Antonio López: pinto porque é vida, não porque é bonito

O pintor Antonio López pintando na praça Puerta del Sol em Madrid

Antonio López García é um pintor e escultor espanhol, nascido na pequena cidade de Tomelloso no dia 6 de janeiro de 1936. Filho de camponeses, era o mais velho de quatro irmãos. Desde cedo demonstrou muito talento para o desenho e teve como seu primeiro mestre, seu tio, o pintor paisagista António López Torres.

Antonio López

Aos 13 anos de idade, viajou para Madrid para estudar na Academia de Belas Artes de San Fernando, aonde ingressou em 1950 e permaneceu até 1955. Antonio López e outros de seus colegas de formação formaram um grupo que mais tarde ficou conhecido como Escola Madrilenha. Após finalizar seus estudos na Academia San Fernando, ganhou uma bolsa para uma viagem à Itália, onde pode ver de perto as pinturas italianas do período do Renascimento. Esta viagem à Itália o fez valorizar ainda mais a pintura espanhola, que conhecia muito bem, pois era frequentador assíduo do Museu do Prado. Antonio López tem sido, até os dias de hoje, um grande admirador da obra do pintor Diego Velázquez.

Suas primeiras exposições individuais aconteceram em 1957 em Madrid, lugar onde vivia. Em 1961 casou-se com a pintora María Moreno, que conheceu na academia. Tiveram duas filhas, María e Carmen. Ele também foi professor de pintura na Academia San Fernando de 1965 a 1969.

Ao longo de sua carreira, Antonio López tem recebido diversos prêmios, como o Príncipe de Astúrias de Artes, de 1985. Desde 1993 é membro da Real Academia de San Fernando. Em 2006, recebeu o Prêmio Velázquez de Artes Plásticas. Em 2012 recebeu outro prêmio, o Prêmio Príncipe de Viana da Cultura.

Em 1994 recebeu a encomenda de pintar a família real, tela que ficou pronta 20 anos depois, entregue exatamente no final do ano passado, 2014. Esta obra está aberta à visitação pública no Palácio Real de Madrid, na sala de exposições temporais, numa mostra intitulada: O retrato nas coleções reais. De Juan de Flandes a Antonio López”. Além desta pintura, outras 120 obras de artistas como Francisco Goya e Velázquez estão em exposição.

"La Gran Via", pintura de Antonio López

Antonio López costuma dizer que as obras de arte “têm que estar em algum lugar” para serem vistas, seja em espaços públicos seja reduzidas a espaços privados, pois é bom que qualquer pessoa possa ter em sua casa a obra de algum artista.

Sobre o estado atual da pintura, ele tem dito a jornalistas espanhois que “é uma incógnita”, uma vez que “as coisas em que acreditávamos de pés juntos estão vindo abaixo”. Mas acrescenta que somos hoje mais livres do que “no tempo de nossos avós, mesmo que nos atormentemos com o fato de não sabermos muito bem para onde estamos indo”.

Sobre seus atuais projetos, o pintor assinala que está trabalhando numa escultura que lhe foi encomendada, além de outros quadros, entre eles uma pintura de sua família. “Vou pintando um pouco o mundo que me rodeia”, diz ele, que é um artista realista contemporâneo.

Há alguns dias assisti, no Youtube, a uma Conferência com Antonio López dentro do II Ciclo de Criação de Empresas Culturais, que aconteceu em 2011 na Universidade Carlos III de Madrid. Respondendo a questões colocadas pelo público presente, Antonio López vai mostrando seu modo de trabalhar e de pensar a arte no mundo atual.

Fiz um resumo dos temas principais dessa Conferência, em tradução livre, que alinho abaixo:

A pia e o espelho, Antonio López

Sobre sua vida e seu trabalho, se pensa em escrever uma autobiografia:

Após pensar um pouco, Antonio López responde que tem muita dificuldade em relatar como foi seu trabalho desde 1993 até hoje. 1993 é uma data importante para ele, em termos de seu trabalho. Ele acrescenta que trabalha em muitas coisas ao mesmo tempo, em várias pinturas e esculturas.

Sobre sua biografia, ele diz que nada há o que falar, pois a obra é que fala pelo artista. Dá como exemplo a Velázquez:

- Velázquez não abria a boca quase nunca, mas sua vida está toda relatada dentro de sua obra, de seu trabalho. Isso para mim é muito bonito! Eu acredito que na obra do artista está incluído tudo sobre ele.

E complementa que neste mundo de hoje não se esconde mais nada da vida de ninguém, se sabe muito sobre as pessoas em geral. Não há muito o que se acrescentar a nada.

Sobre Velázquez - como ele se inicia em uma pintura tão severa e acaba fazendo um canto à beleza das coisas?

Antonio López responde:

"El membrillo", Antonio López

- Isso é um mistério dos grandes mistério da arte, os caminhos a que ela conduz. Como Velázquez se inicia em Sevilha, uma cidade que parece tão alegre, com uma pintura tão séria, tão severa, herdada da pintura de Caravaggio, que era a mais terrível deste século imediatamente anterior ao dele... Dessa mirada tão verdadeiramente séria, Velázquez acaba criando um canto à beleza das coisas. Transforma sua luz. Não transforma o mais essencial, pois segue fiel a seu interesse pelo real.

- Quando vi de perto uma exposição com toda a obra de Velázquez, que iniciava com a obra feita ainda quando ele morava em Sevilha e terminava com o quadro “As Meninas”, pude ver que ele é o mesmo homem, porém ao longo de sua carreira sacudiu de si todas as aderências, digamos, sombrias, e recupera através do conhecimento um espaço de luz sobre a contemplação das coisas - o que é um caso único.

