Fase nova

Uma pausa é necessária, para reconstruir esta ideia de um blog sobre artes plásticas. 

Pois até a vida tem suas marés...

Desde o começo, temos trazido para aqui informações que consideramos importantes sobre o mundo das Belas-Artes que, de tão imenso, mal arranhamos a sua superfície.

Os assuntos são infinitos e, em alguns, a profundidade exige um mergulho maior, e texto mais extenso.

Mas hoje não se leem mais textos grandes.

Por isso, tentarei textos profundos, mesmo que curtos. Usando menos quantidades de imagens e mais análises. Curtas.

Seguimos!

500 mil acessos!

Este Blog Arte&Ofício acaba de alcançar

a marca de MEIO MILHÃO DE ACESSOS!

Obrigada a todos os leitores,

de inúmeras cidades do Brasil e de dezenas de outros países, que diariamente procuram neste Blog textos sobre as artes plásticas. Isto nos incentiva a cada vez mais manter e aumentar a qualidade dos nossos conteúdos, garantindo que aqui seja um local confiável para a pesquisa sobre arte. Muita gente tem se beneficiado com os conteúdos que disponibilizo aqui, desde estudantes de arte, pós-graduandos, professores, artistas e curiosos sobre o assunto.

Este Blog Arte&Ofício reafirma

sua posição em defesa das Belas Artes, ou seja, da arte que segue dentro do caminho aberto pelos grandes mestres da pintura. Defendemos a pintura figurativa, mesmo em meio ao modismo que ainda perdura de valorização da arte conceitual dita "contemporânea". E "líquida", para usar um termo de Zigmunt Bauman. E temporária, já que é arte de mercado.

A arte figurativa é a expressão individual do artista que existe em comunhão com os outros, que comunica algo ao outro. A arte figurativa une, reúne, é ampla, é compreensível, é bela. 

Seguiremos em busca de falar de mais artistas,

de mais avaliações sobre artes, de mais reflexões sobre o mundo da beleza que a arte propicia!

Mazé Leite

autora deste Blog

400 mil acessos!

Este Blog - que só fala de Arte! - acabou de alcançar a marca dos 400 mil acessos em 5 anos de existência!

Agradecemos a todos os nossos leitores, de todos os lugares do mundo, que vêm acompanhando os textos e artigos publicados neste blog, que tem o único objetivo de ajudar a expandir o conhecimento das pessoas sobre as artes plásticas. E ajudar a tornar o mundo mais belo...

Pessoas dos mais inimagináveis recantos da terra vêm acessando este blog: de Moçambique à Alemanha, do Vietnã à Sumatra, de Nova Zelândia ao Peru, passando por Portugal, Estados Unidos, França, Reino Unido, Argentina, Chile, México, Espanha, Itália... 

São inúmeras as cidades, pequenas e grandes, do Brasil e de mais de cinquenta países, que vem acessando este blog! Com a facilidade da tradução online que a internet permite, o que escrevo por aqui tem alguma repercussão em algum ser humano localizado nos cantos mais diversos do planeta - como Novgorod, na Rússia ou Mossoró, Rio Grande do Norte - que esteja fazendo alguma pesquisa sobre arte.

Tudo isso e todo o apoio que venho recebendo, de conhecidos e desconhecidos, são motivos de sobra para que eu continue publicando neste blog as minhas pesquisas pessoais, as minhas questões e reflexões sobre o assunto, o meu contato com este imenso e maravilhoso mundo da arte!

Obrigada a todos/as pelo acesso e confiança no meu trabalho!

Ateliê Contraponto, espaço de resistência

No dia 19 de março de 2014 foi inaugurado em São Paulo o Ateliê Contraponto de Arte Figurativa. Nove meses depois o resultado avaliado é muito positivo. O Ateliê Contraponto já deu os primeiros largos passos para conquistar seu espaço na arte paulistana, o que tende a crescer e transformar esse ateliê em um centro de referência artístico. O espaço é dirigido por mim, Mazé Leite, por Alexandre Greghi, Luiz Vilarinho e Marcia Agostini (artistas e professores). A localização é excelente, dentro de uma vilinha muito agradável entre a rua da Consolação e a Avenida Angélica, próximo do metrô Paulista e de fácil acesso por transporte público.

Em meio ao sistema fechado e exclusivista da chamada arte conceitual contemporânea, que ainda domina o mercado e é gerida por ele, ateliês de pintura figurativa, como o Contraponto, surgem como verdadeiros lugares de resistência. Resistência em nome da boa pintura, da manutenção da qualidade técnica, da prática permanente do desenho como espinha dorsal de uma boa obra; e mantendo-se na trilha demarcada pelos que fizeram as Belas Artes e que carinhosamente os chamamos de “os velhos mestres”.

Esse caminho, o das Belas Artes, tem pelo menos 700 anos se nos vincularmos ao pintor italiano Giotto di Bondone (1267-1337), o que primeiro ousou buscar a sombra e o volume numa pintura. Ou pode ser uma trilha aberta há 534 anos, se considerarmos que o também italiano Tiziano (1480-1576) foi quem começou a dar as primeiras pinceladas fora das linhas do desenho. Ticiano foi um dos pioneiros do estilo pictórico, rompendo os limites da linha, abrindo mão de descrever os detalhes do que via em prol do que era essencial aos olhos. Ou podemos nos vincular ao gênio espanhol de Diego Velázquez (1599-1660) cuja visão das massas de cores e valores abria mão da descrição, do detalhe, em prol da essência. Ou nos remeter a outro gênio, contemporâneo de Velázquez, o holandês Rembrandt van Rijn, o mestre da Luz. Ou simplesmente dizer que continuamos a fazer arte, porque há 25 mil anos atrás seres humanos como nós resolveram usar paredes de cavernas para se expressar pictoricamente. 

