roberto Jacoby

Outra obra que deu assunto para jornalistas de plantão foi a proibição, por parte do Tribunal Regional Eleitoral, da exposição da obra “A alma nunca pensa sem imagens”, do artista argentino Roberto Jacoby, declaradamente fã de Lula e do PT. A iniciativa de consultar o TRE partiu dos próprios curadores da Bienal, segundo Jacoby. Ele apresentava duas fotos gigantes, uma do José Serra num zoom carrancudo e outra da Dilma Roussef exultante com um chapéu de couro colorido com as cores da bandeira de Pernambuco. Além disso, o argentino trouxe uma equipe de auxiliares argentinos, todos vestidos com camisetas vermelhas com a inscrição “Brigada Argentina por Dilma”, estampada em amarelo. Pronto! A Bienal política não pode induzir pessoas a pensar em eleições presidenciais... Mas a mesma Bienal defende um quadro onde o autor quer matar o Presidente Lula...

Já no final da minha visita, resolvi entrevistar quatro pessoas, que me pediram para serem mantidas em segredo, porque são todas funcionárias terceirizadas da Fundação Bienal. Minha escolha por entrevistar trabalhadores da Bienal, e não o público presente, foi intencional. Elas não estão lá porque ouviram dizer que a Bienal está causando frisson pelas polêmicas do momento, mas porque lá trabalham. São eles: um bombeiro, uma segurança e duas monitoras.

Para os quatro, fiz a mesma pergunta: para você, isto que está exposto aqui é arte? A primeira reação de todos foi um sorriso de dúvida. Em seguida, palavras oscilantes tentando se posicionar. O bombeiro a princípio resistiu em responder, mas quando eu lhe dei minha opinião, ele disse: “olha, eles dizem que é arte. Mas eu não entendo isso. Não sei se é arte. Algumas coisas acho que são.” Enquanto a moça que fazia a segurança de um dos setores me disse: “Ah tem umas coisas bonitas, mas tem umas coisas feias... E esses urubus aí, eu não acho que é arte. Mas é que eu não entendo muito...”

Me dirigi às moças que fazem a monitoria e orientam o público sobre as obras. Minha pergunta as assustou um pouco, mas logo uma delas me respondeu: “Você sabe, né? Hoje em dia há um entrelaçamento muito grande entre as linguagens artísticas, que conversam entre si.” Questionei onde estava esse entrelaçamento, uma vez que o que eu via ali era tudo arte conceitual? É que hoje em dia, a arte visual está mais independente do desenho e da pintura. Ah, tá... respondi. Mas e você, me dê sua opinião pessoal, você realmente gosta disso que está aqui? Ela: “ah, eu não sei, assim, sabe, meu professor disse que a gente precisa abrir mão dos conceitos antigos para assimilar esse novo momento na arte”. E esse novo momento na arte não deixa mais ninguém ser desenhista e pintor? Ela me olhou, sorrindo, sem saber o que responder. Agradeci, saí.

Saí pensando o quanto seria bom se aquele prédio tão bonito, assinado por Oscar Niemeyer, fosse de fato pluralista e aberto a todas as linguagens das artes visuais. Um espaço, que é público, deveria ser mais democrático, mais aberto a artistas brasileiros e estrangeiros de todos os estilos. Quem sabe um dia poderíamos fazer uma grande Exposição de Artes realmente representativa de toda a arte que é feita neste país, em milhares de ateliês e por milhares de artistas solitários que lutam com muito esforço para sobreviver nesse mundo aí.

“Liberte os urubu!” da Bienal do espetáculo

A 29ª Bienal de Artes de São Paulo foi inaugurada no último dia 25/09, com mais de 800 trabalhos de 148 participantes. Dias antes de sua abertura, já freqüentava as páginas dos jornais e os noticiários televisivos, transformando-se no que gosta de ser: um espetáculo.

Antes de qualquer coisa, vamos narrar três fatos ocorridos nestes últimos quinze dias, cujo centro é a Bienal:

1 - a OAB-SP oficiou um parecer junto ao Ministério Público solicitando que as obras do artista Gil Vicente fossem retiradas da exposição por incitação ao crime. São desenhos realizados entre 2005 e 2010, onde o autor aparece com um revólver ameaçando figuras políticas nacionais e internacionais, incluindo o papa. Curadores e autor protestaram.