- Ele foi além do Renascimento e da Grécia clássica, que buscavam o Belo. Mas Velázquez optou por não mentir. Ele não disse “eu vou contar uma mentira bonita a estes contemporâneos meus”, mas “vou mostrar o que também é uma desgraça, este homem prognato que ri, este ser deformado, esta Espanha feia…” Ele fez uma escolha de falar da formosura das coisas como elas são. Ele recuperou, através de sua inteligência, de sua força e de seu equilíbrio, um olhar para o mundo que vai ao encontro das dores do mundo.

- Isso ocorreu muito poucas vezes na história. Na Grécia, quando se buscava pintar uma bela mulher, um belo corpo humano, ofuscava-se as dores desse mundo. E isso influenciou a arte durante muitos séculos. Mas Velázquez via mais que uma senhora maravilhosa, via ao mesmo tempo que havia a fatalidade da vida, que havia a Peste, que as pessoas morriam jovens, que as crianças morriam…

A mesa, Antonio López

- E nos perguntamos: como se consegue, com este material, criar algo “tão sumamente hermoso de mirar”?

Ele responde a si mesmo:

-Porque o homem tem esta capacidade de relacionar-se com o mundo de maneira harmônica, senão não estaríamos aqui. Muita gente passou de maneira natural por estas épocas, na Grécia sobretudo, onde se fez uma opção pela busca do Belo. Depois, ao longo da história, em muitas ocasiões, a arte busca apenas simular o prazer. A Itália foi mestra nisso, desde Rafael em diante, pois o artista parece que existia para tranquilizar a consciência daqueles que lhes pagavam e lhes davam de comer, para alegrar-lhes a vida, para dar-lhes sinais de beleza, mostrar-lhes frutas bonitas, cenas divertidas e pintadas de maneira evidentemente admirável para que o contemplador pudesse purificar-se com toda essa “hermosa mentira”.

- Mas a arte existe para dizer a verdade.

- Então o maravilhoso de Velázquez é que, sem mentir, começa, desde sua juventude em Sevilha, tratando de descrever como era um mendigo, como era a vida, e dentro disso como ver a beleza do mundo. Isso é algo de fato milagroso, que não ocorre mais que uma vez em muito tempo, como forma revolucionária de ver as coisas, como ocorreu com Velázquez. Isso não é obra do acaso. Isso ele conquistou, porque era um homem muito inteligente, e com muito boa saúde, exterior, mas também interior. Não era como Goya, que tinha más paixões, ou como Picasso. Era uma pessoa que verdadeiramente era de um tipo superior.  Se há pessoas que são superiores a outras, como ser humano, uma delas era Velázquez. Então tudo isso ele passou para sua pintura. Se lançou sobre as penas humanas! Se havia que pintar príncipes, pintava também anões, pessoas defeituosas, que tinham problemas de saúde. E deste jeito ele falava sobretudo da beleza do mundo. Então é um fato raro, o que ocorre em Velázquez: ele se iniciou a partir de um lugar sombrio e com isso foi passando cada vez mais a um lugar mais luminoso, sem violentar nada, sem mentir, sem falsear.

Ateliê de Antonio López. Ao fundo, o retrato da família real,
que ele demorou 20 anos para concluir

Sobre as contribuições da arte espanhola:

- A arte espanhola - diz Antonio López - parte de uma visão que se baseia na nobreza do conhecimento. Se a arte espanhola tem contribuído para o mundo é com esta verdade, que o artista incorpora e conta, a partir de um ponto de vista espiritualmente elevado. Que é o olhar pessoal com sensibilidade.

- Então para mim a grande contribuição da arte espanhola é sua capacidade de aceitação das coisas em seus aspectos terrenos e até pouco relevantes. Eu penso que Miguel de Cervantes também é um pouco assim. Todos os trabalhos artísticos dos espanhois têm estado muito nutridos pela observação da vida. A arte nunca pode deixar de estar nutrida pela vida! O milagre da arte espanhola é esta capacidade que temos de colocar uma criança, ou uma mulher, ou um bufão, ou uma natureza-morta, ou uma rua ou um elemento mais ou menos relevante e fazer disso um símbolo do mundo. Isto é o que consegue a arte espanhola.

- Como consegue? Sentindo que aí - como dizia Santa Teresa d’Ávila que dizia que Deus estava nos puteiros - que em qualquer lugar há formosura, pois isso a gente o sente. Ou nesta cara de anão, ou neste rei, dá no mesmo! Velázquez é exemplar. Pintou o rei e pintou o anão no mesmo quadro. O príncipe está lá com sua nobreza e sua rigidez de quem olha do alto. Mas o anão também. Você tem que olhar para o alto onde o anão de Velázquez se encontra! Na verdade, a palavra é: ter respeito diante das coisas! Para mim esta é uma característica da arte espanhola. O respeito pelo que aparece tal e qual diante de nós sem necessidade de alinhar, de corrigir. Isso não é o que ocorreu nem na Grécia e nem na Itália, sobretudo a partir do Renascimento. Não ocorreu na França quase nunca, antes do século XIX. Nem na Alemanha, nem na Inglaterra. Na arte espanhola, a vida sempre está lá, de uma forma ou de outra, mas a vida representada com plenitude, com os elementos da cotidianidade.

