Os Faróis do tempo, de Baudelaire

O poeta Charles Baudelaire

             Charles Baudelaire foi um poeta francês nascido em Paris no dia 9 de abril de 1821. Deixou como obra principal a coletânea de poemas intitulada As Flores do Mal. Nascido dentro do romantismo, ele também passou pela poesia parnasiana e pelo simbolismo, mas é principalmente o cantor da modernidade. Amigo dos pintores mais importantes de seu tempo, ele aparece retratado nas telas de quase todos eles.
              Baudelaire, além de poeta e dos melhores críticos de arte de seu tempo, também desenhava e fez diversos autorretratos. Revelou-se um grande retratista dele mesmo, com seus desenhos na maioria traçados com caneta-tinteiro. Ele tinha mania de escrever comentários ao lado dos desenhos, do tipo: “Esse aqui é feito com elegância, mas bom para dar boas risadas... A pose é boa. Sempre com muitas hachuras. Obter o efeito de sombreamento com o mínimo de hachuras bem colocadas.”

Autorretrato, Baudelaire

                Mas ele adorava mesmo era a pintura e os pintores. Frequentava os ateliês dos diversos amigos que tinha em Paris, como Courbet, Fantin-Latour, Moureau e especialmente o de Eugène Delacroix. Gustave Courbet, em sua famosa e enorme tela “O atelier do artista” retrata diversos amigos, incluindo o poeta Charles Baudelaire, que aparece no canto direito do quadro, sobre uma mesa lendo um livro.
                Mas era Delacroix o seu pintor preferido e o considerava o mais sugestivo de todos os pintores. Quando Eugène Delacroix morreu, Baudelaire ficou inconsolável: “Eu não o verei jamais, jamais, jamais, a ele que eu tanto amei e que se dignou me amar e com quem tanto aprendi”. Delacroix tinha dado aulas de pintura a Baudelaire. Com pincel ou com caneta, ele fez mais do que autorretratos, mas foi com a pena que ele trabalho os melhores retratos do seu tempo, do pensamento do seu tempo, do seu modo de ver um mundo que mudava profundamente.

Folha de rosto do livro As Flores do Mal
rabiscada pelos censores da época

               Em seu livro As Flores do Mal, destacamos este poema, intitulado Os Faróis, onde ele pinça alguns dos grandes mestres pintores e os inclui em sua verve densa, dolorosa, profunda, como todos os poemas do seu maior livro.
                Esse livro foi publicado em junho de 1857 e é considerado uma das mais importantes obras da poesia moderna. Todo estudante de literatura que se preze, passa por Baudelaire. Ele inovou a poesia não somente com uma nova estética da Beleza, mas com uma visão sobre a realidade que vai muito além das aparências. Amigo de Victor Hugo e Gustave Flaubert, Baudelaire não perdoava seu tempo, nem poupava palavras e nem escolhia as formas mais bonitas para descrever o que quisesse sobre a realidade a mais trivial que fosse.
                Por isso As Flores do Mal foram acusadas de ir contra a moral pública e religiosa. O livro foi recolhido, sob acusação de obscenidade e seu autor e editor condenados a pagar uma multa. Para ser reeditado, seis poemas foram suprimidos do original, condição imposta pela justiça.
               No poema "Os Faróis", que faz parte de As Flores do Mal,  Rubens, Da Vinci, Rembrandt, Michelangelo, Goya, Watteau e Delacroix são apresentados como uns dos grandes faróis do mundo da pintura, dentro da escolha de Charles Baudelaire. São esses os faróis que brilham acima do tempo e que continuarão eternamente sendo objeto de admiração, de estudo e de inspiração para todos os artistas.


Ao poema:

Os Faróis

Rubens, rio do olvido, jardim da preguiça,

Divã de carne tenra onde amar é proibido,

Mas onde a vida aflui e eternamente viça,

Como o ar no céu e o mar dentro contido;

Da Vinci, espelho tão sombrio quão profundo,

Onde os anjos cândidos, sorrindo com carinho

Submersos em mistério, irradiam-se ao fundo

Dos gelos e pinhais que lhes selam o ninho;

Rembrandt, triste hospital repleto de lamentos,

Por um só crucifixo imenso decorado,

Onde a oração é um pranto em meio aos excrementos,

E por um sol de inverno súbito cruzado;

Michelangelo, espaço ambíguo em que vagueiam

Cristos e Hércules, e onde se erguem dos ossários

Fantasmas colossais que à tíbia luz se arqueiam

E cujos dedos hirtos rasgam seus sudários;

Impudências de fauno, iras de boxeador,

Tu que de graças aureolaste os desgraçados,

Coração orgulhoso, homem fraco e sem cor,

Puget, imperador soturno dos forçados;

Watteau, um carnaval de corações ilustres,

Quais borboletas a pulsar por entre os lírios,

Cenários leves inflamados pelos lustres

Que à insânia incitam este baile de delírios;