2 - o argentino Roberto Jacoby teve suas duas obras retiradas da mostra, por solicitação do Tribunal Regional Eleitoral, por serem consideradas propaganda eleitoral. Ocorre que o argentino colocou duas fotos gigantescas de um carrancudo Serra e uma empolgante Dilma vestida com trajes coloridos. Autor protestou, curadores apoiaram o TRE.

3 - No dia da inauguração, um garoto com um spray, ao final do dia, sorrateiramente rasgou a tela protetora de uma instalação de Nuno Ramos, que mantém três urubus vivos dentro de um viveiro no vão central do prédio. O rapaz invadiu aquele espaço e escreveu simplesmente: “Liberte os urubu!” (sic) Logo em seguida uma confusão se armou e algumas pessoas, entre elas o pichador, foram parar na delegacia. A Bienal encerrou a visita do dia antes da hora, e a curadoria da Fundação Bienal emitiu uma “nota de repúdio” contra o ato de Rafael Pixobom, nome do rapaz.

O que significa tudo isso? Vamos recordar um pouco da história da Bienal.

Em 1951, o Museu de Arte Moderna de São Paulo lança a I Bienal Internacional de Arte da América Latina com 1.800 obras de 20 países. A ideia, presente nas artes desde o começo do século em Paris e em Moscou, era modernizar as artes plásticas, ideia esta que se multiplicou em todos os ismos dos movimentos modernistas mundo a fora. Nas primeiras bienais de arte de São Paulo, artistas de renome internacional foram apresentados ao público brasileiro: Pablo Picasso (trazendo em 1953 a sua obra “Guernica”), René Magritte, George Groz, Paul Klee, Mondrian, Jackson Pollock, os expressionistas alemães, e mesmo artistas como Van Gogh. Dos artistas nacionais destacaram-se Portinari, Alfredo Volpi, Di Cavalcanti, Lívio Abramo, Tarsila do Amaral, etc. Impossível citar todos os grandes artistas que expuseram suas obras nas Bienais do passado.

Pulando rapidamente para o momento presente. Ontem fui visitar a 29a Bienal de São Paulo no pavilhão do Ibirapuera. Os curadores tinham anunciado a participação de artistas de vários outros países e que o tema deste ano seria “Arte e Política”. Fui, com minha câmera fotográfica, para ver o que vinha por aí. Fazia muito tempo – uns 10 anos – que eu tinha desistido de ir às bienais. Pela mesmice das obras, pela repetição cansativa, e pela ausência de obras representativas das belas artes, nacionais e internacionais. A bienal se transformou em mais um apêndice do sistema monopolista das artes atuais, onde predomina quase absoluta a chamada arte conceitual.

Foi o que vi por lá ontem. Instalações que repetem padrões que vêm desde as primeiras instalações de cem anos atrás, ou seja, já não há mais novidades, apenas “releituras” nauseantes (arte contemporânea?); vídeos extremamente chatos (imagine colocar uma câmera num ponto estratégico da avenida Paulista e deixá-la lá por horas filmando o trânsito chato de São Paulo – e isso é apresentado como arte!); fotografias, fotografias espalhadas por todos os vãos do prédio, confundindo o público, que pode se perguntar: isto é uma Bienal de fotografia? E eu acrescento: será que já não se sente uma espécie de saudade da pintura figurativa e por isso a chamada arte contemporânea está repleta de fotografias? (fotografias figurativas, diga-se de passagem!)

Mas não é só e apenas isso. Falta o elemento principal presente no sistema de arte hoje, que inclui a Bienal de São Paulo: há o ESPETÁCULO! Sim, senhores, numa sociedade pós-moderna como a nossa que espetaculariza tudo, nada mais coerente do que a espetacularização atingir as artes visuais.

"Liberte os urubu!" - a "arte" de Rafael Pixobom

É aqui que chegamos para tentar explicar o que aconteceu com os três fatos acima citados. Gil Vicente somente conseguiu expor seus agora famosos desenhos não porque eles tivessem qualidade técnica (que os têm – mas isso não é mais importante para a curadoria de arte atual), mas exatamente porque eles iriam “causar” polêmica, quando propõem a morte do papa, do Lula e do Ahmadinejad. O argentino, que não se sabe se sabe desenhar ou pintar, expertamente copiou e colou fotos de Serra e Dilma da internet, ampliou-as para os quatro metros de altura e aí está: conseguiu se sobressair, pois o TRE e os curadores disseram um NÃO, não às fotografias, mas à tentativa dele de apoiar Dilma. E o terceiro acontecimento, o do garoto com o spray na mão atacando a obra de Nuno Ramos, nada mais é do que uma reação de violência natural à violência da instalação que apresenta peças enormemente marrons, escuras e feias, em cujo topo das quais ele resolveu colocar três pobres urubus vivos. Por que? Será que não seria melhor, já que quer falar da violência na cidade, pintar um quadro que também contivesse três urubus pintados?