Antonio López pintando uma vista de Madrid

- Isto pode ser observado através dos séculos. A nobreza desejava que se pintassem cálices de cristal bonitos, ou como na pintura holandesa, belas naturezas mortas, decorativas, para enfeitar os salões. Então os espanhois, em um momento determinado, em um momento de intuição destes que ocorre na arte, com o artista, encontrou seu lugar. Então quando encontras um lugar muito importante, até te podes mover para fora, mas este será sempre o espaço do artista espanhol. Até Goya e até Meléndez (Luis Egidio Meléndez, pintor de naturezas-mortas). Uma natureza-morta de Meléndez fala da grandeza e não da beleza das coisas reais. Aí está o segredo! Na Grécia, por exemplo, havia um sonho de beleza que não está presente na arte espanhola, como beleza em si mesma!

Como resumir as funções principais da Arte?

- A arte em verdade existe para que uns contem suas emoções a outros que as recebem. As sete ou oito  linguagens da arte (música, poesia, pintura, dança, etc) se inciaram há milhares de ano com uma função: uns criam obras às quais outros adicionam prazer em ouvir, em ver.  Durante muito tempo a arte se desenvolveu como forma de conhecimento. Até que a humanidade, ou o Capital, ou a pequenez humana de certas pessoas tomou a arte e lhe pôs a seu serviço, como se fosse natural que a arte estivesse sempre a seu serviço. Mas a Arte esteve sempre a serviço da verdade, em sua parte mais profunda. Mesmo nos tempos em que pareceu estar a serviço dos faraós, por exemplo, em sua profundidade estava a serviço da verdade. Porém, a partir do Renascimento já não estava mais a serviço da verdade, senão a serviço da vaidade de uns poucos mais ricos e poderosos. Eles queriam ver-se refletidos de uma determinada maneira, espectadores vaidosos que queriam ver umas telas pintadas de determinada maneira e que lhes dessem graça.

- E a verdade deixou de ser prioritária. Mas a grande conquista de nossa época é que o Impressionismo mostrou que o importante da arte é o que ela traz de verdadeiro. E que se não tem isso, não tem nada.

Sobre pintar:

- Quando começamos a pintar um quadro não sabemos como ele vai ser no final. É como quando um casal começa uma relação, o que vai se passar com os dois, como vai ser? Como se pode saber? Pois assim é a relação com uma pintura feita a partir do real. Quando fazes um quadro a partir da realidade, que é cambiante, e mesmo que tenhas muita experiência… como podes prever absolutamente tudo? Não há como saber tudo no processo de uma pintura. Estás criando algo pela primeira vez! Tens experiência de outras pinturas, de outros momentos, mas não exatamente do que pintas agora. Para trabalhar como trabalho eu quase não mudo muito as coisas, mas quando precisa, eu me digo que tenho que mudar. Com o quadro da família dos reis eu fiz uma quantidade de mudanças impressionante; para o mal ou para o bem, as correções e as certezas são guiadas pelo que de bom isso te motiva.

- Quando eu tive a ideia de pintar a Gran Via (uma das ruas principais de Madrid), chamei um amigo para ir um domingo quase de madrugada para vê-la. Eu não gosto de acordar cedo, para mim é muito difícil. Meu amigo então me perguntou: tens mesmo que pintar esse quadro? Eu respondi: Sim, eu tenho. Ele me olhou e me respondeu que essa era uma verdade tão real como uma enfermidade. Era uma forma de me dizer que aquilo estava acima de qualquer outra coisa para mim e que eu não tinha escolha. E aquilo me convenceu.

- Quando se faz um quadro a partir de uma fotografia, se perde toda uma parte de relação vital com o que se pinta. Se perde muito!  A fotografia cria uma dificuldade que é a de nos arrancar de dentro do tempo das coisas. A pintura que é feita a partir da fotografia é de um empobrecimento miserável. Ela não conta a verdade daquilo que está sendo pintado; a conta o fotógrafo. Mas estão todos copiando os fotógrafos. A pintura tem que ser outra coisa! Na arte, as coisas têm seu próprio tempo, e temos que nos virar dentro deste tempo. Não há saltos. A relação do pintor com o real tem que ser direta, em tempo e espaço.

Sobre sua pintura da Puerta del Sol (López está pintando esta praça muito conhecida do centro de Madrid)

- Eu conheço a Puerta del Sol desde que era estudante de arte. É um lugar por onde todo mundo passa, ela é como se fosse uma parte da casa de todos, porque sempre estamos passando por ali. Isso para mim tem um significado muito difícil de definir, porque parece um espaço feio, mas que tem veracidade. Pode ser uma pequena parte, uma coisa que até nos diminua, nessa característica de inferioridade que tem o povo espanhol e que as vezes é tão interessante. Por que Madrid não é Paris? Porque o espanhol se sente muito pobretão, está sempre um pouco abaixo do resto; esse é o aspecto que te quita, mas também te presenteia com aspectos da realidade muito inefáveis. Eu sinto que a Puerta del Sol é assim. A Puerta del Sol e Madrid, por maior que seja, sempre terá algo também pequenito, um pouco dificultoso. E isso é o retrato do povo espanhol. Eu me entusiasmo quando pinto essa coisas em Madrid, porque são a verdade nossa. Há algo aqui que me comove. Pinto para me aproximar daquela realidade.

- Velázquez representa bem essa maneira de trabalho: se pinta porque é vida, não porque é bonito! Tudo o que está cerca de ti, incluindo a ti mesmo. A vida é o único sagrado, não os conceitos! E esta é a grande descoberta do artista espanhol!

Vista de Madrid, Antonio López

Pinturas com palheta reduzida

Tenho feito algumas pinturas usando poucas cores, apenas quatro: Preto de Marfim, Branco de Titânio, Amarelo Ocre e Vermelho de Cadmio. A ideia é experimentar, exercitar, aprender ainda mais sobre o mundo maravilhoso da pintura a óleo, das cores, da arte.

