Mandamentos e mistérios gozosos

Por que ninguém teve (ainda) a ideia de expor gavetas com restos mortais em pó de um Crematório?
(Foto do Crematório do cemitério Père Lachaise de Paris, outubro de 2011)

A revista Bravo do mês de outubro, publicou uma reportagem de capa cujo tema é a exposição que acontece na Fundação Bienal de São Paulo, "Em Nome dos Artistas – Arte Contemporânea Norte-Americana na Coleção Astrup Fearnley". Essa mostra reune 219 peças da coleção do Museu de Arte Moderna de Oslo, capital da Noruega. E traz "obras" de Damien Hirst, Jeff Koons e Cindy Sherman, entre outros.


A revista organizou sua apresentação, elencando 7 mandamentos "daquilo que se convencionou chamar de “arte contemporânea”". Continua o texto: "É interessante notar que uma exposição reunindo Van Gogh, Renoir e Degas em todo o seu esplendor e glória não seria possível. Simplesmente porque tais artistas não experimentaram, em vida, esplendor e glória comparáveis aos de Damien Hirst e Jeff Koons, para ficar nos dois mais ricos da constelação (...). Ricos no sentido monetário mesmo. Hirst é, sem sombra de dúvida, o ser humano que mais ganhou dinheiro com criação artística na história ocidental." (!)


"A arte contemporânea não é uma linguagem acessível às massas. Ela se escora em uma série de teorias e procedimentos tão complexos quanto o teatro experimental, o cinema alternativo e a música contemporânea. Só que, diferentemente do teatro experimental, do cinema alternativo ou da música contemporânea – que sobrevivem em ambientes restritos ou financiados por universidades –, ela gerou um circuito milionário. Entender essa relação estreita e amigável entre arte e mercado é essencial para compreender a produção atual. Daí a razão do primeiro mandamento." 

"Escultura" de Jeff Koons,
mas você pode achar algo
assim numa lojinha de
souvenirs...

1 - AMARÁS O MERCADO SOBRE TODAS AS COISAS - o norte-americano Jeff Koons, entre 1991 e 1992, foi casado com a atriz de filme pornô italiana Cicciolina, e fez uma série de pinturas, com cenas do casal tendo relações sexuais. Depois, resolveu ir para o mundo da escultura, quando sua peça ("isso" aí ao lado) foi vendida por 23,5 milhões de dólares na casa de leilões Sotheby’s de Nova York, tornando-o o artista mais valorizado do mundo. Em julho de 2008, outra obra dele foi vendida na casa de leilão Christie’s de Londres por 25,7 milhões de dólares.


Na arte contemporânea, o mercado é uma poderosa fonte de validação artística de um trabalho. Calcula-se que no Brasil o montante de dinheiro que circula no mundo da arte seja da ordem de 300 milhões de reais por ano." Mas no mundo, segundo "levantamento da Tefaf (The European Fine Art Foundation), só em 2008, o total de vendas no mercado internacional atingiu 68,5 bilhões de dólares, sendo que os Estados Unidos e a Grã-Bretanha são responsáveis por dois terços desse montante."


O inglês Damien Hirst, em 2008, por exemplo, colocou à venda na Sotheby’s, em Londres, 223 trabalhos recém-saídos do ateliê. Vendeu 97% (!) para, em sua maioria, investidores particulares, um total de 198 milhões de dólares. Dois anos mais tarde, o valor das peças vendidas despencou para 10% do total. "É óbvio que Damien Hirst criou uma bolha com a própria produção, usando um procedimento clássico do mercado de ações: vender o máximo possível na alta – e provocar uma baixa logo depois por causa da inundação do mercado com um mesmo tipo de produto. É como se Hirst dissesse que, num ambiente cada vez mais dominado pelo mercado, entender seu funcionamento é essencial para um artista. É como se sua bolha fosse, por si só, uma performance."

Serre um boi no meio e isso é arte,
como fez Damien Hirst, um dos
alunos da escola de Duchamp

2 - NÃO PRECISARÁS DOMINAR A TÉCNICA - Depois que o francês Marcel Duchamp (1887-1968) expôs um urinol como obra de arte, em 1917 (A Fonte), a concepção de que um artista precisa saber pintar, esculpir ou fotografar ficou definitivamente para trás." Muitos das "obras" desses artistas-para-o-mercado aí nem foram produzidas por eles. Mas o que importa é a "ideia". "Desde Duchamp, o que faz de alguém um artista são suas ideias, e não suas habilidades manuais", diz a revista Bravo.


E dá um exemplo local, como do artista paulistano Nelson Leirner, que foi tema de um documentário deste ano (Assim É Se Lhe Parece). Ele nunca pintou um quadro na vida. O que faz é se apropriar de objetos existentes e dar-lhes novo significado".


3 - APRENDERÁS A FALAR SOBRE SEU TRABALHO - "num mundo em que a ideia é tão ou mais importante do que a execução, dominar a palavra é tudo. Tanto que os artistas aprendem isso desde a faculdade. No departamento de artes plásticas da Universidade de São Paulo, os alunos passam pelas aulas ministradas por Ana Maria Tavares e Mario Ramiro, em que são incentivados justamente a falar sobre o próprio trabalho." (grifo meu)


4 - PERTENCERÁS A UMA GALERIA - Absolutamente necessário. Como quase todos os artistas de renome hoje passaram por uma faculdade de Belas Artes (o que evidencia que vivemos o tempo da Nova Academia - ou seja, isso daí é arte acadêmica), "imediatamente passam a integrar o elenco de alguma galeria. Muitos deles assinam contratos com endereços comerciais antes mesmo da formatura". Continua o texto: "A carreira de artista tem atualmente etapas tão bem definidas, e encontra-se tão escorada por marchands, colecionadores, leilões e exposições, que até perdeu um pouco do caráter aventureiro e um tanto arriscado que sempre a acompanhou".


"O diretor do Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo, Tadeu Chiarelli, vê no entanto essa presença forte das galerias no circuito como algo incômodo: “Pertencer a uma galeria virou sinônimo de ser bem-sucedido”. Porém o número de endereços que abrem a cada ano e o volume de dinheiro que negociam é tanto que foi criada em 2007 no Brasil a Abact (Associação Brasileira de Arte Contemporânea), uma iniciativa das próprias galerias para mapear esse setor. A presidente da instituição é Alessandra d’Aloia, também sócia-diretora da prestigiada galeria Fortes Vilaça, em São Paulo."