Goya, lúgubre sonho de obscuras vertigens,

De fetos cuja carne cresta nos sabás,

De velhas ao espelho e seminuas virgens,

Que a meia ajustam e seduzem Satanás;

Delacroix, lago onde anjos maus banham-se em sangue,

Na orla de um bosque cujas cores não se apagam

E onde estranhas fanfarras, sob um céu exangue,

Como um sopro de Weber entre os ramos vagam;

Eugène Delacroix, autorretrato

Essas blasfêmias e lamentos indistintos,

Esses Te Deum, essas desgraças, esses ais

São como um eco a percorrer mil labirintos,

E um ópio sacrossanto aos corações mortais!

É um grito expresso por milhões de sentinelas,

Uma ordem dada por milhões de porta-vozes;

É um farol a clarear milhões de cidadelas,

Um caçador a uivar entre animais ferozes!

Sem dúvida, Senhor, jamais o homem vos dera

Testemunho melhor de sua dignidade

Do que esse atroz soluço que erra de era em era

E vem morrer aos pés de vossa eternidade!

Livro: As Flores do Mal

Charles Baudelaire

Tradução de Ivan Junqueira

Editora Nova Fronteira

Rio de Janeiro

1985

José de Ribera, caravaggesco

São Pedro libertado por um anjo, óleo sobre tela, 1639, 177 x 232 cm, Museu do Prado, Madri, Espanha

Dentro da programação anunciada pela Casa Fiat de Cultura, a exposição "Caravaggio e os caravaggescos" trará também o pintor barroco espanhol José de Ribera. Pertencente à escola do mestre italiano, nasceu na Espanha, onde é considerado o iniciador do movimento realista naquele país. Como os outros pintores que seguiram o mesmo método, Ribera também se caracteriza por uma pintura onde a forma emerge da sombra profunda através do toque da luz.

O estilo de Caravaggio (1571-1610), como se sabe, influenciou artistas em todos os séculos que vieram a seguir. Começando pelos seus seguidores italianos, sua forma de pintar dita “tenebrista” que dirigia seu foco de estudo pictórico para a realidade sobre a qual a luz incidia, influenciou Velázquez, Zurbarán, Fantin-Latour, Rembrandt, Delacroix e até mesmo Manet (só para citar alguns dos grandes), e foi o germe da escola realista que surgiria na França de Gustave Courbet, no século XIX.

Tato, pintura da série "Sentidos" 

Há, nesse modo de ver e pintar o mundo, inovações verdadeiramente revolucionárias para o período de Caravaggio, o que o transformou num verdadeiro paradigma para a Arte. Roberto Longhi, um teórico italiano estudioso da obra do mestre, em seu livro Breve mas verídica história da pintura italiana, falando a respeito do método luminista de Caravaggio afirma:

“Entendam: não se trata mais de planos perspectivos, mas de planos de luz atuando em corpos que vivem em matéria pictórica afinada em tonalidades baixas, quase chegando ao branco e ao preto”.

E mais à frente completa:

“... para permitir à luz todas as suas possibilidades estruturais sobre os objetos rudes e ásperos das mesas toscas e simples, dos livros sólidos, das caveiras que brotam da luz da mesma forma que a calvície contraposta dos eremitas [...].”

Foi esse o método seguido pelo espanhol Ribera.

BIOGRAFIA - José de Ribera nasceu em 1591, no pequeno povoado Játiva, na região de Valencia. Seus pais, Simón Ribera e Margarita Cuco, eram de origem humilde. Seu pai era sapateiro, e ficou viúvo quando o pequeno José tinha apenas 6 anos. Sendo filho de um artesão, Ribera começou sua formação em casa, mas, mostrando aptidão para o desenho, foi enviado para Valencia para se aperfeiçoar com algum mestre de renome. Seus biógrafos levantam a hipótese de ele ter estudado com Francisco Ribalta, que também é considerado tenebrista (pintores que, como Caravaggio, usavam grandes contrastes de sombra e luz em suas telas). Ribalta tinha sido influenciado por pintores italianos que haviam ido à Espanha para atender a demandas de autoridades locais. É bom lembrar que a Itália, como país unificado, ainda não existia e a Espanha dominava várias regiões da Europa, como os Países Baixos e a região sul de onde é hoje a Itália.

Arquimedes, óleo sobre tela, 1630, 125 x 81 cn, Museu do Prado, Madri, Espanha

Mas Ribera queria ir para Nápoles, onde o prestígio de Caravaggio já era muito grande. Entretanto, passou primeiro por Parma e Roma. Ele tinha apenas 20 anos de idade quando recebeu um pedido para pintar um quadro para uma das igrejas de Parma. Porém as informações sobre sua vida são esparsas e nada se sabe com muita certeza. Diz-se que ele teria passado por Roma, junto com seu irmão mais novo, Juan, e com dois outros pintores espanhóis como ele. Lá, moraram na Vía Margutta, rua habitada praticamente só por pintores.