Essa palheta é conhecida há milhares de anos, pois na Grécia antiga um grego pintor, chamado Apeles, pintava com essas mesmas cores. No Renascimento, o pintor italiano Tiziano também fez algumas pinturas com a Palheta de Apeles. Mais recentemente, no final do século XIX e começo do século XX, o sueco Anders Zorn também fez várias obras com preto, branco, amarelo ocre e vermelho.

Aqui abaixo, alguns resultados deste meu estudo, com exceção da primeira pintura ("Fernanda na coxia"), onde também usei o Azul Ultramar:

"Fernanda na coxia", Mazé Leite, óleo sobre tela, 40 x 50 cm, 2014

"Pé do artista", Mazé Leite (after Adolf Menzel), óleo sobre tela, 50 x 40 cm,  2014

"Ariano Suassuna, minha homenagem", Mazé Leite, óleo sobre tela, 40 x 50 cm, 2014

"As velhas botas", Mazé Leite, óleo sobre tela, 50 x 40 cm, (inacabado) 2014

Edward Hopper

"Nighthawks" (Aves noturnas), Edward Hopper, 1941, óleo sobre tela, 152 x 84 cm

“Nighthawks, aves noturnas, falcões notívagos, gaviões da noite, essa gente que, como nós, se distrai e é engolida pelo vazio em uma noite deslocada do tempo, em que tudo pode acontecer, inclusive nada.

(...)

- Vai ver foi. Numa noite dessas, não descreio de nada, nem de alçapões, nem de vazios emolientes, nem de mortos que pintam vazios às altas horas da madrugada.”

O trecho acima foi extraído do livro do meu amigo escritor Jeosafá Gonçalves “Era uma vez no meu bairro - Zona Sul”. No capítulo 9 do romance há um diálogo que parece sair da tela do pintor realista norte-americano Edward Hopper “Nighthawks” (tela acima). Pintada em 1942, logo após o ataque japonês a Pearl Harbor, no final de 1941. Era o começo do envolvimento dos EUA na II Guerra Mundial.

Um de seus desenhos expostos
no Whitney Museum

Mas nestes meses atuais, até 6 de outubro, o Museu Whitney de Arte Americana, de Nova York, Estados Unidos, está fazendo uma exposição concentrada nos desenhos e no processo criativo de Edward Hopper. Esses desenhos revelam sua evolução e seu interesse permanente nos espaços: ruas, cinemas, escritórios, quartos, estradas. São parte de uma coleção do museu com mais de 2.500 desenhos doados por sua viúva, Josephine Hopper. Muitos deles nunca foram expostos antes. 

Edward Hopper foi um pintor realista norte-americano. Mais conhecido por suas pinturas a óleo, ele também foi aquarelista e gravador. Em suas cenas urbanas e rurais, e também nas pessoas solitárias de muitos de seus quadros, vemos refletida a sua visão pessoal da vida moderna. Aquela melancolia de fim de tarde, até certo ponto "aliviada" pelos encontros sociais após o expediente (os happy-hours), o peso na alma, a angústia que às vezes faz doer o corpo físico, coisas assim estão presentes na obra deste taciturno artista norte-americano que se manteve fiel ao realismo até o fim da vida. 

Para quem quisesse compreender qual era o motor que lhe inspirava a pintar, Edward um dia respondeu: “A resposta toda está lá na tela.” 

Quem foi Edward Hopper

Autorretrato, 1925-30, óleo s/ tela

Edward Hopper nasceu em Nova York, EUA, no dia 22 de julho de 1882. Seus pais, de descendência holandesa, foram Elizabeth Griffiths Smith e Garret Henry Hopper, um comerciante de secos e molhados. Teve uma vida até certo ponto confortável, como uma família de classe média. Edward e sua única irmã Marion estudaram tanto em escolas públicas quanto privadas e tiveram uma educação rígida. Seus pais eram da igreja Batista. Hoje, a casa onde viveram os Hopper é um centro cultural, a Edward Hopper House Art Center, aberta à comunidade, sem fins lucrativos, com exposições, workshops, palestras e eventos especiais.

Hopper foi um aluno aplicado e mostrou talento para o desenho desde cedo. Recebeu muita influência de seu pai, um intelectual que amava as culturas russa e francesa. Desde cedo, seus pais encorajaram a sua arte, fornecendo-lhes materiais artísticos, revistas e livros de arte. Na adolescência, Hopper já trabalhava bastante, desenhando com materiais diversos, como carvão, e pintando aquarelas e quadros a óleo. Também já fazia charges políticas. Com apenas 13 anos, em 1895, assinou sua primeira pintura a óleo, que ele intitulou “Barco a remo em Rocky Cove”. Nessa época ele já se interessava muito pelos temas marítimos. Chegou mesmo a pensar em seguir uma carreira ligada à marinha, mas logo após sua formatura resolveu seguir carreira artística.

Desenho de Edward Hopper

Hopper começou seus estudos de arte em um curso por correspondência em 1899. Logo, porém, ele foi transferido para o Instituto de Arte e Design de Nova York. Estudou nesta escola durante 6 anos, tendo também como professor o pintor William Merritt Chase, que o instruiu na pintura a óleo.