5 - PARTICIPARÁS DE FEIRAS DE ARTE - São umas 30 feiras internacionais de arte contemporânea no mundo, mais de duas por mês. Negócios muito rentáveis rolam por lá.


6 - CONHECERÁS CURADORES - ah.... os curadores! Não é possível viver sem eles! Enquanto o tradicional papel da crítica teve seu papel diminuído, "os curadores são os novos críticos". Continua Bravo: "São eles que selecionam artistas e suas obras para exposições que pretendem oferecer um panorama da produção atual e, dessa forma, atribuem leituras para esses conjuntos. Os curadores apresentam temas, sugerem relações entre criadores e apontam também revelações da área. Inclusive para galeristas e colecionadores. “Hoje até as feiras de arte têm curadores. O que antes era Igreja e Estado agora se mistura. Bienais e feiras têm muitas vezes conceitos tão próximos que ficam muito parecidas”, diz um deles, Cauê Alves.


7 - VIVERÁS COMO UMA CELEBRIDADE - Como já dizia o pop Andy Wahrol,cada um deve buscar seus 15 minutos de fama. Os "artistas deixaram de ser figuras por trás de suas obras e estão cada vez mais à frente delas. O público quer saber como se vestem, com quem circulam, o que bebem, como bebem".

Então junte-se uma boa faculdade que ensine a nova forma de fazer arte, renda-se às regras do mercado, tenha-se uma boa ideia ("boa" no sentido disso daí), circule-se por esses circuitos sociais onde impera a futilidade (e muita grana!), dê-se um jeito de ser celebridade (mesmo que por 5 minutos), e pronto! Seu reino individual está garantido!

Cemitério Père Lahaise, Paris, outubro de 2011

Vivências em ateliês de Paris

A tela original é de Jan Vermeer "Moça com brinco de pérola"
- esta é uma cópia que está sendo pintada por mim - terceiro dia de ttrabalho

Depois de 5 dias, ela está ficando assim...

Duas atividades em especial, marcam esta minha estada de quinze dias aqui em Paris. Em primeiro lugar, pintando uma cópia do "Moça com brinco de pérola" de Jan Vermeer sob a orientação de uma pintora copista do Louvre. Em segundo lugar, fazer aulas de desenho com modelo vivo na Academia de la Grande Chaumière, aqui em Montparnasse, bairro de Paris.

Há alguns meses atrás soube, em São Paulo, do Atelier de Alejandra Astorquiza em Paris, copista do Museu do Louvre. A especialidade dela é copiar grandes obras dos grandes mestres, muitas vezes em frente às próprias obras no Louvre. Como faço parte de um Atelier em São Paulo que também usa como referência as obras dos mestres da pintura, considerei que podia ser muito boa a experiência de fazer um estágio intensivo de uma semana, junto com Alejandra, e aprender diretamente dela um pouco da sua técnica de copista.

Depois de três dias inteiros, e 24 horas de trabalho intenso, minha "Moça com brinco de pérola" começa a me olhar, com seu olhar enigmático. Ainda há muito o que trabalhar no rosto dela, no olhar dela e especialmente na boca dela. Alejandra me disse que esse quadro, junto com a Monalisa de Da Vinci, trazem rostos com os sorrisos mais enigmáticos e difíceis de copiar. Ou seja, minha tarefa não é nenhum pouco fácil. Ainda tenho dois dias inteiros de trabalho, que vou concentrar no rosto dela. Todo o restante que ficar faltando, farei sozinha em meu atelier em São Paulo.

Sala centenária do atelier de la Grande Chaumière
para onde se dirigem artistas e estudantes de arte desde o começo do século XX

Mas também fui à "Grande Chaumiére".

Este atelier fica dentro de um prédio secular aqui do bairro legendário de Montparnasse, e abriga a Academia de la Grande Chaumière, uma das mais antigas de Paris, fundada em 1909.  Lá acontecem cursos livres de desenho, pintura e escultura e está aberta a qualquer um que queira vir treinar aqui. Por estes bancos e estes apoios de madeira em volta da cena principal onde posam modelos, artistas célebres ou não, sentaram e continuam sentando para praticar uma das maneiras mais antigas de estudo de pintura: modelo vivo, nus ou em representação de personagem. Os artistas fazem seus croquis com grafite, carvão, pastel, óleo, acrílica, aquarela...

Fernand Léger (1881-1955) passou por aqui, assim como André Lhote (1885-1962), Emile Antoine Bourdelle (1861-1929), todos professores, ensinando novos artistas. Alberto Giacometti (1901-1966), o grande escultor, aprendeu aqui diretamente com Bourdelle.

Esta Académie de la Grande Chaumière já atraiu artistas de muitos países, de diversas gerações, nestes cem anos, e praticantes das técnicas mais diversas. Porque a Grande Chaumière é uma academia livre, qualquer um pode desenvolver a técnica que quiser. É assim, desde que foi criada em 1901. Alexander Calder (1898-1976), norte-americano; Amedeo Modigliani (1884-1920), italiano; Joán Miró (1893-1983), pintor espanhol, todos sentaram nestes mesmos bancos que vi ao meu redor.

Também alguns artistas brasileiros vieram desenhar aqui, como Lasar Segall, Quirino Campofiorito, Antonio Bandeira, Vieira da Silva e outros.

Ontem, desenhando e pintando junto comigo, tinha umas 40 pessoas, dispostas em semi-círculo em volta de uma modelo francesa, muito simpática, que posou nua. A primeira sessão foi de 45 minutos. Pausa de uns quinze minutos para um lanche servido pela administração da escola: chás diversos, espetinhos com legumes e embutidos, pães, vinho, suco... Depois mais quatro sessões de 25 minutos cada, com pequeno intervalo de 5 minutos, quando a modelo aproveitava para descansar.

Fiquei observando as pessoas, enquanto tomava meu chá, tentando adivinhar o que faziam, se eram pintores, ilustradores ou escultores, se tinham atelier, se eram conhecidos... As madeiras onde apoiamos nossas pranchas de trabalho são as mesmas há mais de cem anos. De tão usadas já estão meio roliças. Os bancos, alguns cobertos com couro, são os mesmos bancos rústicos usados há mais de cem anos, dezenas deles de várias alturas, dependendo da posição que se toma em relação ao lugar onde está a modelo.