Ou seja, estamos muito bem acompanhados neste caminho da Beleza na arte da pintura! Essa companhia toda nos inspira, nos fortalece, nos movimenta.

Este ano, a galeria do Ateliê Contraponto realizou cinco exposições de trabalhos de mais de 60 artistas: a primeira exposição foi a de pinturas de Maurício Takiguthi, pintor realista, que inaugurou o espaço do Ateliê Contraponto; em seguida, 46 pessoas participaram da exposição coletiva em homenagem à uma modelo antiga e intitulada “Vera França Modelo Vivo”; após esta, foi a vez da artista Lise Forell expor mais de 20 obras pintadas ao longo de uma carreira de mais de 60 anos; em seguida, Edson Souza trouxe para o ateliê sua exposição de pinturas de paisagem urbana; para finalizar, Gonzalo Cárcamo e cerca de doze alunos expuseram suas aquarelas como resultado de um ano de trabalho. Em todos estes eventos, mais de 700 pessoas passaram pelo Ateliê Contraponto.

Mas o espaço também serve para a produção pessoal de seus artistas e também para as aulas de Desenho, Pintura a óleo, giz Pastel e Aquarela. Em nove meses de funcionamento, o Ateliê Contraponto encerra o ano com mais de 20 alunos.

Para 2015, o Ateliê Contraponto planeja intensificar ainda mais suas atividades: além das aulas e das exposições, promover workshops com artistas convidados (teóricos e práticos), ter com regularidade sessões com modelo vivo, intensificar os estudos sobre a arte figurativa e estreitar ainda mais os laços com outros artistas e outros ateliês, porque entendo que quanto mais gente, melhor para todos!

O meu sonho pessoal neste Ateliê é que ele seja um espaço coletivo, compartilhado, aglomerador de outros artistas. Um espaço de arte que não entre na prática mesquinha da disputa e da competição, mas que promova a colaboração. Praticar uma arte que vá além da mercadoria! Seguir na busca do Belo como fonte de inspiração e alento para todos! Sentir o prazer intelectual de romper nossos limites, ir além das formas, ultrapassar as bordas do mundo, buscar o que há mais lá dentro, no fundo... escondido dos olhos dos apressados…

Um Feliz 2015 para todos!

Passamos dos 300 mil acessos falando só de Arte!

O ofício da Arte II

O violino de Ingres, autor desconhecido, século XIX

Em maio de 1989 a editora Parsifal Ediciones, da Espanha, publicou pela primeira vez em língua espanhola o livro “El mensaje de Igor Strawinsky”, escrito por Théodore Stravinsky, filho do compositor russo.

Este livro me veio às mãos num momento em que o tema do ofício diário do artista tem surgido em conversas com o pintor Maurício Takiguthi, um dos maiores defensores do exercício diário do trabalho do pintor, do desenhista. Concordo completamente com ele: muitos mestres, de todas as áreas das artes, já apontaram que o resultado de seu trabalho - sua obra de arte - deve-se a infindáveis estudos, dias e anos a fio. Uma obra de arte não surge do dia para a noite.

Assim também encontrei neste livro do pintor Thédore Stravinsky - que fala sobre seu pai, o músico - um exemplo do artista dedicado a seu trabalho.

“A arte postula a comunhão, e compartilhar com os outros

o gozo que o artista mesmo experimenta

é para ele uma necessidade imperiosa.” 

(Igor Stravinsky)

Retrato de Igor Stravinsky, 1958
Litografia feita por Theodore Stravinsky

“A música parece a Stravinsky antes de tudo como ‘um elemento de comunhão com o próximo e com o Ser’". Assim começa o texto de Théodore, que discorre um pouco mais sobre a necessária comunicação entre o artista e o seu público. Um compositor, diz ele, tem suas aspirações próprias, suas alegrias, seus sofrimentos, suas feridas. Um artista de verdade sente necessidade natural da prática do seu ofício. Como exemplo, uma frase do próprio Stravinsky:

“Para mim, a composição é uma função diária à qual me sinto chamado a cumprir. Componho porque para isso sou feito e não poderia jamais me dispensar de fazê-lo.”

Igor refletia muito sobre a questão do “tempo”. Para ele a música “é o único campo em que o homem realiza o presente…” A música, diz ele, estabelece ordem nas coisas, “uma ordem entre o homem e o tempo”. E por isso, para ele o ato de compor era sinônimo de realizar essa ordem. Mas de um tipo de ordem que nada tem em comum com “nossas sensações correntes”, pois se trata de ir a fundo na essência das coisas para arrancar dela um contraponto que possa interromper a sequência das “coisas correntes” e nos levar a um estado de espírito onde o tempo é outro, de outra natureza.