Para concluir, digo que realmente Afonso Romano de Sant’Anna, poeta e crítico de arte, tem razão: a instituição Bienal já era! Ela está dando seus últimos suspiros na Bienal de Berlim (que visitei em julho deste ano, completamente sem público, porque os alemães estavam mesmo é formando fila para ver obras de qualidade nos museus), e resiste ainda na Bienal de Veneza. Aqui em São Paulo, já deu sinais de exaustão, de morte ainda não anunciada, porque os técnicos que administram a Fundação Bienal querem de fato tornar a instituição uma grande fonte de renda! Fonte de inspiração, de beleza, de reflexão, de contemplação, de enlevamento da alma humana, sentimentos produzidos pela Arte verdadeira, já não são valores que interessam ao sistema da arte atual. Os valores são outros: os das Bolsas de Valores.

As Bienais de Arte

No dia 25 de setembro próximo, será aberta ao público a 29ª Bienal de Artes de São Paulo. Um pouco antes, em uma série de três dias consecutivos, haverão sessões abertas à imprensa e a convidados especiais, bem de acordo com o glamour que faz o gosto de certa elite. Não importa muito as obras lá expostas, importa bastante  circular pelas rodinhas que se farão, ser visto, ver as tais celebridades.


Estive no final de julho, começo de agosto, em Berlim, Alemanha. Um dos lugares de visita programados era a Bienal de Artes de Berlim. Fui em quatro dos seis prédios que abrigam a Bienal de lá, concentrados basicamente no bairro Kreuzberg. A Bienal alemã neste ano resolveu homenagear o pintor realista alemão do século XIX Adolf Menzel, cujas obras ocupavam grande parte do espaço da Old National Galery.


Mas também fui ver o que se expunha nos outros cinco lugares que formam a Bienal. No primeiro, um prédio velho, deteriorado, mal cuidado, abrigava uma parte bem grande dos expositores. Estranhei ao chegar ao local. Não tem fila??? Incrivelmente vazio, durante toda a minha visita aos quatro andares encontrei com não mais do que dez pessoas! Completamente diferente dos museus que expõem pinturas e esculturas dos mestres, lotados de gente, com filas permanentes nas entradas, os prédios da Bienal estavam vazios, entregues às moscas. Literalmente. Jovens provavelmente ligados ao mundo da arte contemporânea alemã, faziam as vezes dos seguranças, tomavam conta das salas. Sentados, lendo algum livro para passar o tempo, pareciam se surpreender quando avistavam alguém chegando para ver o que estava exposto.


E o que estava exposto mostrava o que o poeta Afonso Romano de Sant'Anna já falara antes sobre as bienais de arte: uma instituição que está falindo. Muitas fotografias, ao invés de pinturas, o que me fez pensar que alguém deve estar sentindo falta de arte figurativa, já que há tanta fotografia - figurativa! - para se ver! Além de fotografias, vídeos, em salas mal instaladas, mostravam pequenos documentários: entrevistas de europeus com pobres negros africanos, como se sua pobreza fosse algo tão exótico que era necessário saber como se vive se sendo tão pobre; cenas de sexo explícito; duas velhinhas brigando; alguma manifestação em algum canto da Europa, como um momento de espetáculo. 

Era isso a Bienal de Berlim. Ah, sim, esqueci... Havia instalações, claro! As famosas e ultra-repetitivas instalações conceituais que nada mais apresentam de novidade, e nem de longe arranham a criatividade inicial de um artista como o russo Vladimir Tatlin, do começo do século XX. Instalações repetitivas, como disse, e um tanto quanto melancólicas. Mas talvez a melancolia fosse minha... realmente Arte, como eu compreendo, não havia naquela Bienal de Artes de Berlim. Que, diga-se enfaticamente, não se interessa (parece) pelo estado glamouroso que tanto excita a elite que vai à Bienal de São Paulo. Em Berlim, pelo menos, a Bienal não tem glamour. Nenhum!


Aqui? Veremos! Muito provavelmente não será muito diferente do que vi pela cidade alemã. A diferença da Bienal de São Paulo é mesmo que ela se torna um encontro de beldades artísticas ou não, repleta de holofotes sobre os curadores, que não se cansam de se apresentar à mídia. Uma Bienal Política? Veremos!