Ela fica na frente, numa espécie de altar onde ela é a deusa. Ou o deus, no caso dos modelos homens. Em torno desses modelos, centenas de artistas se juntaram aqui, estudando cada detalhe da anatomia de seus corpos, a direção do jato de luz lançado sobre os modelos, as projeções das sombras, os valores dessas diversas gradações entre luz e sombra... Desenhando, repetimos em nossas pranchas as formas do que vemos.

É muito bom poder viver isso pessoalmente! É muito boa essa experiência de conviver com tantos desconhecidos, de várias idades, que falam uma língua diferente da minha (e talvez outras), mas que nos unimos na mesma e universal linguagem da Arte, na qual todos nós nos compreendemos uns aos outros. Neste espaço de la Grande Chaumière, junto com essas pessoas, lembrei de uma frase de origem africana da qual gosto muito e que explica o que penso também sobre fazer Arte:

"Se você quer ir rápido, vá sozinho. Se você quiser ir longe, vá com outros!"

Ontem desenhei em meu caderno, além do corpo da modelo, toda a minha própria ventura de estar aqui...

A modelo, enquanto se preparava. Em primeiro plano, meu material de desenho. Logo atrás, a madeira que apoia o material do artista, já tão gasta de tanto uso

Meia noite em Paris

Neste domingo tive um encontro inusitado, mas bastante satisfatório. Estava passeando entre os corredores de um lugar arborizado, quando resolvi aproveitar a oportunidade das presenças importantes ao meu redor e convocar certas pessoas para uma importante reunião.

Camille Corot, auto-retrato

O primeiro que chamei foi Camille Corot e ele me ajudou a chamar todos os outros: Jacques Louis David, Georges Seurat, Jean-Auguste Dominique Ingres e Eugène Delacroix. Marx Ernst estava ali por perto, mas como não tenho interesse nas ideias dele, deixei de fora. Estávamos todos no cemitério Père Lachaise, com mais dezenas de outras figuras importantes da história francesa.

O encontro foi no Jardim do Crematório, um lugar tranquilo, cheio de flores coloridas bem arrumadas nos canteiros. Achei que era um bom lugar para esse encontro, um lugar fértil, adubado com as cinzas de milhares que já foram incinerados neste forno, cuja chaminé escura paira poderosa ao lado da abóboda do prédio.

Ingres, auto-retrato

Tive muito trabalho, no começo, para acalmar a verdadeira balbúrdia que se instalou entre meus convidados. Ingres queria partir para cima de Delacroix, macambúzio, no seu canto, enquanto Corot queria entender porque David nunca teve coragem de abandonar o atelier e ir pintar ao ar livre, ao que David respondeu que preferia as sombras projetadas dentro de um quarto fechado do que a luz chapada do sol nos campos. "Para isso você bem podia ter sido Barroco, mas faltava arrojo e você preferiu ser o queridinho dos salões!" Deixamos os dois e encontramos Pissarro que, por sua vez, tentava convencer Modigliani de que as figuras não precisavam ser tão esguias assim, nem tão chapadas. Modigliani berrava e gesticulava em italiano, sem ouvir uma palavra do pintor francês.

Georges Seurat tentava estudar os pequenos pontos luminosos que atravessavam as folhas das árvores, dizendo a Corot que ele não precisava ter sido tão literal assim, que bastava olhar para a luz, como ela se comportava em pequenos pontos, mas Seurat, indignado, gritou com ele que esse negócio de pontilhismo é para quem não sabe nem a sombra de como se usa um pincel!

Delacroix, auto-retrato

Enquanto Ingres se inflamava cada vez mais com Delacroix, David também se achou no direito de cobrar deste uma posição política mais definida. "Como assim?", perguntou Delacroix. "Você não viu que eu pintei a maior obra prima da Revolução, A Liberdade guiando o povo?" - Sim, respondeu David, mas eu falo de ação, camarada, de ação! Ao que Delacroix respondeu: você foi tão bonapartista quanto eu! Voilà!

Bom, como vi que a coisa estava cada vez mais fora de controle, dei um berro muito alto, usando da minha autoridade de idealizadora da reunião:

- ARRÊTEZ-VOUS, S'IL VOUS PLAÎT!!! Parem já!

Assustados com meu grito feminino quase histérico, eles me olharam. Continuei:

- Chamei vocês aqui porque tenho coisas importantes a discutir, então esqueçam suas desavenças e gostos pessoais. Esta aqui é uma reunião de trabalho!

Pissarro, auto-retrato

Ingres resmungou, David que já estava mais animado por uma briga, parou estático. Os outros ficaram ali, me olhando; Pissarro com um sorriso debochado. Não liguei.

De longe, à esquerda, ouvia-se a voz de Edith Piaf cantando "Je ne regrette rien", enquanto no lado oposto, mais ao fundo, Mozart solfejava uma sinfonia... O corvo preto que tinha pousado no jardim à nossa frente, levantou vôo, pousou num galho e deu um grito. Os communards (combatentes da Comuna de Paris), aglomerados no canto direito, próximo ao muro, faziam alguma algazarra, enquanto se ouvia a Marselhesa. Também dava para se ouvir berros violentos que vinham do lado onde estava Balzac. Ele gritava à queima roupa no ouvido de Marcel Proust: - Vai conhecer a vida lá fora, irmão! Você não sabe de nada! Rien de rien!

David, auto-retrato

Paul Éluard, abraçado a Apollinaire, cambaleava, bêbado, recitando um poema.

Voltei aos meus amigos e falei:

- É o seguinte, amigos! Estamos vivendo tempos sórdidos, tempos estranhos. Eu sei que o tempo em que cada um de vocês viveram não era lá grande coisa, mas mesmo com as desavenças que havia entre os seus pares não chegava nem aos pés do isolamento em que uma grande parte dos artistas vive hoje.