Para mim, hoje esta questão do tempo é dos temas que mais têm me tocado e que está indissoluvelmente ligado ao tema do ofício. Vivemos alucinados, na correria do cotidiano, das mil coisas a fazer. Vivemos num tempo em que o passado não conta e o futuro não existe. Já vivemos - até bem pouco tempo atrás, uns 20 anos - pensando que o futuro ia ser bom, pois nossa tradição era fértil. Os movimentos pós-modernos neoliberais nos trouxeram a este estado em que parecemos viver sempre no presente, agarrados a ele como bote salva-vidas. Mas não nos trouxe a um mergulho no “eterno presente”, no sentido não-linear da nossa noção de evolução da história, mas ao pragmatismo esquizofrênico do “fazer” coisas o tempo inteiro.

Como a arte pode trazer de volta essa “ordem entre o homem e as coisas”, de que fala Stravinsky? 

O artista precisa necessariamente - diz Théodore - experimentar ele mesmo esse contato com a essência do mundo, e do tempo. E mostrar que o que é acessório é completamente descartável quando se tem o essencial. Mas observa que esta tomada de consciência foi se elaborando em Stravinsky de forma progressiva, “como o germe de uma semente”. Para chegar a um tal estado, “Stravinsky necessitou de toda uma vida de trabalho, de experiências, de reflexões.” Numa atitude fundamental “constante”, atesta o filho do compositor russo.

Neste ponto ele propõe uma reflexão sobre forma e conteúdo:

Partitura da composição
"Pássaro de Fogo" de Stravinsky

No campo da arte “que me importam as coisas belas que quereis dizer-me (e que são espírito) se tu não encontrastes a forma adequada que possam ser assimiladas (forma que é matéria)? A imagem do homem, seu autor, toda obra de arte é ao mesmo tempo espírito e matéria, indissoluvelmente unidos em uma única entidade. Tropeçamos aqui com a eterna questão: a forma e o conteúdo. Não há forma viva sem conteúdo autêntico, e tampouco há conteúdo autêntico sem forma adequada. É uma exigência simples da nossa natureza.”

Mais à frente Theodore Stravinsky discorre sobre a atividade criado, dizendo que ela é feita sob dois signos distintos, que ele chama de “ontológicos” e “éticos”.

Nos artistas que baseiam sua atividade criadora dentro do signo da ontologia (parte da filosofia que estuda a natureza do ser, a existência, a realidade), estes concentram seus esforços na “obra a realizar”. É essa obra que vai ditar suas exigências e todos os passos que seu autor precisa dar para poder alcançá-la. E pergunta: como conceber uma obra a realizar se não for sob determinada forma? Por isso, buscar a perfeição da forma é a preocupação principal e constante dessa “família” de artistas. E completa que esses artistas fazem isso porque

“sabem muito bem que somente sob esta condição é que sua obra terá aquela completa autonomia que querem conferir-lhe.”

Quanto aos que seguem o signo da “ética” (no sentido dos valores morais, de caráter pessoal) começam seu trabalho interrogando ao seu eu, a “cujas exigências tratarão de conformar a obra a realizar.” Esse “eu” é o que rege tudo e a ele tudo deve obedecer. O critério de “sinceridade” passa a ser dominante. A obra de arte gerada aí não tem autonomia, porque se encontra marcada “com o selo do seu autor” ou como “expressão daquilo que ocorre em seu foro interno e desejada como tal pelo artista”. Os artistas desta categoria se incluem dentro daqueles que buscam o “conteúdo espiritual” de suas obras. Mas, continua Théodore, esse conteúdo “é algo muito mais profundo e somente a forma, quando alcançou sua perfeição, tem a virtude de nos fazê-la sensível; é somente ela a que, expressando-se substancialmente, nos revela ao mesmo tempo o eu profundo em que ambos - forma e conteúdo - encontraram seu nascimento simultaneamente. Quando conseguem realizar uma obra válida, uma obra-mestra têm que admitir que inconscientemente, e apesar deles mesmos, esses artistas trabalharam, na realidade, como os anteriores.”

E conclui dizendo: toda obra perfeita, seja qual seja sua etiqueta, pode ser considerada clássica. E que Stravinsky pertence, sem sombra de dúvidas à primeira categoria, pois “seu sentido ontológico da obra, seu gosto artesanal pelo ofício se desenvolvem e se comprovam nele com o passar dos anos, na medida em que vai tomando consciência de si mesmo, de sua vocação própria”.

Para Stravinsky, a inspiração se identifica com “aquela atração irresistível que experimenta pensando no objeto a realizar, no problema concreto que se propõe a resolver”.

Igor Stravinsky

Théodore exemplifica o gosto inato de seu pai pelo seu ofício e pela “obra bem feita”, mostrando um pouco como era sua sala de trabalho. “O aposento em que trabalha não tem nada a ver com o espaço de um intelectual, mas é uma verdadeira oficina; sua mesa, uma bancada. Tintas e lápis de diferentes cores aparecem junto a borrachas flexíveis ou duras, penas de todo tipo e calibre, raspadores grandes e pequenos, traçadores, réguas, papeis secantes e potes de cola”. E isso sempre chamou a atenção de todos os que se acercaram dele. O mesmo amor que ele tinha por seu ofício, diz Théodore, ele tinha pelas coisas.