Roberto Longhi diz que Ribera, nessa estadia em Roma, teria pintado a série intitulada “Cinco sentidos”, já dentro do estilo realista que vigorava na capital romana. Mas teria também sido influenciado por artistas flamengos, que também moravam na Vía Margutta, com quem Ribera tinha relações de amizade.

A partir de maio de 1613 ele entrou para a Academia de São Lucas, que gozava de bastante prestígio naquele tempo. Ribera recebia muitas encomendas, mas levava uma vida boêmia junto aos outros artistas de Roma e, tendo se endividado em demasia, mudou-se para Nápoles. Na nova cidade, aproveitou cada oportunidade surgida e foi estudar no atelier do caravaggista Gian Bernardo Azzolino. Conta-se que um dia José de Ribera estava desenhando na rua, quando seu mestre Azzolino viu e, impressionado com o discípulo, lhe fez um desafio: pintar uma cabeça a partir de um modelo vivo. Ribera executou o desenho de forma tão perfeita que Azzolino resolveu lhe oferecer a filha como esposa, com quem o pintor espanhol se casou em novembro de 1616.

O casal José de Ribera e Caterina Azzolino teve 5 filhos. Logo após o casamento, “O espanholito” – como ele era chamado na Itália, por causa da sua baixa altura – abriu um ateliê que logo passou a ser uma referência em Nápoles. Logo vieram as encomendas, inclusive da Espanha. Ribera tinha como clientes tanto os nobees espanhóis como os italianos, incluindo algumas igrejas. Foi nomeado Pintor da Corte. E seguia pintando como um caravaggesco.

Penitência de São Pedro, óleo sobre tela,
Museu Hermitage, São Petersburgo, Rússia

Seu ateliê logo se tornou um dos mais prestigiosos ateliês napolitanos, atraindo artistas que o ajudavam em suas encomendas, como um pintor chamado Lucas Jordão, conhecido como "Luca fa presto" por causa da rapidez com que trabalhava e pela facilidade para imitar seu mestre. Ribera mantinha um ritmo diário de seis horas de trabalho no ateliê, sempre pela manhã. Ele conseguiu, nesse período, viver luxuosamente com sua família. A década de 1630 foi muito frutífera para Ribera, trabalhando em importantes encomendas, como as séries dos filósofos, dos apóstolos, além de outras pinturas.

Entre 1633 e 1634, o conde de Monterrey, na Salamanca espanhola, encomendou a Ribera uma obra que foi fundamental para a sua evolução pictórica: uma série de obras para a igreja de um convento de freiras de Monterrey, entre as quais se destaca a Imaculada Conceição. Nessa tela imensa, pode ser apreciada a influência sobre ele também dos irmãos Carracci. A partir de então, Ribera entra em uma nova fase em sua pintura, que toma um colorido mais vivo e uma luminosidade mais difusa, que recordam a escola veneziana. Vale lembrar que a Escola Veneziana dava mais valor à arte pictórica, e são representantes dela nada mais nada menos do que nomes como Tiziano, Tintoretto, Veronese e Canaletto, entre outros.

Ribera trabalhou intensamente, mas foi acometido de uma enfermidade que o obrigou a abandonar temporariamente os pincéis. Em 1647 estala uma revolta anti-espanhola em Nápoles, que vivia sob domínio da Espanha. Foi um movimento popular contra a fome, a miséria e os impostos numerosos que as famílias pobres eram obrigadas a pagar. O líder da revolta foi o pescador Masaniello, que contou inicialmente com o apoio das classes mais abastadas. Mas estas logo abandonaram o apoio ao povo, temendo perder suas próprias regalias, se o movimento se radicalizasse. Para sufocar o movimento, a Espanha enviou um exército que reprimiu duramente os rebeldes.

Por tudo isso, os últimos anos de vida de José de Ribera foram difíceis, marcados pela doença e por penúria econômica, obrigando-o a pedir constantemente dinheiro adiantado a seus clientes. Com a saúde cada vez mais frágil, José de Ribera morreu no dia 3 de setembro de 1652, segundo consta no "Libri dei Difunti della Parrochia di Santa Maria della Neve".

Estudo de duas orelhas e morcego. Abaixo do morcego, escrito em latim: FULGET SEMPER VIRTUS
(o virtuoso brilha para sempre), pastel vermelho e pincel sobre papel bege, 15.9 x 27.9 cm

--------------------------------------

POSTS SOBRE CARAVAGGIO E OS CARAVAGGESCOS:

- Caravaggio, arte e rebeldia

- Caravaggio vem aí!