Outro de seus professores foi o também artista realista Robert Henri, que dizia que arte e vida devem caminhar juntos. Henri incentivava seus alunos a usar sua arte para "agitar o mundo". E dizia: "Não é o tema que conta, mas o que você sente a respeito dele". Dessa maneira, Hopper foi sendo influenciado por seus mestres, que incluiram também os notáveis ​​artistas George Bellows e Rockwell Kent. Alguns deles, incluindo o próprio Robert Henri, se tornaram membros da "The Eight", também conhecida como Escola Ashcan de Arte Americana.

A Escola Ashcan foi um movimento artístico no Estados Unidos do início do século XX, conhecida por retratar as cenas do cotidiano em New York, principalmente a vida nos bairros mais pobres da cidade. Os artistas mais famosos que trabalharam neste estilo incluía Robert Henri (1865-1929), George Luks (1867-1933), William Glackens (1870-1938), John Sloan (1871-1951), e Everett Shinn (1876-1953), alguns dos quais se conheceram estudando juntos sob a orientação do renomado pintor realista Thomas Anshutz na Academia Pensilvania de Belas Artes. Outros deles se reuniam na redação do jornal da Filadélfia, onde trabalharam como ilustradores.

Estudo para "Nighthawks"

Os artistas da Escola de Ashcan não emitiram manifestos, até porque não eram um grupo unificado com idênticas intenções e objetivos. Alguns eram politizados, e outros não. O que os unia era o desejo de mostrar a verdade sobre o viver na cidade e sobre a vida moderna. Robert Henri, um dos líderes principais deste movimento, queria que a arte fosse semelhante ao jornalismo. Ele queria pintar e ser “tão real quanto a lama, como o cocô dos cavalos congelados pela neve no inverno”. Ele dizia a seus amigos e alunos que deviam se inspirar no espírito de seu poeta favorito Walt Whitman, e "não ter medo de ofender o gosto contemporâneo". E acrescentava que a vida da classe trabalhadora e da classe média forneciam temas muito mais interessantes para pintar do que a vida e os salões da burguesia.

Hopper, portanto, amadureceu como pintor em meio a essas ideias. Durante seus anos como estudante, ele pintou dezenas de nus, estudos de natureza-morta, paisagens e retratos, incluindo seus autorretratos. 

"Sombras da noite", gravura de Edward Hopper

Em 1905, conseguiu um emprego temporário numa agência de publicidade, onde criou desenhos para capas de revistas. Depois dessa experiência, Hopper passou a detestar ilustração. Mesmo assim dependia disso para se manter.

Hopper fez três viagens à Europa, concentrando-se em Paris, onde ele queria aprofundar seus estudos de pintura, assim como o fizeram dezenas de outros seus conterrâneos antes e depois dele. Mas lá estudava sozinho e não parecia muito influenciado pelas novidades da arte daquele período. Mais tarde, ele disse que não se lembrava de ter ouvido falar de Picasso nenhuma vez. Mas tinha ficado muito impressionado com Rembrandt, principalmente pelo quadro “Ronda noturna” que ele disse que foi "a coisa mais maravilhosa que já tinha visto”.

Após esse contato com as telas de Rembrandt, Hopper começou a pintar cenas urbanas usando uma paleta com tons escuros. Ainda experimentou uma paleta clara como as dos impressionistas, mas voltou às cores escuras, com as quais ele se sentia mais confortável. Hopper passou a maior parte de seu tempo em Paris desenhando ruas e cenas nos cafés. Também ia ao teatro. Diferentemente de muitos de seus contemporâneos que imitavam as abstrações cubistas, ele escolheu continuar na linha da arte realista.

"Soir bleu", Edward Hopper, óleo sobre tela

Depois de retornar de sua última viagem à Europa, alugou um pequeno studio em Nova York, e começou a trabalhar para definir seu próprio estilo. Mesmo contra a vontade, voltou -se para a ilustração. Sendo free-lancer, foi obrigado a correr atrás de trabalho, batendo nas portas de revistas e agências. Nesse período, não conseguia pintar. Seu amigo Walter Tittle, ilustrador como ele, descreveu o estado emocional deprimido de Hopper: “Sofrendo... com longos períodos de indomável inércia, sentado por dias seguidos diante de seu cavalete em uma infelicidade desamparada, sem conseguir levantar uma mão para quebrar o ‘feitiço’."

Estudo para "No escritório, à noite"

Em 1912, ele resolveu ir para Massachusetts buscar alguma inspiração e fez suas primeiras pinturas ao ar livre nos Estados Unidos. Em 1913, quando da famosa exposição de arte conhecida como Armory Show, Hopper conseguiu vender sua primeira pintura, “Vela”. Tinha 31 anos. Logo se animou e pensou que iria conseguir vender mais obras. Mas se passaram muitos anos até que fosse reconhecido. 

No ano seguinte, recebeu uma encomenda para fazer ilustrações para alguns cartazes de filmes e de publicidade para uma empresa de cinema. Mesmo que ele não gostasse desse trabalho, Hopper adorava teatro e cinema, que acabaram sendo também temas para suas pinturas e influenciaram a composição de seus quadros. Em 1915, voltou-se para a gravura e produziu cerca de 70 obras. Quando podia, fazia também aquarelas ao ar livre.

Edward Hopper

Embora estes tenham sido anos frustrantes, ele não deixa de ter algum reconhecimento. Em 1918, Hopper foi agraciado com o prêmio Prize Board por seu cartaz sobre a guerra, "Esmagar Huno". Além disso, ele expôs obras suas em três ocasiões: em 1917, na Sociedade de Artistas Independentes; em janeiro de 1920, numa individual no Whitney Studio Club (precursor do atual Museu Whitney); e em 1922, novamente no Whitney. Em 1923, recebeu dois prêmios por suas gravuras : o Prêmio Logan da Chicago Society of Etchers, e o Prêmio WA Bryan.