Sempre se diz que uma obra de arte é reflexo em maior ou menor grau de seu autor. E isto também vale, na opinião de Théodore, para as outras artes: pintura, escultura, poesia. E opina, também como artista plástico que era: “sob pena de ir parar num esoterismo mais ou menos declarado, ou no puramente decorativo” a pintura e a escultura “deve salvaguardar (pelo menos em certa medida), seu caráter figurativo. Só ele permite realizar aquela ‘comunhão com o próximo’ que é - como vimos no caso de Stravinsky - o mais íntimo desejo de todo artista autêntico”.

O mesmo se passa com a poesia, diz ele. “É pelo sentido inteligível, racional das palavras e das frases que se estabelece a comunhão entre o poeta e o leitor; é por esse canal necessário, mas que não deixa de ser bastante diverso, que se transmite sua verdadeira mensagem poética.”

E continua: “A música, sendo como toda arte uma linguagem, expressa necessariamente algo; da mesma maneira que uma linguagem, uma arte inexpressiva é inconcebível”. Mas para que não se confundam os que contra-argumentam mostrando que o debate forma-conteúdo é morto, a obra de arte, seja ela música, poesia ou pintura expressa “algo essencialmente inefável”. Os longos textos que se escrevem para “explicar” determinadas obras jamais poderão suprir a falta de sentido e de qualidade estética, seja musical, poético, imagético. 

Concluindo esse primeiro capítulo do livro, entre os escolhidos para comentar aqui, transcrevo a frase de André Gide, que Theodore Stravinsky colocou como abertura do capítulo de que trata da evolução do músico:

“Foi retendo e restaurando a tradição quando esta se estava extraviando, que Poussin pode parecer a Delacroix saudavelmente revolucionário”.

(Nicolas Poussin foi um pintor francês que morreu em Roma em 1665 e sempre foi um ferrenho defensor do classicismo na pintura. Do outro lado, Eugène Delacroix, outro pintor francês que viveu no século XIX, foi um dos maiores artistas do movimento romântico e realista.)

200 mil acessos

Hoje - 24 de junho - este BLOG QUE FALA DE ARTE acabou de marcar os 200 mil acessos! Este é um espaço dedicado às Artes Plásticas, à História da Arte e às minhas visões pessoais sobre o assunto. Este blog tem sido útil em diversas escolas e faculdades de artes, auxiliando estudantes em suas pesquisas. Continuaremos com nosso trabalho teórico postando textos aqui neste blog, somente que de forma um pouco mais lenta, uma vez que a autora resolveu privilegiar agora seus horários mais livres à pintura do que ao estudo teórico. No entanto, sempre traremos as novidades do mundo das artes plásticas e, sempre que possível, nossas opiniões a respeito do mundo.

Muito obrigada às centenas de pessoas de todos os lugares do Brasil e de muitos outros países que acessam este BLOG QUE FALA DE ARTE frequentemente!

Exercícios de desenho gestual

Hoje de manhã, no ateliê de Maurício Takiguthi, fiz estes exercícios de desenho gestual com carvão e lápis-carvão. A ideia é captar o essencial da figura, com marcação dos valores e leitura dos movimentos.

Para os três primeiros desenhos, usei como referência três pinturas do artista barroco alemão Christian Seybold, que nasceu em 19 de março de 1695 e morreu em Viena em 1768. O quarto desenho foi baseado numa fotografia do artista russo Aleksandr Rodtchenko, nascido em 1891, que participou do movimento artístico conhecido como Vanguarda Russa.

Desenho gestual com base numa pintura de Christian Seybold

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Desenho de gestual com base numa pintura de Christian Seybold

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Desenho de gestual com base numa pintura de Christian Seybold

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Desenho de gestual com base numa fotografia de Aleksandr Rodchenko

De Chirico, o sentimento da arquitetura

Foi inaugurada ontem, 22 de março, no Museu de Arte de São Paulo – MASP – uma exposição com 122 obras do artista italiano Giorgio de Chirico, cedidas pela Fondazione Giorgio e Isa de Chirico. Essa exposição, como outras que estão ocorrendo no Brasil neste ano, faz parte do evento Ano da Itália no Brasil. A curadoria é de Maddalena d’Alfonso (crítica de arte e arquiteta italiana), que escolheu obras, em sua maioria, da última fase do artista, intitulada de neometafísica.


De Chirico viveu em várias cidades da Europa, assim como em Nova Iorque, EUA. O imaginário urbano e os efeitos da cidade moderna sobre o homem, são uma temática constante em suas pinturas. “A ‘vida silente’ que emana das obras nos dá a sensação não só do sonho, mas também da desolação, da incongruência, do aspecto enigmático do lugar representado”, afirma Maddalena D´Alfonso, a curadora desta exposição.


Para Teixeira Coelho, curador do MASP, “se Turner, Monet e Van Gogh foram nomes da expressão mais alta do século XIX que entrava numa era que parecia do encanto, De Chirico, Delvaux e Hopper são os profetas de uma nova idade, a do espanto. E não há nada de metafísico nisto; apenas a física mais dura, a realidade mais concreta. Terrível – ainda assim, cativante”. É o que ele diz no texto de apresentação da mostra, no site do MASP.