David, para você ter uma ideia, desde que o conterrâneo de vocês, Marcel Duchamp, decretou que tudo é arte ("- que você tá falando?" berrou ele) Isso que você ouviu. Duchamp, que nunca ia a museu algum e que dizia que detestava pintura, acreditem, é hoje a musa principal que inspira a nova academia: a que cria dezenas de alunos que não precisam aprender a desenhar, mas vão aprendendo que uma boa ideia vale mais do que mil palavras! (- "Não estou entendendo nada", resmunga Ingres).  Pois é, amigo, nem você, nem eu, nem ninguém. E para eles quanto menos gente entender melhor. ( - "Mas como não se aprende a desenhar se o desenho é a base de tudo?", insistiu Ingres) Simplesmente porque hoje em dia se você tiver uma formação conceitual dessa academia aí, não precisa mais desenhar. Desenhar o que? Desenhar pra que, se não é preciso criar nada daí? Hoje, artista e designer é tudo a mesma coisa. Se duvidarem de mim, podemos ir agora ao Museu George Pompidou e ver as salas separadas para apresentar a arte dos anos atuais: cadeiras, móveis, enfeites, badulaques de todo tipo, penduricalhos espalhados, mais parece um grande parque de diversões! E na tal da FIAC, então? (- "Que diabo é FIAC?", perguntou Pissarro) A tal da Feira Internacional de Arte Contemporânea. Vocês vão e lá e verão: penduricalhos, badulaques, trastes, trecos pendurados... É isso, hoje a arte é para ser divertida, tocada, brincada, manipulada, ultrapassada... (- "Principalmente ultrapassada", disse Seurat) Voilà, Seurat, isso mesmo!

Túmulo de Ingres, no Père Lachaise

Agora, não para por aí não. Os quadros que vocês fizeram e que nem venderam tanto enquanto vocês estavam vivos, hoje em dia não valem nada, quase nada perto de um tubarão envidraçado ou uma caveira de diamantes! (-"Que conversa é essa?" perguntou Delacroix. "Uma pintura de um tubarão e de uma caveira, o que isso tem de valor?") Não, meu caro Delacroix. Muito pior do que você pensa: o cara pegou um tubarão morto, jogou dentro de litros de formol, fechou num aquário de vidro e vendeu por milhões de dólares! (Os pobres coitados pintores me olhavam abismados) Porque hoje sabe quem manda no que se chama de arte contemporânea? O mercado. No tempo de vocês a igreja, a nobreza ou o Estado eram grandes compradores de arte. Hoje os grandes compradores são uns caras que ganham bilhões na Bolsa de Valores e, se compram alguma pintura de valor, é para ela ficar bem guardada esperando que valorize mais... Corot, ainda bem que seu amigo Gustave Courbet não está aqui hoje. Ele ia querer fazer outra revolução!

Mas meus amigos foram murchando, se movimentando lentos, cabisbaixos. Olharam para mim com pena. Corot ainda me perguntou se valia mesmo a pena ser pintora hoje. Vale, mesmo que seja por mim, respondi. Mas eles foram voltando quietos cada um pro seu canto. Minha reunião acabou sem ter acabado.

Gritei para eles:

- Mas há os que ainda resistem!

Delacroix fez um gesto amigo com as mãos. Ingres me desejou "bonnes chances, allez-y!", boa sorte, vá em frente.

Fui embora pra Bastilha.

Praça da Bastilha, Paris

Museu de l’Orangerie: de Monet a Sorolla

Parisienses no Jardim des Tuileries, se aquecendo ao sol

A tarde estava clara, céu azul e brilhante deste outono gelado. Nessa época do ano, o dia termina por volta das oito da noite, mas logo começa o horário de inverno e vai estender um pouco mais a luz sobre a cidade. As pessoas ficam lagarteando em cadeiras de ferro verdes espalhadas pelas Tuileries, buscando se aquecer ao sol, enquanto descansam. Ao fundo, à esquerda, lá longe, a Torre Eiffel desponta. Muitas pombas convivem aqui com as pessoas e patos nadam nas águas das fontes desse jardim imenso. Pessoas de todas as cores e línguas se cruzam.

Museu de l'Orangerie

Como não dá para ter certeza quem é da terra e quem é turista, perguntei para um senhor de pele muito negra, que estava com um crachá da prefeitura, trabalhando na manutenção do Jardim: para que lado fica a entrada de l'Orangerie? Ele me apontou a direção, muito simpático, mas falando num francês super carregado de sua língua árabe-africana cujo “r” é impossível reproduzir. Vi alguns cabelos brancos despontando em sua cabeça, pensei o quanto já devia ter trabalhado nessa vida. E veio parar em Paris, para viver essa vida proletária, em busca da sobrevivência. Agradeci a ele e segui para lá, enquanto o rosto marcado e bonito desse homem passava pela minha mente, em massas que iam do azul ao laranja, do marron escuro ao verde; vontade de pintar seu rosto.

O Museu de l’Orangerie fica localizado no Jardim des Tuileries, à direita de quem está olhando para o Louvre e sua pirâmide de vidro. O Museu tem esse nome por ter sido construído sobre um antigo laranjal. Foi construído em 1852 pelo arquiteto Firmin Bourgeoais e concluído por seu sucessor Ludovico Viscontias. Era antes a plantação de laranjas do Jardin des Tuilleries. 

Uma das grandes "Nympheas" de Monet

Na entrada, como sempre acontece nos museus maiores daqui, fila para comprar o bilhete. Mas como eu estava com meu ticket para quatro dias, entrei direto.

Logo no piso superior, um anúncio de que ali estavam expostas as famosas Nympheas de Claude Monet, o grande pintor impressionista que postou seu cavalete ao sol de Giverny e pintou aqueles jardins cheios de plantas aquáticas. São telas gigantescas, dispostas em paredes arredondadas. Para ver a tela inteira, há que se tomar uma distância. Mas eu também gosto de ver o pincel do artista, então fiquei examinando seu trabalho com as cores. Aquilo que os pintores, a partir de Tiziano, tinham descoberto – rompido com o limite da linha – os impressionistas alcançaram o máximo da aplicação de pinceladas em massas grandes, sem linha. As Nympheas, bem de perto, chegam a ser abstratas. Mas quando se distancia, vemos que toques de tinta configuram flores, folhas e paisagens.

São duas salas grandes, ocupadas por essas pinturas de Monet.

As meninas, de Renoir

Desci a escada e fui para outra ala do museu. Lá estão os impressionistas, mas também outros pintores, com obras do final do século XIX e começo do XX: André Derain, Auguste Renoir, Paul Cézanne, Gauguin, Alfredo Sisley, mais Monet, Matisse, Modigliani, Rousseau... Mas o pintor que eu não conhecia e que me chamou a atenção foi André Derain. Fiquei com vontade de ler mais sobre ele, de saber mais sobre sua vida.