Em 1923, conheceu sua futura esposa Josephine Nivison, artista e também ex-aluna de Robert Henri. Casaram-se um ano depois.

O artista voltou-se mais uma vez para pintar e desenhar a arquitetura norte-americana, tanto urbana quanto rural. Aos quarenta e um anos, Hopper já vivia de seu trabalho de pintura. 

Continuava um homem recluso, de poucas palavras, taciturno, um tanto melancólico. Vivia uma vida simples, longe dos eventos sociais que já lhe davam fama. Passou pela década de 1930 produzindo muito. Durante a década de 1940, passou um período de relativa inatividade, mas foi quando pintou um de seus quadros mais famosos, o "Nighthawks" acima. Passou por vários problemas de saúde. Na década de 1950 e início de 1960, criou várias de suas obras mais importantes, entre elas “Primeira fila da orquestra” (1951); “Manhã de sol” ; “Hotel by a Railroad”, 1952; “Intervalo”, em 1963.

"Autòmato", 1927, óleo s/ tela

Sua vida foi relativamente calma e ordenada. Não passou por mudanças bruscas e mesmo que tenha passado curtos períodos na Europa, ele passou mais de 50 anos, até sua morte, trabalhando em seu ateliê da rua Washington Square North, no último andar do prédio, em Manhattan, Nova York. Teve uma vida modesta ao lado de sua esposa, Jo, também pintora.

Sua pintura desde o início reflete seu interesse na tradição dos mestres holandeses, especialmente Rembrandt e Franz Hals e, dos franceses, seu fascínio por Édouard Manet. Paisagista e interessado em pintar casas e prédios, Hopper se interessou muito também pela imagem da mulher. Em muitos de seus quadros, mulheres solitárias, muitas vezes nuas, parecem representar a solidão humana diante de um mundo que crescia muito e que parecia engolir o sujeito. Sua mulher também foi modelo para suas pinturas muitas vezes.

Hopper morreu em sua casa, em Nova York em 15 de maio de 1967. Sua esposa, que morreu dez meses depois, doou sua coleção com mais de três mil obras para o Museu Whitney de Arte Americana.

Edward Hopper manteve-se fiel a seu estilo figurativo e realista, como o fizeram tantos outros pintores, norte-americanos ou não, entre eles Lucian Freud. Ele se manteve coerente a uma máxima de Wolgang von Goethe, a qual citava e concordava: 

"O início e o fim de qualquer atividade artística é a reprodução do mundo à minha volta através do mundo dentro de mim..."

"Moça costurando", Edward Hopper, 1921, óleo sobre tela

Bonjour, Monsieur Courbet!

Bonjour Monsieur Courbet, 1854, óleo sobre tela, 149x129cm, Museu Fabre, Montpellier

Neste dia 10 de junho de 2011, comemoramos os 192 anos de nascimento do pintor francês que inaugurou a Escola Realista: Gustave Courbet. Ele também foi um dos communards – membro ativo da Comuna de Paris – cujo aniversário de 140 anos também são comemorados neste ano.


Foi em Ornans, uma pequena cidade a leste de Paris, que nasceu Gustave Courbet, em 10 de junho de 1819. Era o mais velho de uma família de quatro filhos, por quem Courbet sempre expressou muito carinho, pintando muitos retratos dos pais e irmãos, às vezes localizando-os em meio a outros personagens de suas telas grandes. O mesmo carinho ele tinha por sua terra natal, que serve como pano de fundo para muitas de suas pinturas.


Courbet aprendeu a pintar ainda adolescente com um professor de sua cidade, seguindo depois para Besançon para continuar seu treinamento. Tinha apenas 18 anos. Aos vinte, foi para Paris. Começou um curso de Direito, mas logo abandonou para seguir a carreira de pintor. Frequentou alguns ateliês, mas principalmente o Museu do Louvre, onde fez cópias de mestres como Rembrandt, Franz Hals, Rubens, Caravaggio e Ticiano. Dos mestres espanhois, ele descobre Vélazquez e Zurbarán. Dos franceses, se inspira nas grandes composições de Géricault e Delacroix – dois mestres do Romantismo – para executar as suas próprias grandes telas como o “Enterro em Ornans” e “Atelier do artista”, que eu tive o imenso prazer de admirar pessoalmente no Museu d’Orsay de Paris, em agosto de 2010.


Uma das características da personalidade de Courbet era ter uma profunda autoconfiança e ser muito ousado. Courbet possuía um espírito inquieto, rebelde, de caráter e pensamento artístico semelhantes ao pintor italiano do período Barroco, Caravaggio. Foi dessa forma, portanto, que ele com uma “confiança inabalável em si mesmo e com uma tenacidade indomável” – como relatou seu amigo Jules-Antoine Castagnary, crítico de arte e jornalista – deu início a uma prolífica carreira artística que o fez entrar para a história como o pintor que inovou as artes plásticas de seu tempo e deu início à pintura Realista. 

Enterro em Ornans, 1850, óleo sobre tela, 315 cm × 668 cm, Museu d'Orsay, Paris

Realismo - Em 1848, ele conhece e se torna amigo de Jules Champfleury, jornalista, escritor e crítico de arte. Amigo dos romancistas franceses Victor Hugo e Gustave Flaubert,  Champfleury deu, vamos dizer assim, a base teórica da arte realista de Courbet e foi seu principal defensor, publicando em 1857 o ensaio “Le Réalisme”.