A exposição dá ênfase para a arquitetura, um dos motivos centrais da obra do artista, que dizia: “o sentimento da arquitetura é, provavelmente, um dos primeiros que os homens experimentaram. As moradias primitivas encravadas nas montanhas, reunidas no meio de pântanos, indubitavelmente originaram nos nossos antigos avós um sentimento confuso feito de mil outros e que desencadeou, no decorrer dos séculos, aquilo que nós chamamos sentimento da arquitetura”.


Biografia

Giorgio de Chirico nasceu em Volos, na Grécia, no dia 10 de julho de 1888, mas seus pais eram italianos. Seu pai, Evaristo, que era engenheiro ferroviário, morreu em 1905, causando uma dor profunda no menino, que ele expressou em sua criação plástica ao longo da vida. Com a morte do pai, Giorgio, sua mãe e seu irmão Andrea (músico, pintor e ensaísta, que adotou o nome artístico de Alberto Savinio) passaram uma curta temporada entre Veneza e Milão, mas logo mudaram-se para Munique, na Alemanha. Lá, na Academia de Belas Artes daquela cidade, ele continuou os estudos de arte que havia iniciado na Escola Politécnica de Atenas. 


Esses anos em que morou na Alemanha produziram uma grande transformação intelectual e espiritual no jovem Giorgio: conheceu a pintura simbolista de Max Klinger e Arnold Böcklin, ao mesmo tempo em que mergulhou na leitura dos livros dos filósofos Arthur Schopenhauer e Friedrich Nietzsche.


As pinturas de Klinger e Böcklin, que mostravam uma ambigüidade entre a realidade e o estado do sonho, assim como uma temática voltada para a existência solitária do indivíduo, que eram próximas das investigações de Sigmund Freud sobre o mundo onírico, atraíram a atenção de De Chirico.


No verão de 1909 voltou para a Itália, passando seis meses na cidade de Milão. No começo de 1910, foi para Florença, onde pintou o quadro "O enigma de uma tarde de outono", a primeira de suas obras da série "praça metafísica". Ele conta, sobre isso, que teve uma experiência decisiva, quase inexplicável, na Praça de Santa Cruz, em Florença. Ele explica, num texto de 1912, que naquele dia estava convalescendo de uma infecção intestinal, que lhe deixava num estado meio mórbido. Foi então que ele, olhando para a praça, viu, naquela “límpida tarde de outono” como se fosse a primeira vez, a praça e tudo o que nela havia, em especial a fachada da igreja de Santa Cruz e um monumento a Dante Alighieri. Fruto dessa experiência, pintou seu primeiro quadro metafísico.

O enigma de uma tarde de outono

No ano seguinte, De Chirico passou alguns dias em Turim, ainda na Itália, à caminho de Paris, e ficou impressionado com o que chamou de “aspecto metafísico de Turim", ao observar a arquitetura de suas arcadas e praças. 


Em sua Autobiografia, de 1945, escreveu que “O que Nietzsche de fato descobriu de novo é uma poesia estranha e funda, infinitamente misteriosa e solitária, que surge da atmosfera de uma tarde de outono, quando o tempo está claro e as sombras são maiores do que no verão. Pode-se viver esta experiência extraordinária nas cidades italianas e em algumas outras do Mediterrâneo, como Niza; mas a cidade italiana por excelência, para essa experiência, é Turim”.


Suas pinturas produzidas entre 1909 e 1914 são as mais conhecidas. Esse período é conhecido como "período metafísico" e as figuras de seus quadros evocam ambientes sombrios. Já nessa época, seus modelos eram paisagens urbanas inspiradas nas cidades mediterrâneas. Com o tempo, sua atenção foi se voltando para estudos de compartimentos cheios de objetos, muitos dos quais eram manequins.

Música de amor

Em 1911 vai para Paris.  Lá, ele realiza uma série de quadros, exatamente a série das praças italianas. Giorgio viveu em Paris até seu alistamento militar na Primeira Guerra Mundial, em março de 1915.


Muitos artistas das primeiras décadas do século XX reconhecem a influência, em suas obras, da pintura de De Chirico, como Max Ernst, René Magritte e Salvador Dali. Sua pintura metafísica é considerada um dos maiores antecedentes do movimento surrealista. Um dos exemplos seguidos depois pelos surrealistas era a representação de outras obras dentro da própria obra, que caracterizou bastante o surrealismo, e que já estava presente em De Chirico.


Essas obras baseadas na representação de espaços urbanos, onde predominam os elementos arquitetônicos e a projeção de sombras, quase não possuem presença humana. Dá a impressão de que o artista criava um espaço estranho, atemporal, calmo e silencioso. Inabitado.


A partir de 1914, De Chirico pinta os manequins sem rosto, sem olhos, compostos e pontilhados por estruturas de madeira, algumas vezes recortadas em formas geométricas. Mas o período propriamente “metafísico” de sua obra, termina em 1919. Esses manequins que povoam as pinturas dessa fase de De Chirico são as mais enigmáticas e mais emblemáticas do período "metafísico", embora eles estejam presentes em seu trabalho até o fim de sua vida.


Giorgio de Chirico morreu em 20 de novembro de 1978, em Roma, Itália.