Derain, pelo que li nas descrições do Museu de l’Orangerie, tinha sido um pintor fauvista, depois cubista, até que um dia entrou no Museu do Louvre e algo mudou dentro dele. Estava escrito lá na parede do l’Orangerie o que ele teria dito: "Mes idées ont été entierement effarées quando j’ai vu au Louvre les impressionistes expos és au côté de Rembrandt, de Rubens, de Velazquez, de Watteau, de Poussin, de Raphael... (...) Um Le Nain tout gris démolissait les Monet” (minhas ideias foram inteiramente abaladas, quando eu vi, no Louvre, os impressionistas expostos ao lado de Rembrandt, de Rubens, de Velazquez, de Watteau, de Poussin, de Raphael. (...) Um quadro de Le Nain (os irmãos Le Nain, que viveram em Paris por volta de 1630) todo cinza demoliu os quadros de Monet). Nesse momento, Derain se convenceu da superioridade dos mestres antigos e, continua o texto do Museu: “Derain renovou a cadeia, o que é mais difícil do que rompê-la”! Fui ver imediatamente as pinturas de André Derain de depois desse dia: realmente ele mudou a maneira de pintar, voltou à pintura pictórica e profunda; sem ser acadêmico; mesmo mantendo um viés bem atual. Gostei deste André Derain!

Arlequim e Pierrot, de André Derain

Saí da sala de Derain e fui ver os espanhois, com avidez. Os espanhóis são bons há 500 anos! Logo na entrada da primeira sala, um texto explicava que a Espanha, no século XIX havia estancado numa sociedade fechada e sombria. O país passava por uma crise muito forte e, enquanto o resto do mundo se iluminava com as ideias da Revolução Francesa, aquele país permanecia envolto em si mesmo. Os pintores de então resgataram seus mestres de antigamente, Vélazquez, Goya, El Greco. E produziam telas densas, cujas cores fortes impressionam logo de cara!

Anotei os nomes, para futuras pesquisas: Modest Urgell, Ignacio Camarolench, Santiago Rusiñol y Prats, Ignacio Zuloaga, Julio Romero de Torres, Dario de Regoyos y Valdés, Nicolau Raurich, Hermen Anglada-Camarasa, Joaquim Mi i Trinxel, José Gutierres Solana e o grande (que eu já conheço um pouco) Joaquin Sorolla!

Telas de Pablo Picasso

Solana, Rusiñol e Zuloaga que, em primeiro momento eram pintores de paisagens, resolveram mudar totalmente para pintar cenas de rua, essas pessoas que perambulam por aí, vagabundos, bêbados, esfomeados, banidos.

Vários deles tinham vindo para Paris e se encontravam em ateliês e studios que eles dividiam entre si em Montmartre. Picasso foi um deles. Pintavam a realidade que viam nas ruas desse bairro parisiense. Mas com sua visão espanhola, característica, formada dentro do estilo de mestres do passado, mas especialmente de Francisco Goya, o que dá para ver pela insistência no uso das cores fortes. Por Paris também passaram Joan Miró e Salvador Dali. O Dali que está aqui é ainda o Dali pré-surrealista.

Joaquin Sorolla

Terminei minha visita parando muito tempo em frente a uma tela grande de Joaquin Sorolla. Me lembrando de todas as conversas que temos lá no Atelier Takiguthi, em São Paulo, vendo como Sorolla resolvia o problema das grandes massas aos pequenos toques. Ele é muito mais impressionante de perto! Tudo o que já tinha visto dele era dos livros. Mas aqui, frente a essa tela, sim, dá para ver que ele de fato dominava seu trabalho. Como todos os mestres, Joaquin Sorolla gastara dias, meses e anos em estudo minucioso do mundo da pintura e sabia exatamente onde colocar cada pincelada, com o valor preciso, no jeito correto. Trouxe, em pensamento, alguns colegas e amigos do Atelier, para olharem comigo aquele quadro: Alexandre, Cleir, Luis, Luciane, Sérgio, Marcelo, Marie, Jorie, Misael... e Maurício. Nesse encontro virtual provocado pela minha vontade de ter com quem comentar essa tela, “chegamos” a um só desejo: chegaremos lá, Sorolla! Para isso, vamos continuar ralando muito!

Joaquin Sorolla

No atelier de Delacroix

Uma das últimas palhetas de Eugene Délacroix, exposta no museu

Ontem de manhã peguei o metrô aqui na Place de la Nation, em Paris, e fui em direção a Saint-Germain de Près. Meu destino era a casa onde viveu o pintor francês Eugène Delacroix, onde hoje funciona o Museu Delacroix, sustentado e organizado pela Associação dos Amigos de Eugène Delacroix.


A Rua de Furstemberg, onde fica o Museu, é uma dessas ruas tranquilas, estreitas, quase sem movimento, aqui em Paris. No meio da rua há uma espécie de mini-praça, com árvores à volta, cujas folhas estão ressecadas e caindo, por causa do outono, e do frio que já começa a queimar as folhas verdes. Essas fotos, que ilustram o texto, foram tiradas por mim ontem, nessa visita.

Cavalete onde trabalhou Eugene Délacroix

Uma moça me atendeu ao final da escada de entrada. Muito simpática, me indicou a direção por onde começa a exposição. Nem são muitos quadros dele, porque os mais importantes estão espalhados por vários museus. No Museu do Louvre está um dos seus mais conhecidos: "A Liberdade guiando o povo às barricadas", que eu já tinha visto na véspera.


No Museu Delacroix estão alguns desenhos seus, várias litogravuras, pasteis, pinturas suas e de artistas amigos, mas principalmente estão lá alguns objetos que pertenceram a Delacroix, principalmente seus material de trabalho: cavalete, mesinha onde ele guardava tintas e pincéis, uma de suas últimas palhetas, móveis diversos, e lembranças das muitas viagens que ele fez ao Marrocos.


Desci até seu atelier, no fundo do terreno, uma espécie de edícula, como conhecemos no Brasil. A janela maior dá para um jardim, com bancos diversos, sob algumas árvores. O atelier é dividido em dois compartimentos, uma salinha de entrada com uma lareira, e a sala maior, onde ele trabalhava.