Courbet já tinha reconhecimento público em Paris, e o Estado lhe comprara o quadro “Une après-dînée à Ornans”. Mas suas pinturas já começavam a ser motivo de escândalo, pois elas demonstravam pictoricamente o resultado das ideias socialistas que impregnavam as mentes de frequentadores dos cafés e revolucionários de Paris, como ele: em 1849 apresentou uma das primeiras de suas grandes obras realistas: “Os britadores de pedra” (essa tela, infelizmente, foi destruída no bombardeio britânico da cidade alemã Dresden em 1945, na Segunda Guerra).


Courbet apresentou também a imensa tela “Enterro em Ornans”, com quase sete metros de largura e mais de três de altura. Não demorou para sofrer duras críticas dos conservadores: até então, telas grandes como aquela eram destinadas a expressar cenas de batalha, feitos heróicos do passado, com figuras proeminentes das classes dominantes. Mas ao afirmar que “a arte histórica é, em essência, contemporânea” Gustave Courbet demonstrava seu desejo de fazer uma reforma no gênero de pintura histórica. Até mesmo o título original do “Enterro em Ornans” mostra esse desejo dele: “Pintura histórica de um enterro em Ornans”, que representa uma cena de cemitério com figuras humanas comuns, pessoas simples da sua cidade natal. Ele defendia que a história contemporânea merecia ser pintada em tamanho grande, e que nelas aparecessem também pessoas comuns.


Nesse período, Courbet conheceu aquele que ia ter um papel decisivo na sua carreira: Alfred Bruyas, um rico colecionador de arte de Montpelier, que compra “As banhistas”. Desde então, Bruyas se tornou um verdadeiro patrono do artista, que pode, a partir de então, viver de sua pintura. Já era também admirado no exterior, e Berlim e Viena disputavam entre si as exposições de Gustave Courbet.


Vivia seu apogeu. Em 1854 apresentou o também imenso quadro “O Atelier do Pintor”, um verdadeiro quadro-manifesto, que apresenta as escolhas artísticas e políticas de Courbet. Nesse período, círculos de artistas e intelectuais enchiam os cafés de Paris. Courbet frequentava o grupo do poeta Charles Baudelaire, dos filósofos Proudhon e Marc Trapadoux, dos críticos de arte e escritores Champfleury e Fernand Desnoyers, entre outros, jornalistas, artistas e ativistas políticos. Reuniam-se até altas horas da noite, onde elaboravam suas teorias que posteriormente se transformavam em artigos de jornal, ou em panfletos, ou em obras de arte. Fiquei bastante tempo em frente a essa imensa tela, lá em Paris, admirando e observando as pinceladas que Courbet dava com tanta maestria, num trabalho que deve ter sido de muito difícil execução. Lá, no Museu d’Orsay, ela fica exposta numa imensa parede, num local de destaque.

Atelier do Pintor, 1855, óleo sobre tela, 361 cm × 598 cm, Museu d’Orsay, Paris

No centro da tela, aparece o próprio Courbet, frente a seu cavalete. Logo atrás dele, uma modelo nua olhando para a tela, onde ele pinta uma paisagem. Ao lado do pintor, um pequeno garoto admirado com o quadro. Uma mulher, de braço dado com seu marido, visita o atelier. Logo atrás do casal, o poeta Baudelaire lê um livro. Outros poetas e músicos se agrupam na tela. À esquerda, diversos tipos sociais, um mendigo, um judeu, uma mulher do povo, um agente funerário, um feirante, um caçador... Courbet deu a esse quadro um subtítulo: “Alegoria real determinando uma fase de sete anos de minha vida artística”. Numa carta a seu amigo Champfleury, ele diz: “É a história moral e física de meu atelier, em primeiro lugar; são pessoas que me servem, que apoiam minhas ideias, que participam do meu trabalho. Estas são pessoas que vivem a vida e a morte, é a sociedade em sua altura e sua baixeza, e também em sua medianidade. Em uma palavra, é a minha maneira de ver a sociedade em seus interesses e suas paixões. É o mundo que vem para ser pintado em meu atelier”.


Em 1855, Napoleão III ordenou que se construísse o Palais des Arts et de l’Industrie, com a finalidade de apresentar produtos da agricultura, da indústria e das belas artes, em reação ao governo inglês que tinha construído o Palácio de Cristal, onde iria acontecer a primeira exposição de artes realmente internacional. Mas Courbet ficou de fora da exposição de Napoleão.

Peneiradoras de trigo, 1854, óleo sobre tela,
131x167cm, Museu de Belas Artes de Nantes

Indignado, e com o apoio de Alfred Bruyas, Gustave Courbet resolveu fazer uma exposição paralela, num galpão construído para este fim, bem ao lado de onde iria acontecer a exposição oficial. Quarenta quadros foram expostos aos visitantes, que também podiam adquirir um pequeno folheto onde estavam impressas as idéias básicas de Courbet. O título da exposição-manifesto era: DU RÉALISME. “Ser capaz de traduzir os costumes, as ideias, os aspectos de minha época, ser não somente um pintor, mais ainda um homem; em uma palavra, fazer uma arte viva, tal é meu objetivo”, dizia ele no folheto. Estava inaugurado oficialmente o Realismo nas artes plásticas.


Comuna de Paris -  Courbet, já republicano e socialista, partilhava com seus contemporâneos a crença de que a arte podia ser uma força social. Seu ciclo de amigos desprezava os valores burgueses e defendia valores revolucionários. Convém lembrar que, nesse período, Karl Marx e Friedrich Engels já elaboravam as teorias que eles expuseram no “Manifesto Comunista” de 1848.