Serviço:
DE CHIRICO: O SENTIMENTO DA ARQUITETURA 
De 22 de março até 20 de maio de 2012
MASP
Avenida Paulista, 1578
São Paulo - SP

Alberto Giacometti e suas figuras esmagadas

O cão

A Fundação Alberto e Annette Giacometti traz pela primeira vez ao Brasil, a primeira grande retrospectiva dedicada à obra do artista suiço Alberto Giacometti (1901-1966). A Pinacoteca do Estado de São Paulo inaugura a temporada sul-americana da mostra neste final de semana, dia 24 de março. Para a exposição foram selecionados cerca de 280 trabalhos, sendo 80 esculturas de tamanhos variados, 40 pinturas, 80 trabalhos sobre papel, 56 fotografias e documentos. Ao todo, são mais de 220 obras da coleção da Fundação Alberto e Annette Giacometti.

Homem andando, Giacometti

A exposição permitirá aos visitantes observar o desenvolvimento da carreira de um dos artistas mais marcantes do século XX, desde seu período de formação, na oficina de seu pai na Suíça, até suas últimas obras. Mostrando todos os aspectos da produção de Giacometti (esculturas, pinturas, desenhos, gravuras e escritos), a exposição aborda os principais temas do pensamento criativo do artista: a influência de Cézanne, a descoberta da arte Africana em 1926, a marca duradoura do pensamento mágico e do surrealismo, a invenção de uma nova representação do ser humano. A busca intelectual da Giacometti se aproximou dos maiores pensadores de sua época: André Breton, Jean-Paul Sartre, Simone de Beauvoir e Jean Genet, que são mencionados na exposição através de retratos e textos.

A Fundação também destaca que diversos colecionadores e amantes da arte na América do Sul, interessados e atraídos pela efervescência cultural de Paris nos anos 1930, adquiriram obras do artista, como a argentina Elvira de Alvear. Uma cópia desse trabalho se encontra na exposição, acompanhada por outras que foram adquiridas pelo MAM do Rio e pela Bienal de São Paulo em 1951. O evento teve estreita colaboração entre a Fundação Giacometti, os museus do Brasil e Argentina onde a exposição passará, além do patrocínio da Embaixada da França no Brasil e do apoio do Ministério da Cultura e de patrocinadores privados.

A seleção das obras que serão apresentadas, foi feita por Véronique Wiesinger, curadora da exposição e diretora da Fundação Alberto e Annette Giacometti. Ela se preocupou em apresentar as variações do percurso artístico de Giacometti ao longo de meio século, destacando a influência da escultura africana e da Oceania. Giacometti se deixou influenciar bastante pela arte primitiva, criando um estilo muito característico dele. Também sofreu influências do Surrealismo e sua obra “Bola suspensa”, feita entre 1930-31, é considerada por André Breton o melhor exemplo de uma escultura surrealista.

A mostra traz desde os retratos do artista executados por seu pai e por seu padrinho, ambos pintores, até as esculturas monumentais. O tema da cabeça humana é recorrente na obra de Giacometti, que realizou centenas de estudos sobre a cabeça e sobre os olhos do ser humano. Há salas para as esculturas onde as figuras são engaioladas, assim como bustos, pintados ou esculpidos, com destaque para os retratos de sua esposa Annette e de Rita, a cozinheira de sua mãe. Nos corredores da Pinacoteca estarão esculturas de grandes dimensões. E no vão central, a monumental escultura “Homem caminhando”, que integra o importante conjunto concebido para o projeto do hoje Chase Manhattan Plaza, em Nova Iorque, em 1960.

Essa exposição ficará em São Paulo até o dia 17 de junho. Depois segue para o Museu de Arte Moderna, no Rio de Janeiro, de 17 de julho a 16 de setembro, e encerra a temporada lation-americana na Fundación Proa, em Buenos Aires, de 13 de outubro a 9 de janeiro de 2013.

Biografia

Giacometti, nankin de Jan Hladík, 2002

Alberto Giacometti nasceu na Suíça, em 10 de outubro de 1901. Era o mais velho de quatro filhos do pintor impressionista Giovanni Giacometti, de quem o menino Alberto recebeu todo o incentivo para se tornar artista. Pintou seus primeiros trabalhos usando como modelos as pessoas de sua família ou seus colegas de escola. Depois da educação mais formal, ele foi estudar na École des Beaux Arts de Genebra, antes de ir para Paris em janeiro de 1922.

Logo no início, Giacometti participou de uma oficina com Antoine Bourdelle, na Académie de la Grande Chaumière, em Montparnasse, onde eu estive fazendo aulas de modelo vivo, em outubro de 2011. Alberto Giacometti descobriu o cubismo, a arte africana e a estatuária grega, que foram fundamentais para influenciar seu trabalho no futuro. Em dezembro de 1926, Giacometti foi morar na rua Hippolyte-Maindron número 46, em Paris, de onde nunca mais se mudou, apesar de ser um lugar pequeno e desconfortável. Embora a maior parte de sua produção tenha sido feita em Paris, Giacometti retornou frequentemente à Suíça, onde trabalhava na oficina de seu pai. Em 1927, expôs seus primeiros trabalhos no Salon des Tuileries.

Em sua vida parisiense das primeiras décadas do século XX, Giacometti se aproxima dos surrealistas e expõe com o pintor espanhol Joan Miró em 1930. Convive com intelectuais e artistas como Tristan Tzara, René Crevel, Louis Aragon, André Breton, Salvador Dali e André Masson, juntando-se oficialmente aos surrealistas de Paris em 1931. Ele também ilustrou livros de René Crevel, Tristan Tzara e André Breton.