- Caravaggio e seus seguidores

- Exposição de Caravaggio em Minas Gerais

- Exposição de Caravaggio no Masp

- A sombra de Caravaggio

- Artemisia Gentileschi, caravaggesca

- José de Ribera, caravaggesco

- Hendrick van Somer, caravaggesco da escola de Ribera

- Valentin de Boulogne, o "Inamorato"

Artemisia Gentileschi, caravaggesca

Artemisia Gentileschi: Giaele e Sisara, 1620 - Museu de Belas Artes de Budapeste, Hungria

A Casa Fiat de Cultura de Belo Horizonte, Minas Gerais, informou que a exposição “Caravaggio e os Caravaggescos” estreia no dia 15 de maio próximo, naquele centro cultural. A data para a inauguração da exposição em São Paulo, no MASP, está prevista para 25 de julho. Esta exposição, segundo foi informado, trará sete pinturas de Caravaggio e cerca de 40 pinturas de artistas caravaggescos (seus seguidores). Entre eles, uma mulher: Artemisia Gentileschi.

Artemisia Gentileschi: Auto-retrato em
Alegoria da Pintura, 1638-39 - Coleção Real,
Palácio de Windsor, Inglaterra

Artemisia Lomi Gentileschi é uma pintora do período Barroco italiano, uma das únicas mulheres artistas conhecidas desse período. Ela teria nascido em Roma no dia 8 de julho de 1593 e falecido em Nápoles, com sessenta anos de idade. Ela era seguidora da escola de Caravaggio (1571-1610), por isso considerada caravaggesca.

Artemisia era a filha mais velha do pintor toscano Orazio Gentileschi, ele mesmo um caravaggesco. No atelier de seu pai, Artemisia foi se destacando dos irmãos pelo talento para a pintura, e tinha facilidade especialmente em misturar a palheta de cores de uma forma que dava brilho às pinturas. Desde cedo, ela aprendeu a desenhar sob a orientação paterna, demonstrando um talento precoce que foi bastante estimulado pelo ambiente artístico que girava em torno de sua casa, frequentada por outros artistas, amigos e colegas de seu pai. 

Em Roma havia uma grande concentração de artistas e Artemisia cresceu em um bairro habitado por muitos deles, além de artesãos. A cidade de Roma vivia em plena efervescência cultural e a igreja católica atraía muitos artistas para lá, vindos de todos os lugares. Então para ela, seu ambiente natural era a arte. Caravaggio trabalhava na Basílica de Santa Maria do Povo e em outras igrejas trabalhavam artistas como Guido Reni e Domenichino, além dos irmãos Carracci que pintavam seus afrescos na Galeria Farnese. 

Seu pai, Orazio, já pintava segundo o estilo de Caravaggio, com quem tinha mantido contatos. Nada mais natural que a jovem Artemisia recebesse também as influências do mestre do Barroco. Provavelmente ela teria conhecido pessoalmente Caravaggio, pois este costumava ir pedir emprestado as ferramentas de trabalho de Orazio. 

Artemisia Gentileschi: A conversão de Madalena,
óleo sobre tela, cerca de 1616 - Coleção do Pallazo Pitti,
Florença, Itália

Mas a maior influência dela foi mesmo a pintura de seu pai, com quem ela aprendeu desde a mais tenra infância. Naquele período em que a discriminação contra as mulheres era imensa, somente foi possível a Artemisia a aprendizagem e a prática das belas artes, por causa do apoio do seu próprio pai. Naquela época, e por muitos séculos, as mulheres não tinham acesso a muitos ramos da atividade econômica e social. Seu papel era basicamente de procriadoras e trabalhadoras domésticas. O trabalho feminino não era reconhecido como tal, mesmo quando tinha que sustentar sua própria família.

Por isso, quando estudamos a história da arte, uma curiosidade, no mínimo estranha, salta aos nossos olhos: por que tantos homens se destacaram nas artes (em todos os ramos) enquanto encontramos raríssimas mulheres em destaque? As razões são sempre essas: às mulheres sempre era impedido o acesso às atividades mais amplas da vida humana, e a elas era restrito o papel menor da sociedade. Vale lembrar que, até muito recentemente, o preconceito contra a educação das mulheres era tanto, que impedia até mesmo que estudantes de arte do sexo feminino participassem de sessões de estudos de modelo vivo (a artista Edíria Carneiro, na década de 1930, participava de sessões de modelo vivo aqui no Brasil, ocultando seus desenhos de nus das vistas da família).

Artemisia Gentileschi:
Suzana e os velhos, 1610

A primeira pintura atribuída a Artemisia, data de quando ela tinha apenas 17 anos de idade (Susana e os Velhos, 1610 ). Seu pai, Orazio Gentileschi, impressionado com a qualidade da pintura da filha e sabendo dos impedimentos que haviam para a educação das mulheres nas artes, resolveu escrever uma carta à Grã-Duquesa da Toscana Christina de Lorena, no dia 6 de julho 1612, intercedendo pela filha, pedindo que ela pudesse ser autorizada a aperfeiçoar sua educação artística. Orazio dizia, entre outras coisas, que Artemisia havia atingido a habilidade e maturidade de artistas experientes.