Delacroix dependeu muito do mecenato oficial para viver como pintor. Mas somente na velhice ele foi reconhecido pelos que representavam oficialmente a pintura. Só em 1855, pode expor em um dos principais eventos de exposição da época, a Exposição Universal de Paris. Em 1857, foi eleito para ser membro do Instituto da França (uma instituição acadêmica francesa), com a peremptória oposição do pintor neoclássico Ingres, seu adversário de sempre. Mas mesmo sendo eleito, a academia não lhe permitiu exercer o posto de professor de Belas Artes que ele esperava.

Auto-retrato de 1837

Mas essas oposições, incluindo a de Ingres, tinha razão de ser, porque Délacroix soube ir além de sua formação clássica em nome de renovar a pintura que era feita no período, quando predominava o estilo Neoclássico, cujo representante maior, e mais genial, é mesmo Jean-Dominique Ingres.


Delacroix morreu de turbeculose no dia 13 de agosto de 1863, nesta mesma casa da rua de Furstemberg, que visitei ontem. Depois que ele morreu, diversos artistas organizaram emocionantes homenagens a ele, especialmente o pintor Gustave Courbet. Delacroix é considerado um pintor dentro do estilo do Romantismo, e um dos seus principais símbolos.


Delacroix teve uma governanta, Jenny de Guillon, uma senhora que cuidou dele e de sua casa de 1835 até a morte do artista. Ela era mais do que uma servente, era uma pessoa muito próxima a ele, a quem ele considerava uma pessoa de um coração extremamente dedicado e aberto. Fez dela uma pintura a óleo e deixou para Jenny quase tudo o que possuía, incluindo móveis e objetos pessoais. Muitos desses objetos foram conservados intactos e podem ser vistos hoje no Museu Delacroix.


Sob a coordenação de um artista, o Museu dispõe de workshops semanais, na terça-feira, quando fecha para visitação pública. Essas oficinas são destinadas a adultos ou para estudantes em fase escolar. São feitas dentro da sala principal do atelier de Delacroix, em meio às suas obras. Como a sala não é muito grande, as turmas são limitadas a 20 pessoas. Lá, artistas e estudantes, podem estudar e copiar as obras do mestre, seja desenhando, seja pintando.

Vista do atelier de Delacroix, a partir do jardim de sua casa

As multidões do Louvre

Teto de uma das salas do interior do Louvre, ontem à tarde

Comecei a visita ao Louvre observando três afrescos do pintor italiano Botticelli, feitos mais ou menos por volta de 1483. E ao lado, mais afrescos de mais italianos importantes na história da nossa pintura ocidental: Bernardino Luini, Fra Angélico e Giotto. Também havia um ainda mais antigo, de Cimabue, de 1272.


Na sequência, fui para a sala das pinturas italianas do tempo de Philippo Lippi, Ucello, Alonso Baldovinetti. Lá estava também uma pintura de Botticelli, o "Retrato de um homem jovem".

Detalhe de uma tela de Veronese. O azul salta aos
olhos, assim como os detalhes em dourado

As pessoas passavam em grupos grandes e pequenos, algumas paravam para olhar esta sala. Como era o primeiro andar, e como no primeiro andar fica a sala 6 onde se encontra a Mona Lisa, de Leonardo da Vinci, muita gente vem para ver essa obra em primeiro lugar. Não entrei nessa onda, fui observando a pintura antiga, antes e durante o Renascimento. Vi diversas obras de Rafael di Samzio, de Signorelli,de Perugino, de Antonello de Messina, cujo Cristo foi pintado com característica bastante realista, rosto marcado, expressivo, que parecia ter sido inspirado em um homem comum. Mas depois de ver dezenas de obras desse período, chama a atenção que a pintura era basicamente de temas religiosos; com o Renascimento eram pinturas com temas cristãos, mas também com temas da mitologia greco-romana, assim como retratos de pessoas ligadas ao "poder", terrestre ou celeste. Somente nos países mais ao Norte da Europa, e principalmente após a Reforma Protestante, a pintura se voltava mais para outros temas: retratos, paisagens, naturezas mortas... Lá o poder da Igreja tinha diminuído, ela que determinava as regras de tudo, inclusive da arte.


Mas é belo de ver os azuis conseguidos nas pinturas italianas! Azuis que emocionam até hoje, como o azul de uma tela de Veronese, no vestido de uma mulher. Olhando bem de perto, dá para ver que ele resolveu os detalhes da jóia dourada pendurada sobre o vestido, com pequenos toques do pincel.


Cheguei na sala 6, cheia de gente. Mas nem tanto assim, porque estamos no outono. Nos períodos de férias mais intensos, isso aqui fica completamente cheio. A "Gioconda", de Da Vinci, fica lá no centro da sala, numa parede só dela, protegida por um imenso vidro. O quadro mede 77 por 53 cm, nem é grande, mas é famoso, e milhões de pessoas já passaram por aqui para ver esta obra de Leonardo da Vinci. Impressiona ver de perto. As cores se mantém vivas, frescas. com o brilho que o pintor italiano queria dar a ela. O sorriso dela sorriu para mim também. E para um grupo de crianças entre 5 e 7 anos, que chegaram na sala, guiadas por sua professora, que as levou até a frente do grupo de pessoas.

Crianças francesas admirando a Mona Lisa

Retrato de homem com luva,
de Tiziano

Mais à frente, parei diante de Tiziano, que representa a glória de Veneza, um dos maiores retratistas da época e que inspirou tantos artistas depois, graças à sua habilidade em destacar os traços fisionômicos de suas figuras humanas. Foi ele um dos primeiros que libertou a pintura dos limites da linha e da forma e deu todo o poder à cor, às massas de cor. Isso é muito surpreendente e faz de Tiziano um dos mestres corajosos que criaram novos paradigmas. E, claro, vi duas ou três pinturas de Caravaggio, outro que provocou uma nova ruptura paradigmática na pintura, não só na técnica, mas na temática. Foi o grande inspirador dos holandeses, dos franceses, da arte Realista de Courbet, de tantos outros.