A partir de 1935, Giacometti prefere voltar a um trabalho mais próximo da realidade, e aos retratos e naturezas-mortas. Quando ele ainda tinha 20 anos, havia feito uma viagem à Itália com seu pai, e a pintura de Tintoretto e Giotto foram uma grande revelação para ele. Foi nesse período, em 1935, que ele fez inúmeros desenhos da cabeça, usando seu irmão como modelo. Em seu atelier apertado da rua Hippolyte-Maindron onde também morava, era difícil pintar seus modelos: sua esposa Annette, seu irmão Diego e seus amigos, entre os quais Jean Genet (que escreveu o livro “O Atelier de Giacometti”).

Nesses estudos, ele se martirizava muito, apagava tudo o que fazia, corrigia, repetia tudo, se angustiava ao ver que os anos em que ficou longe do desenho agora lhe traziam dificuldades.

Durante o período em que durou a segunda guerra mundial, dizem, tudo o que Alberto Giacometti produziu caberia “em poucas caixas de fósforos”. Em dezembro de 1941 ele sai de Paris e vai para Genebra, onde continua a produção das esculturas minúsculas que havia iniciado em Paris. Ele sentia dificuldade em fazer esculturas grandes, e isso o incomodava. Mas só depois do fim da guerra é que ele consegue voltar a uma produção mais intensa e com figuras cada vez maiores. A forma de moldar cabeças e figuras como se tivessem sido esmagadas pelo espaço a seu redor, dá a impressão de que elas quase reduzem-se a esqueletos em movimento.

A partir de 1945, com a prática do desenho, Giacometti consegue criar figuras de tamanho grande, mas com esse aspecto de esqueletos compridos, alongados. São bustos, figuras em pé, imóveis, figuras em movimento. Em setembro de 1945, Giacometti retornou a Paris, e em 1949 se casa com Annette Arm. Somente em junho de 1951 realiza sua primeira exposição após a segunda guerra, em Paris.

Em 1948, Jean-Paul Sartre assinou o prefácio da primeira exposição de Giacometti em Nova York, “A busca do absoluto”. Após a metade da década de 1950, Giacometti volta-se para fazer cabeças, bustos e figuras. Representando a França na Bienal de Veneza em 1956, Giacometti exibiu uma série de figuras femininas. No final de 1958, ele recebeu um pedido para criar esculturas para onde hoje é o Chase Manhattan Bank, em Nova Iorque. Para este monumento, ele cria três elementos: uma grande mulher, um homem andando e uma grande cabeça.

Busto de homem

No final de sua vida, Giacometti foi um artista bastante reconhecido e ganhou diversos prêmios, como o Internacional Carnegie da Bienal de Veneza, em 1962.

Alberto Giacometti morreu em Chur, Suíça, no dia 11 de janeiro de 1966. Seu corpo foi transferido para Borgonovo, onde nasceu, e foi sepultado junto ao túmulo de seus pais. Sua viúva se dedicou a cuidar de sua obra, lançando as primeiras sementes da futura Fundation Alberto e Annette Giacometti Foundation, que abriga um grande número de pinturas e esculturas do artista, e um centro de pesquisa e documentação.

Serviço:

Exposição "Alberto Giacometti: Coleção da Fondation Alberto et Annette Giacometti, Paris"

de 24.mar a 17.jun 2012

Pinacoteca do Estado de São Paulo
Praça da Luz, 2 São Paulo, SP
Tel. (11) 3324-1000

Giacometti em seu ateliê

Artistas realistas no Rio de Janeiro

Céu da China, 2010, óleo sobre tela, dos três artistas da Guilda de São Francisco

Eu estava pesquisando em sites de museus, quando me deparei com uma novidade que acabava de passar pelo Museu Nacional de Belas Artes do Rio de Janeiro: uma exposição de desenhos de Cláudio Valério Teixeira e outra de pinturas de um grupo chamado Guilda de São Francisco.

Desenho de Cláudio Valério Teixeira

Aos poucos fui descobrindo tudo. Cláudio Valério Teixeira, um dos artistas da Guilda de São Francisco, é um artista plástico com longa carreira e que, na época da ditadura militar no Brasil, havia exposto desenhos onde ele retratava as situações de prisão, tortura e mortes sofridas por pessoas que se opunham ao regime militar. Ele refez todos os desenhos de 1978 - os daquela época foram perdidos - e os expôs no Museu Nacional de Belas Artes, num momento inclusive bastante propício, pois foi recentemente instituída a "Comissão da Verdade" para apurar crimes políticos cometidos pelos militares naquela época e, com isso, "torna-se ainda mais pertinente a remontagem desta exposição", diz ele em seu site.


Através do sítio da exposição "1978 - Desenhos", eu cheguei ao da Guilda de São Francisco, onde pude ver que três artistas plásticos se reuniram para recuperar a pintura que era feita no século XVII, dando uma atenção especial ao pintor flamengo Peter Paul Rubens, assim como a Nicolas Poussin, pintor francês. São eles: Celio Belem, Milton Eulalio e o próprio Cláudio Valério Teixeira. Todos se dizem pintores realistas, que buscam trazer para nossos tempos o modelo de mestres como Velázquez, o mestre de todos os pintores realistas, como diz Cláudio.