Esses ideais de Courbet e seus amigos aliavam-se aos apelos do povo por mudanças profundas na França. Em muitos outros países, o mesmo sentimento revolucionário gerava movimentos nacionalistas e liberais impulsionados não só pela própria burguesia que exigia governos constitucionais, como por trabalhadores e camponeses que se rebelavam contra as formas de vida impostas pelo capitalismo.

Cartão da Federação dos Artistas da
Comuna de Paris pertencente a Gustave Courbet

Durante os quarenta dias do governo revolucionário conhecido como a Comuna de Paris (governo revolucionário operário e socialista que comandou Paris de 26 de março a 28 de maio de 1871), Gustave Courbet ocupou o cargo de Presidente da Comissão para as Artes. 


Enquanto Paris foi sitiada pelos exércitos prussianos e muitos deixaram a capital, Courbet não recuou. Provavelmente recordando seu avô, um revolucionário sans-cullote de 1789, Courbet acompanhava com muito interesse os acontecimentos políticos na França desde 1849.


Como relata Pierre Georgel no livro “Courbet, le poème de la nature”, a Comuna de Paris foi uma fase radiante para Courbet. Era “o preâmbulo lírico do drama”, era o povo tomando a si o poder, era a vitória das cooperativas de trabalhadores, era a educação gratuita e obrigatória, a utopia federalista e internacionalista tomando corpo... “Courbet acreditava ver a realização de seu sonho; ele jamais tinha sido tão feliz”, diz Georgel. 


“Estou aqui no meio do povo de Paris – escreve Courbet a sua família – metido até o pescoço nos acontecimentos políticos. Paris é um verdadeiro paraíso; nada de polícia, nada de agressão, nenhum tipo de extorsão, nenhuma disputa. Deveria ser sempre assim!” Eleito para o Conselho da Comuna e como delegado para a Instrução Pública, ele também acumula a função de presidente da Federação dos Artistas, que sucede à Comissão das Artes. Se dá como objetivo “a livre expansão das artes, livre de qualquer tutela do governo e de todos os privilégios ". Ele escreveu uma famosa Carta aos Artistas da Comuna de Paris, publicada aqui.

Mas o resultado foi trágico e atropelou as esperanças do pintor-communard: Paris foi isolada, sitiada e esmagada, sob o comando de Louis Adolphe Thiers, instalado em Versalhes, que fez a paz com a Alemanha (inimiga da França na época), para esmagar a Comuna de Paris.


De um lado, a cidade está em chamas e centenas de reféns são assassinados. Vinte mil pessoas foram executadas sumariamente, e milhares deportadas. Um quarto da população de trabalhadores foi atingida pela repressão brutal, torturados e executados sem qualquer comprovação de que fossem de fato membros da Comuna. A cidade parecia um rio de sangue.
E Gustave Courbet, depois de ter lutado toda uma semana inclusive para salvar o Louvre do incêndio, foi preso, julgado por um tribunal militar e condenado a pagar uma pesada multa. Foi condenado também a seis meses de prisão, que cumpre sucessivamente em Versailles e, em Paris, numa cela de Sainte-Pélagie e, após, tendo ficado doente, numa casa de repouso em Neuilly, onde permanece em liberdade condicional. Depois de solto, mas ainda perseguido politicamente, exilou-se em Genebra, na Suíça, onde morreu em 1877.


Posteridade - Mas Gustave Courbet já tinha inscrito seu nome na História. 
“Olhe para as sombras na neve, como são azuis!”, disse ele certa vez a seu amigo Castagnary. Essa observação abriu caminho para a investigação sobre as sombras coloridas dos pintores Impressionistas que vieram a seguir . Cézanne, um dos outros grandes nomes da pintura francesa, admirava particularmente as paisagens pintadas por Courbet, de quem imitou a técnica do uso da espátula, além do uso de cores escuras e das pastas grossas de tinta.


Edouard Manet (1832-1883) – outro pintor rebelde que provoca escândalos aos quais responde com sarcasmo – não esconde sua inspiração em Courbet, por seu desejo de se libertar das regras acadêmicas. Outro de seus discípulos foi o pintor norte-americano James McNeill Whistler (1834-1903), de quem se torna amigo. Com ele veio Joanna Hiffernan, conhecida como Jo, modelo e amante irlandesa do artista norte-americano. Presume-se que ela tenha sido a modelo da pintura “Origem do Mundo”, de Courbet, de 1866.


Courbet também exerceu influência sobre Claude Monet (1840-1926), Carolus Duran (1837-1917) e Henri Fantin-Latour (1836-1904), além de Pierre Auguste Renoir (1841-1919).

O pintor Gustave Courbet

Depois de Courbet, a pintura Realista tomou o mundo. Na Rússia, foi amplamente praticada por inúmeros artistas e chegou inclusive a ser uma estética imposta pelo Estado Soviético do período de Stalin, passando à história com o título de Realismo Socialista. Mas se expandiu também pela Inglaterra, Alemanha, EUA e diversos outros países (aqui no Brasil influenciou a pintura de vários artistas, entre os quais Almeida Junior). O Realismo jamais deixou de ser praticado por pintores ao redor do mundo até os dias de hoje.


Os EUA mantém, atualmente, talvez a maior quantidade de pintores realistas contemporâneos, entre os quais David Leffel e Burton Silverman. Na Inglattera, Lucien Freud é um dos principais ícones da pintura contemporânea, realista. Aqui no Brasil, em São Paulo, o Atelier de Arte Realista de Mauricio Takiguthi reúne cerca de cem alunos, aprendendo a técnica – e o pensamento – da pintura realista.