Mais à frente, encontro um artista com seu cavalete, em pleno Louvre, fazendo uma cópia de uma pintura. E mais grupos de crianças e adolescentes passeando pelas salas, parando, ouvindo as explicações de suas professoras. Exatamente em frente à "Barca da Medusa" do pintor francês Theodore Géricault, um dos representantes do Romantismo, um grupo de crianças está sentado ao chão, estudando o quadro. A professora interrogava os pequenos sobre a tela. E eles participavam, dando suas opiniões. Que rosto esse homens apresentam? perguntava ela. Um pequeno perto de mim levantou a mão e respondeu: "Ils sont malheureux" (estão infelizes). Mas um outro apontou um barco ao longe, sobre as ondas, que estava chegando para salvar aqueles homens desesperados, agarrados às taboas de seu barco que naufragou. Fiquei pensando, enquanto observava, nas crianças brasileiras que quase nenhum acesso tem aos poucos museus brasileiros, e com isso perdem ainda, em sua vida escolar, a oportunidade de pode apreciar  obras de arte e de ir criando gosto pelas artes desde pequenas...


Ainda outro grupo - o mesmo que encontrei vendo a Monalisa - sentou-se em frente à "Liberdade guiando o povo às barricadas", de Eugene Delacroix, umas das imagens que são ícones da Revolução francesa. Continuei, indo para a sala da França do Neoclassicismo: David (o que pintou "A morte de Marat"), Guerin, Girodet, Prud'hon e o grande mestre do neoclássico Jean-Dominique Ingres.

Um pintor copista do Louvre, pintando
"Pequeno mendigo" de José Ribera,
ontem à tarde, no Louvre

Fui até a ala dos pintores espanhois, pensando que iria encontra José Ribera, Velazquez, El Greco, Goya... Encontrei todos, parei diante de todos. Em frente ao quadro de Ribera, o "Pequeno mendigo", um outro artista copista do Louvre estava lá fazendo uma cópia, já bastante adiantada. Parei e fiquei vendo seu trabalho.


Na ala enorme separada para os pintores holandeses, encontrei quadros de Willem Key, Rubens, Anton van Dyck, Pieter de Hooch, Jan Lievens, além de outros. E, claro, Franz Hals (A cigana e o Palhaço com alaúde), "O Astrônomo" de Vermeer e muitos quadros, uma sala inteira, de Rembrandt.


Emociona ver de perto esses mestres... Fiquei a poucos centímetros de várias telas de Rembrandt, tentando ver como ele pintava, como ele resolvia problemas complexos como as variações das cores na luz e na sombra. Me emocionei ao enxergar a marca deixada pelo pincel de Rembrandt na tela, e que pode ser visto tantos séculos depois! Lembrei do que o estudioso de arte alemão Heinriche Wollfling falou: quando se encontra um artista como Rembrandt, você não perde ao ver o quadro muito de perto. Você ganha, porque você pode ver - pelas marcas do pincel - "o pensamento do artista". Isso diferencia a pintura linear e a pictórica. Na linear, você não vê os movimentos da tinta quando chega perto. Você vê detalhes da forma, não enxerga ali a mão do artista.


Parei em frente a um dos autoretratos de Rembrandt. Ele fez muitos autoretratos durante sua vida, observando a marca do tempo em seu rosto, as rugas que ia surgindo, as marcas de expressão. E como isso podia ser pintado cada vez com um nivel de dificuldade diferente, trazendo mais desafios ao pintor. Mas o olhar de Rembrandt é inconfundível; e ele está lá, olhando para mim enquanto eu olhava para ele. Olhar enigmático, olhar de artista, que vê o mundo de uma maneira que a imensa maioria não vê. Um olhar em profundidade, um olhar que capta qualquer réstea de luz na mais profunda sombra e que traz essa réstea de luz com sua mão vigorosa, para a tela que aguarda, em seu cavalete, o toque de seu pincel... Grande Rembrandt!


Saí de lá considerando que podia encerrar por hoje minha visita ao Louvre. Ainda faltava ver os pintores franceses do século XIX, mas deixei para outro dia, pois já estava há seis horas dentro do Museu! De passagem, vi algumas esculturas de Michelangelo, além de esculturas ainda mais antigas, preciosidades de várias origens.


Dentro do museu, o mundo se encontra. Ouve-se línguas de muitos lugares sendo faladas ali dentro, pessoas de culturas tão diversas, de europeus a chineses, japoneses, indianos, árabes, latinoamericanos... Multidões que se encontram no Louvre, multidões de pessoas que vêm à Paris para - além de conhecer a cidade - admirar a Arte dos que nos antecederam. Isso ninguém pode desconhecer: as Belas Artes ainda emocionam e mobilizam multidões! A Arte inspira e emociona!

A Barca da Medusa, de Theodore Géricault

Eduard Munch: era o inferno, o que ele via?

O Museu George Pompidou de Paris apresenta de 21 de setembro de 2011 a 9 de janeiro de 2012 a exposição “Edward Munch: o olhar moderno”. Munch, pintor norueguês bastante conhecido principalmente pela sua obra “O Grito”, foi um pintor pré-expressionista. Fui ver pessoalmente esta exposição de um pintor que me interessa e me toca pessoalmente.

O Grito

Cheguei no Museu ao meio dia, não havia fila ainda. Mas muita gente já estava lá. Gente de muitos lugares diferentes, de cores diferentes, de línguas diferentes, se acotovelando dentro das salas do Museu para observar as pinturas desse intrigante pintor norueguês, cuja tela mais conhecida – O Grito – tem sido uma imagem tão recorrente nestes tempos pós-modernos.


Ele é considerado, como artista do século 19, ou pintor simbolista ou pré-expressionista. Era um artista recluso, uma alma que parecia atormentada. Edward Munch nasceu no dia 12 de dezembro de 1863. Era o segundo filho de um médico militar e teve quatro irmãos. Sua mãe, Laura Cathrine, morreu quando ele tinha só 5 anos de idade e foi sua irmã mais velha, Karen Bjolstald, quem lhe serviu de mãe. Quando cresceu, Munch entrou na faculdade de engenharia, que logo abandonou para se dedicar à pintura. Com apenas 18 anos, vende suas duas primeiras telas e aos 19 anos se junta a mais outros seis amigos e cria um atelier em Oslo.

Auto-retrato

Em 1885 ele vem a Paris, onde estuda as pinturas do Salon d’Automne e do Museu do Louvre. Fica bastante impressionado com o pintor francês Edouard Manet. Quando volta a Oslo, começa a pintar três telas muito importantes em sua carreira, duas das quais vi hoje no Pompidou: “Criança doente” e “Puberdade”. A primeira, quando foi exposta pela primeira vez em Oslo em 1886, causou indignação do público. Ele trazia uma novidade temática e estética que era demais para os olhos noruegueses acostumados a pinturas mais suaves.