Desenho de Cláudio Valério
para a exposição "1978 - Desenhos"

O nome dado ao grupo, Guilda de São Francisco, remete ao jeito antigo dos artistas se reunirem juntos num atelier, em guildas. O nome deve-se ao fato do atelier deles estar localizado no bairro de São Francisco, em Niterói, Rio de Janeiro. Celio, Cláudio e Milton pintam juntos a mesma tela, um continuando o que o outro começou, construindo as pinturas juntos. Os três são amigos, os três compartilham o mesmo gosto estético e a mesma paixão pelas obras dos velhos mestres da pintura. Eles também trabalharam juntos em diversas restaurações de obras de arte, como nos paineis "Guerra e Paz" de Portinari.


Nestes tempos de predomínio e imposição acadêmica onde reina quase absoluta a arte conceitual, parece que um vento sopra novamente para a arte figurativa. Foi esse frescor que senti ao ver duas exposições dessas em um dos principais museus brasileiros, o Museu Nacional de Belas Artes. Pode ser sinal de que nem tudo está perdido, ou dizendo melhor: num mundo onde tudo parece perdido, artistas trabalham em seus ateliês, na calada do dia ou da noite, no silêncio quieto do pincel sobre a tela, debruçados sobre as grandes questões da arte pictórica.


A exposição "1978 - Desenhos", assim como a de pintura "Guilda de São Francisco" ficaram em cartaz de 30 de novembro de 2011 até hoje, dia 5 de fevereiro.


Abaixo, transcrevo um artigo do professor do Instituto de Filosofia e Ciências Humanas da Unicamp Jorge Coli, que foi publicado no site do grupo. Ele fala sobre o significado de artistas como estes em meio ao estado atual das Artes Visuais:


A Guilda de São Francisco


Jorge Coli


É bem sabido que a arte de vanguarda, ou moderna, como se quiser, ergueu seus fundamentos no princípio das libertações. Libertação da disciplina escolar, dos cânones acadêmicos, das regras, dos mestres, da tradição. Liberar o solo, dizia Le Corbusier, para a arquitetura. Liberar os poemas de suas rimas e metros. Liberar a prosa de qualquer narrativa. Liberar a música que a velha harmonia aprisionava. Liberar os quadros de toda figura, ou representação.


Tal liberdade era determinante para que o artista pudesse criar, e criar queria dizer: inventar o novo. A dupla liberdade e novidade moveu a criação moderna. Ela determinava que o retorno ao passado só poderia ocorrer ou como “releitura”, para empregar um termo hoje na moda, ou como alusão distante, inspiração remota.

Celio Belem, Cláudio Valério Teixeira e
Milton Eulálio trabalhando juntos na mesma tela

Boa fórmula axiológica: liberdade + novidade = modernidade. Porém, todas as proclamações, todas as invenções, originalidades, choques, não eliminam desses imperativos sua dimensão profundamente autoritária. O artista é livre para o que quiser, menos para uma coisa: não ser moderno. A fórmula de São Cipriano, caracterizando o universal da Igreja poderia ser aplicada aqui: fora dela, da modernidade, não há salvação. Trata-se de uma opressão que condenou os artistas apegados às tradições; as palavras que os caracterizaram fizeram-se insultantes: “passadista”, “acadêmico”.


Hoje, os valores, e mais que eles, as intuições e sentimentos modernos entraram em crise. Seus poderes, no entanto, ainda são fortes. Poderes que a Guilda de São Francisco desacata. Num formidável prazer de trabalhar juntos, abolindo o princípio de autoria individual, colaborando com gosto e alegria numa camaradagem cúmplice, eles decidiram voltar às lições dos de outras eras. Não como citações, embora um conjunto de nus possa remeter a Manet, e por trás dele, a Rafael; ou um grupo encaminhe a memória para algum Poussin. Mas, ao conceber o quadro como construção refletida, em que a figura humana, o nu, a paisagem, a natureza morta monumental retomam seus direitos esses artistas tentam encontrar antigos caminhos. Ao descobrir feituras técnicas, processos de representação e de composição que ocorreram no passado, ao avançar pondo o pé nas pegadas dos velhos mestres, escaparam à tirania já meio caduca da modernidade.


Nas obras da Guilda, há discretas referências ao nosso tempo, como essas pequenas centrais nucleares perdidas que se perfilam diante de um pôr-do-sol; ou esse skyline de cidade contemporânea. Mas essas referências discretas, um pouco bizantinas ou cabalísticas, não são necessárias para sabermos que esses quadros foram feitos hoje. Há neles não sei que espírito de malícia e de júbilo que os denuncia.


De qualquer modo, o grande equívoco dos modernos, aquilo que não entenderam é a impossibilidade de não ser atual. A marca deixada pelo agora em qualquer obra que seja, incorpora-se a ela de modo indelével: Borges enunciou com humor esse princípio no seu paradoxo de Pierre Ménard.


O torniamo all’antico que segue a Guilda de São Francisco revela, por tudo isso, uma considerável novidade. Graças ao domínio técnico exigente, graças ao evidente prazer que seus pintores demonstram em expandi-lo nessas telas de belo formato, graças à cumplicidade reforçada pelo trabalho coletivo e pelo estímulo que dele resulta, produzem uma arte que desafia – sem nenhuma intenção militante – as estéticas conformadas.