Mas uma tragédia se abate sobre a jovem artista: um dos amigos de seu pai, Agostino Tassi, o mestre da perspectiva, a quem ele teria pedido que ajudasse na formação dela, estuprou-a. No julgamento, não bastasse toda a humilhação que foi descarregada sobre ela, tanto pelo réu, quanto pelos julgadores, Artemisia ainda foi torturada para narrar a cena do estupro e contar a verdade.

Depois disso, era impossível para ela continuar em Roma. Humilhada pelas regras sociais e católicas que tratavam mulheres violentadas como se fossem prostitutas, Artemisia foi para Florença. Após a conclusão do julgamento, seu pai arranja-lhe um casamento de conveniência com Pierantonio Stiattesi, artista modesto de Florença, em cerimônia realizada no dia 29 de novembro de 1612.

Artemisia Gentileschi:
Suzana decapitando Holofernes,1620, 
Galleria degli Uffizi, Florença, Itália

Em Florença, ela teve quatro filhos. Prudenzia, a única filha que sobreviveu, acompanhou a mãe em seu retorno a Roma, tempos depois (1621). 

Lá em Florença, também uma cidade de efervescência das artes, ela pode se dedicar mais a seu aprendizado. E parte para sua pintura, dedicando-se a temas trágicos em que suas figuras femininas sempre aparecem como heroínas. Muitos dos que se dedicaram ao estudo de sua obra, entre eles o crítico italiano Roberto Longhi, atribuem ao estupro e esse processo humilhante que sofreu, os traços dramáticos que surgem em sua pintura, especialmente no quadro “Judith decapitando  Holofernes”. Suas pinturas exprimem frequentemente o ponto de vista feminino.

Seu alto nível pictórico foi logo reconhecido e ela foi a primeira mulher a entrar para a Academia de Artes de Florença. Artemísia logo se aproximou dos artistas mais respeitados da época, como Cristofano Allori. E soube batalhar para ganhar o favor e a proteção das pessoas influentes da época, começando com o grão-duque Cosimo de Medici, e mais especialmente, com a grã-duquesa-mãe Christina de Médici. Lembree-se que a Famiglia Medici de Florença foi muito importante para o desenvolvimento das artes, tornando-se patronos de vários grandes pintores e escultores italianos. Assim como de estudiosos como Galileu Galilei, que chegou a Florença em setembro de 1610, que Artemisia teria conhecido pessoalmente.

Mas Artemisia se separou do marido e voltou para Roma em 1621, lá estabelecendo-se de forma independente, cuidando sozinha de sua filha Prudenzia. Depois, mais tarde, ficou grávida e teve uma filha natural, provavelmente nascida em 1627. Artemisia tentou ensinar as filhas a pintar, mas sem muito êxito.

Artemisia provou ter o direito para viver como artista nessa Roma que era o local de atração e de passagem obrigatória para artistas de toda a Europa. Com sua exemplar determinação, e enfrentando todos os preconceitos da época, ela tornou-se membro da Academia dos Desiosi. Também inicia relações de amizade com Cassiano dal Pozzo, um colecionador de arte, humanista e mecenas.

Artemisia Gentileschi: Auto-retrato como Mártir, 1615,
coleção privada.

Mas apesar da sua reputação artística, de sua personalidade forte e de uma rede de boas relações, Artemisia sua estadia em Roma não lhe rendeu muitas encomendas. Por isso, entre 1627 e 1630, partiu para Veneza, com as duas filhas, em busca de melhores empregos, em Veneza. Em 1630 Artemisia foi para Nápoles, pensando que naquela próspera cidade, cheia de estaleiros e de entusiastas das artes plásticas, novas oportunidades de boas encomendas e de emprego se abririam. Foi com essa mesma intenção que também tinham vivido em Nápoles, diversos artistas, entre os quais Caravaggio, Annibale Carracci , Simon Vouet , o espanhol José de Ribera, entre outros.

Em Nápoles, casaram-se, com um bom dote, suas duas filhas. Ela tinha boas relações com o vice-rei Duque de Alacala, assim como com os principais artistas que lá viviam, especialmente com Massimo Stanzione, com quem ela teve uma imensa colaboração artística e desenvolveu uma amizade sólida. Naquela cidade, pela primeira vez ela foi convidada a pintar telas em uma catedral.

Em 1638, Artemisia foi encontrar seu pai em Londres, por um curto período. Orazio tornou-se pintor da corte de Carlos I, e a ele tinha sido confiada a decoração de um teto na Casa das Delícias, em Greenwich. Mas Orazio morreu repentinamente, na presença da filha, em 1639.