Em 1889 ganha uma bolsa para estudar em Paris por três anos. Aqui, ele foi aluno, durante algum tempo, de Léon Bonnat. Seu pai morreu em novembro desse ano e ele resolve se instalar em Paris, na periferia, um lugar chamado Saint-Cloud. É dessa época a pintura “Noite”, onde ele parece expressar sua solidão e sua melancolia. Mas o que ele mais sentia prazer em Paris era em frequentar as rodas artísticas que por Paris se multiplicavam nessa época. Aliás, já era assim fazia tempo e isso também tinha atraído o pintor realista Gustave Courbet.

Criança doente

Volta a Oslo em 1892 mas recebe um convite para uma exposição em Berlim, que ele aceita. E se muda para lá. Começa a frequentar um círculo literário de Berlim, o “Schwarzer Ferkel” (Porco Negro), junto com artistas locais. Faz exposições em Dresden, Munich, Copenhagen e Berlim e é nessa época que ele começa a trabalhar na sua famosa tela “O Grito”.


Esta exposição do Geroge Pompidou, mostra as ligações de Edward Munch também com a fotografia e com o cinema, que começava a dar os primeiros passos. Mostra como ele vai sozinho experimentando a fotografia, que dá para perceber em ousados auto-retratos. "Eu aprendi muito de fotografia, diz ele. Eu tenho uma caixa velha com a qual eu tirei fotos incontáveis de mim mesmo. Isso resulta, muitas vezes surpreendente. Um dia, quando ficar velho e não tenho mais nada melhor para fazer do que escrever minha autobiografia, então todos os meus auto-retratos aparecerão em campo aberto ", disse eçe numa entrevista a Hans Torsleff em 1930.

Trabalhadores na neve

A exposição quer mostrar que Munch foi “totalmente moderno". São 140 obras, incluindo pinturas, fotografias, estampas, obras sobre papel, filmes e uma das poucas esculturas do artista. É uma das maiores exposições de Eduard Munch que já aconteceram em Paris.


Edvard Munch não é apenas o pintor da angústia interior. Grande leitor da imprensa nacional e internacional, muito de seu trabalho baseia-se na existência humana, muitas vezes difícil. Muitas pinturas são inspiradas em cenas captadas nas ruas, em incidentes que ele ouviu relatados pela imprensa ou no rádio. Ele não examinava apenas o próprio rosto – como em muitos autorretratos se vê – mas era um observador dos sentimentos humanos mais densos, mais inquietantes, mais assustadores.


Como Rembrandt, ele observava os efeitos da passagem do tempo sobre seu corpo e seu rosto. Até que na velhice, já na década de 1930, foi acometido de uma doença nos olhos, que sangravam, causando a perda súbita da visão direita. Mesmo assim, ele desenha e pinta e faz anotações diárias sobre os efeitos da cegueira.
No Museu Pompidou há uma sala somente desta fase da cegueira de Munch, onde ele fazia desenhos e pintava com o que conseguia ver do mundo. Até que ficou completamente cego em 1936.

Puberdade

Em 1937, os nazistas consideraram 92 obras suas como “arte degenerada”. Em 1940 ele vê seu país, a Noruega, ser invadida pelas forças nazistas, com quem ele recusa qualquer contato.


Eduard Munch morreu em janeiro de 1944.


Pela inquietação que provoca em nós, que observamos suas obras, fica muito questionamento sobre esse homem angustiado que abriu espaço para outros artistas inquietos que vieram a seguir, especialmente na Alemanha, que se juntaram em movimentos de resistência e foram os criadores do Expressionismo. Uma dessas herdeiras de Edward Munch, lembre-se, é Käthe Kollwitz. Artistas que viveram naqueles horrorosos tempos de guerra, quando corpos humanos eram deixados em frangalhos, em carne viva.


Tempos difíceis, angustiantes, sufocantes, vividos pelo avô do meu amigo francês Henri – que me hospeda em sua casa. Um homem que viu esses corpos humanos despedaçados, um homem que não queria ter filhos para não fornecer mais carne humana para o massacre da guerra, o avô do Henri. Mas que escreveu outra história, baseada não na morte, mas na vida: ajudou a fundar o Partido Comunista da França.


Seria esse “ovo da serpente” daqueles tempos estranhos que Munch era capaz de ver e que o teria deixado cego na velhice?

Velando a morte.

Ma vie en rose...

Paris vista hoje de cima do Museu George Pompidou - 19out2011

Estou em Paris, desde ontem e por quinze dias, de onde estarei escrevendo, neste blog, minhas impressões, minhas experiências, minhas vivências nesta cidade que atrai desde sempre tanta gente, mas principalmente os artistas.


Para todo lado que se olha por aqui na Paris antiga, tudo cheira a Arte e a História. Cada paralelepípedo destas ruas, cada esquina - de Montmartre ao Quartier Latin - é testemunha de muita história dessa cultura tão rica e tão cara a nós, brasileiros, que devemos grande parte da nossa própria cultura ao povo francês; assim como tantos outros povos do mundo. Aqui aconteceu a Revolução Francesa, aqui aconteceu a Comuna de Paris. Aqui foi onde dezenas de pintores (além de outros artistas, obviamente) lançaram ao mundo suas cores e sua maneira de pintar. Aqui nasceu a Arte Realista de Gustave Courbet, aqui os fauvistas, os impressionistas, os cubistas... tantos "istas" passaram por aqui. Terra de Poussin, de Délacroix, de Jean Dominique Ingres, de Manet, de Renoir, de Toulouse-Lautrec... Terra de Baudelaire, de Zola, de Victor Hugo, de Gustave Flaubert, de Marcel Proust... Terra de Henri Matisse, Louis Aragon e André Fougeron. Terra escolhida por Picasso e Van Gogh. Terra metafórica de todos os que sonham com um mundo bom e bonito, para a imensa maioria... "Allons enfants de la patrie, le jour de gloire est arrivé!"


Paris dos que sonham que um dia tudo vai ser bom para todos, o mundo vai ser de todos, tudo em comum... Ou, como bem lembrou meu amigo poeta Jeosafá Gonçalves, citando a música "La Boheme":

"Je vous parle d'un temps
que les moins de vingt ans
ne peuvent pas connaître
Montmartre en ce temps là

accrochait ses lilas
jusque sous nos fenêtres..."

Allons-y!