Artemisia voltou para Nápoles, onde morreu em 1653.

Artemisia Gentileschi: Judith e sua serva, 1612, Pallazo Pitti, Florença, Itália

-----------------------------------------------------------

Serviços

Casa Fiat de Cultura
Rua Jornalista Djalma Andrade, 1250 - Nova Lima MG
+55 31 3289.8900 | Fax +55 31 3289.8920
www.casafiatdecultura.com.br
De 15 maio a 15 julho de 2012
Terça a sexta das 10 às 21hs | sábados, domingos e feriados das 14 às 21hs

Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand – MASP
Av. Paulista, 1578 - São Paulo SP
+55 11 3251.5644 | Fax +55 11 3284.0574
masp.art.br
De 25 julho a 23 setembro de 2012
Terça a domingo das 11 às 18hs | quinta das 11 às 20hs
------------------------------------------------------------------

POSTS SOBRE CARAVAGGIO E OS CARAVAGGESCOS:

- Caravaggio, arte e rebeldia

- Caravaggio vem aí!

- Caravaggio e seus seguidores

- Exposição de Caravaggio em Minas Gerais

- Exposição de Caravaggio no Masp

- A sombra de Caravaggio

- Artemisia Gentileschi, caravaggesca

- José de Ribera, caravaggesco

- Hendrick van Somer, caravaggesco da escola de Ribera

- Valentin de Boulogne, o "Inamorato"

Vincent van Gogh, 159 anos de nascimento

Van Gogh: Noite estrelada

Vincent Willem van Gogh nasceu em 30 de março de 1853, há 159 anos, portanto. Nasceu em Groot-Zundert, Holanda. Ele é um dos pintores mais conhecidos do mundo e tem um Museu exclusivo para sua obra, em Amsterdam, capital da Holanda, que visitei em 2008.

Vincent van Gogh

Van Gogh pertencia a uma família da burguesia da cidade. Inicialmente, ele tentou fazer carreira como comerciante de arte. Mas logo desiste, porque se recusava a ver a arte como mercadoria. Tenta ser pastor, mas não passa nos exames de teologia.

Depois de 1880, resolveu voltar-se para a pintura e vai para a Bélgica primeiro, mas em seguida muda-se para a França. Até aquele momento, ele era autodidata, mas passa a frequentar aulas de pintura, além de enriquecer seu conhecimento sobre arte: analisa a obra dos pintores da época em visita a museus e galerias de arte, troca ideias com seus amigos artistas, estuda gravuras japonesas e inglesas.

Mas sua vida pessoal é cheia de crises, que revelam sua instabilidade mental. Numa dessas crises, com apenas 37 anos de idade, Van Gogh se suicida.

Ele deixou uma volumosa correspondência com mais de 800 cartas escritas à sua família e amigos, mas principalmente a Theo, seu irmão, seu permanente ponto de apoio, tanto na vida pessoal quanto na profissional.

A obra de Vincent Van Gogh é composta por mais de duas mil pinturas e desenhos que datam, principalmente, entre os anos de 1880 e 1890. Ele conviveu com muitos artistas, especialmente Anthon van Rappard, Emile Bernard e Paul Gauguin. Mas também admirava a obra de Jean-François Millet, de Rembrandt, de Frans Hals, de Eugene Delacroix, de Claude Monet, de Paul Cézanne, de Edgar Degas, de Paul Signac... Aquele era um período muitíssimo rico para a pintura, fértil de tantos nomes grandes da história da arte.

Em Paris, nos anos de 1886 a 1887, Van Gogh ia muito à Academia do pintor Cormon, onde conheceu Henri de Toulouse-Lautrec. Através de seu irmão, grande parte dos pintores impressionistas, especialmente Georges Seurat, Camille Pissarro e Paul Gauguin.

Em 20 de Fevereiro de 1888, mudou-se para Arles, interior da França. Nessa cidade, ele faz diversos estudos inspirado na luminosidade da Provence. Ele pintou paisagens, cenas do campo e retratos. Enviava seus quadros ao irmão Theo em Paris, que já havia inscrevido três dos primeiros quadros de Van Gogh na 4ª Exposição Anual da Sociedade dos Artistas Independentes.

Vincent e Gauguin viveram juntos, tentando criar uma espécie de comunidade de artistas, trocando experiências e pesquisas, o que era um dos sonhos de Van Gogh. Mas seu temperamento era muito difícil e a convivência entre ele e Gauguin começou  a ficar muito tensa. Em 23 de dezembro de 1888, depois de uma discussão violenta com o amigo, a quem ele teria atacado com uma navalha, Van Gogh corta a própria orelha esquerda. Gauguin foi embora.

As crises de Van Gogh eram frequentes e ele teria sido acusado de perturbar a ordem pública em Arles. Pediam a sua saída da cidade. Em 27 de fevereiro, o comissário de polícia conclui em seu relatório que Van Gogh poderia tornar-se perigoso para a segurança pública. Com novas crises nervosas, ele foi internado por ordem do prefeito no hospital em Arles.

Café de Paris

Em 8 de maio de 1889, ele deixou Arles, e se internou no hospício em Saint-Paul-de-Mausole, perto de Saint Remy de Provence. Ele ficou um ano internado.

Mesmo em meio a essas crises nervosas, e com a saúde frágil, Van Gogh foi muito produtivo. Somente não pintava quando estava tomado por seus acessos de loucura. Transformou seu asilo, uma sala no piso térreo do prédio do hospital, em seu atelier. E continuava a enviar suas pinturas para Theo. As pinturas deste período são em sua maioria redemoinhos e espirais, além de pintar também o que via de sua janela, por exemplo, a série das grandes pinturas de campos de trigo.

Sai do hospital, e vai visitar Theo em Paris, mas depois mudou-se para Auvers-sur-Oise, cidade a trinta quilômetros a noroeste de Paris. Era uma comunidade rural já conhecida por pintores paisagistas, especialmente os da Escola de Barbizon, e dos impressionistas.

Lá ele passou os últimos dias de sua vida, de 20 de maio de 29 de julho de 1890. O Dr. Gachet (que Van Gogh pintou) tinha se comprometido a tomar conta dele a pedido de Theo. Gachet era amigo de alguns pintores, sendo ele próprio um pintor amador.

Mas sua instabilidade mental retornou, e ele entrou em nova crise nervosa no final de julho de 1890. Em 27 de julho de 1890, em um campo onde pintou sua última tela, ele disparou uma arma contra o próprio peito, morrendo dois dias depois, com a idade de 37 anos. Seu irmão Theo morreu pouco tempo depois, em 25 de janeiro de 1891, com a idade de 34 anos.

Van Gogh deixou uma obra imensa e foi um dos artistas que mais influenciaram a pintura do modernismo do século XX.

Em dezembro de 2008 eu fui ao Museu Van Gogh, em Amsterdam. Para mim foi uma experiência muito marcante! Desde meus 14 anos de idade, eu tinha na parede do meu quarto uma cópia da pintura do quarto do artista e vê-la pessoalmente, ali à minha frente, foi uma das experiências mais emocionantes que vivi num museu! Também pude ver lá a evolução de sua carreira como artista, desde os primeiros tempos na Holanda e Bélgica, até chegar a Paris e a Arles.

Existem diversas pinturas dele que me fascinam, e algumas delas estão aqui neste post. Ele é um dos pintores mais conhecidos do mundo e com certeza muitas de suas obras fazem parte da história de vida de muitos de nós.

Os comedores de batata

De Chirico, o sentimento da arquitetura

Foi inaugurada ontem, 22 de março, no Museu de Arte de São Paulo – MASP – uma exposição com 122 obras do artista italiano Giorgio de Chirico, cedidas pela Fondazione Giorgio e Isa de Chirico. Essa exposição, como outras que estão ocorrendo no Brasil neste ano, faz parte do evento Ano da Itália no Brasil. A curadoria é de Maddalena d’Alfonso (crítica de arte e arquiteta italiana), que escolheu obras, em sua maioria, da última fase do artista, intitulada de neometafísica.


De Chirico viveu em várias cidades da Europa, assim como em Nova Iorque, EUA. O imaginário urbano e os efeitos da cidade moderna sobre o homem, são uma temática constante em suas pinturas. “A ‘vida silente’ que emana das obras nos dá a sensação não só do sonho, mas também da desolação, da incongruência, do aspecto enigmático do lugar representado”, afirma Maddalena D´Alfonso, a curadora desta exposição.


Para Teixeira Coelho, curador do MASP, “se Turner, Monet e Van Gogh foram nomes da expressão mais alta do século XIX que entrava numa era que parecia do encanto, De Chirico, Delvaux e Hopper são os profetas de uma nova idade, a do espanto. E não há nada de metafísico nisto; apenas a física mais dura, a realidade mais concreta. Terrível – ainda assim, cativante”. É o que ele diz no texto de apresentação da mostra, no site do MASP.


A exposição dá ênfase para a arquitetura, um dos motivos centrais da obra do artista, que dizia: “o sentimento da arquitetura é, provavelmente, um dos primeiros que os homens experimentaram. As moradias primitivas encravadas nas montanhas, reunidas no meio de pântanos, indubitavelmente originaram nos nossos antigos avós um sentimento confuso feito de mil outros e que desencadeou, no decorrer dos séculos, aquilo que nós chamamos sentimento da arquitetura”.


Biografia

Giorgio de Chirico nasceu em Volos, na Grécia, no dia 10 de julho de 1888, mas seus pais eram italianos. Seu pai, Evaristo, que era engenheiro ferroviário, morreu em 1905, causando uma dor profunda no menino, que ele expressou em sua criação plástica ao longo da vida. Com a morte do pai, Giorgio, sua mãe e seu irmão Andrea (músico, pintor e ensaísta, que adotou o nome artístico de Alberto Savinio) passaram uma curta temporada entre Veneza e Milão, mas logo mudaram-se para Munique, na Alemanha. Lá, na Academia de Belas Artes daquela cidade, ele continuou os estudos de arte que havia iniciado na Escola Politécnica de Atenas. 


Esses anos em que morou na Alemanha produziram uma grande transformação intelectual e espiritual no jovem Giorgio: conheceu a pintura simbolista de Max Klinger e Arnold Böcklin, ao mesmo tempo em que mergulhou na leitura dos livros dos filósofos Arthur Schopenhauer e Friedrich Nietzsche.


As pinturas de Klinger e Böcklin, que mostravam uma ambigüidade entre a realidade e o estado do sonho, assim como uma temática voltada para a existência solitária do indivíduo, que eram próximas das investigações de Sigmund Freud sobre o mundo onírico, atraíram a atenção de De Chirico.


No verão de 1909 voltou para a Itália, passando seis meses na cidade de Milão. No começo de 1910, foi para Florença, onde pintou o quadro "O enigma de uma tarde de outono", a primeira de suas obras da série "praça metafísica". Ele conta, sobre isso, que teve uma experiência decisiva, quase inexplicável, na Praça de Santa Cruz, em Florença. Ele explica, num texto de 1912, que naquele dia estava convalescendo de uma infecção intestinal, que lhe deixava num estado meio mórbido. Foi então que ele, olhando para a praça, viu, naquela “límpida tarde de outono” como se fosse a primeira vez, a praça e tudo o que nela havia, em especial a fachada da igreja de Santa Cruz e um monumento a Dante Alighieri. Fruto dessa experiência, pintou seu primeiro quadro metafísico.

O enigma de uma tarde de outono

No ano seguinte, De Chirico passou alguns dias em Turim, ainda na Itália, à caminho de Paris, e ficou impressionado com o que chamou de “aspecto metafísico de Turim", ao observar a arquitetura de suas arcadas e praças. 


Em sua Autobiografia, de 1945, escreveu que “O que Nietzsche de fato descobriu de novo é uma poesia estranha e funda, infinitamente misteriosa e solitária, que surge da atmosfera de uma tarde de outono, quando o tempo está claro e as sombras são maiores do que no verão. Pode-se viver esta experiência extraordinária nas cidades italianas e em algumas outras do Mediterrâneo, como Niza; mas a cidade italiana por excelência, para essa experiência, é Turim”.


Suas pinturas produzidas entre 1909 e 1914 são as mais conhecidas. Esse período é conhecido como "período metafísico" e as figuras de seus quadros evocam ambientes sombrios. Já nessa época, seus modelos eram paisagens urbanas inspiradas nas cidades mediterrâneas. Com o tempo, sua atenção foi se voltando para estudos de compartimentos cheios de objetos, muitos dos quais eram manequins.

Música de amor

Em 1911 vai para Paris.  Lá, ele realiza uma série de quadros, exatamente a série das praças italianas. Giorgio viveu em Paris até seu alistamento militar na Primeira Guerra Mundial, em março de 1915.


Muitos artistas das primeiras décadas do século XX reconhecem a influência, em suas obras, da pintura de De Chirico, como Max Ernst, René Magritte e Salvador Dali. Sua pintura metafísica é considerada um dos maiores antecedentes do movimento surrealista. Um dos exemplos seguidos depois pelos surrealistas era a representação de outras obras dentro da própria obra, que caracterizou bastante o surrealismo, e que já estava presente em De Chirico.


Essas obras baseadas na representação de espaços urbanos, onde predominam os elementos arquitetônicos e a projeção de sombras, quase não possuem presença humana. Dá a impressão de que o artista criava um espaço estranho, atemporal, calmo e silencioso. Inabitado.


A partir de 1914, De Chirico pinta os manequins sem rosto, sem olhos, compostos e pontilhados por estruturas de madeira, algumas vezes recortadas em formas geométricas. Mas o período propriamente “metafísico” de sua obra, termina em 1919. Esses manequins que povoam as pinturas dessa fase de De Chirico são as mais enigmáticas e mais emblemáticas do período "metafísico", embora eles estejam presentes em seu trabalho até o fim de sua vida.


Giorgio de Chirico morreu em 20 de novembro de 1978, em Roma, Itália.


Serviço:
DE CHIRICO: O SENTIMENTO DA ARQUITETURA 
De 22 de março até 20 de maio de 2012
MASP
Avenida Paulista, 1578
São Paulo - SP