Pequena exposição de Lucian Freud no Masp

Girl with roses, Lucian Freud

O Museu de Arte de São Paulo – MASP – traz pela primeira vez ao Brasil, a partir de 28 de junho, uma amostra da obra do pintor realista Lucian Freud. Infelizmente apenas 6 pinturas a óleo da sua gigantesca produção poderão ser vistas por aqui, pois os organizadores somente conseguiram trazer em maior número gravuras, desenhos e especialmente fotografias do artista, em número de 28. A mostra intitula-se Lucian Freud: Corpos e rostos.

Algumas das gravuras foram feitas por ele na década de 1940, como experimentação da técnica. Somente muitos anos depois, na década de 1980, Freud voltou a fazer gravuras, desta vez com a técnica da água-forte.

Entre as seis pinturas a óleo estão um autorretrato do começo de sua carreira e a tela “Girl with Roses”, de 1947-48.

As 28 fotografias foram tiradas “por David Dawson, seu assistente, amigo e fotógrafo oficial que além de registrar os movimentos do artista e seus modelos no ateliê, costumeiramente servia ele próprio de modelo para Lucian Freud”, diz o texto de divulgação do MASP.

O pintor alemão Lucian Freud

A exposição irá até o dia 13 de outubro, no primeiro andar do MASP. No dia 27 de junho, às 15h, o fotógrafo David Dawson dará uma palestra gratuita sobre seu trabalho como assistente e fotógrafo oficial de Lucian Freud no Grande Auditório do MASP.

“Pinto o que vejo, não o que querem que eu veja”, costumava dizer quando alguém lhe perguntava porque sua pintura era de um realismo incômodo.

Lucian Freud nunca abandonou a pintura figurativa, mesmo quando a moda da arte abstrata se impôs. O crítico e curador José Roberto Teixeira Coelho afirmou sobre isto: “Essa insistência chegou mesmo a causar escândalo quando, em 1976, uma exposição na Hayward Gallery de Londres organizada pelo também artista R.B.Kitaj defendeu o que este chamava “Escola de Londres”, reunindo artistas como o próprio Lucian Freud, Frank Auerback, Francis Bacon, Leon Kossof e outros que faziam do figurativismo um elemento de resistência contra o abstracionismo dominante. Abstracionismo, com Lucian Freud, só aquele acidentalmente feito por seus pincéis quando os limpava nas paredes de seu ateliê, sobrepondo mancha de tinta a mancha de tinta...”

Lucian Michael Freud nasceu em 8 de dezembro de 1922 na cidade de Berlim, na Alemanha. Filho de pais judeus,  Ernst Ludwig Freud, arquiteto, e de Lucie Brasch, ele era neto do psicanalista Sigmund Freud. Lucien emigrou com sua família para a Grã-Bretanha, após a subida dos nazistas ao poder. Logo após a II Guerra ele começou a ser conhecido como pintor, graças aos retratos de personalidades da época.

Certa vez, Lucien Freud disse ao crítico de arte Robert Hughes: “Eu jamais poderia colocar numa pintura nada do que não esteja ali, à minha frente. Isso seria uma mentira deslavada, um golpe baixo.” Isso explica sua escolha pela pintura figurativa, realista.

A obra de Lucian Freud pode ser dividida em duas fases: uma primeira, onde ele estaria próximo das composições surrealistas e em seguida ele se afirma como pintor realista quando aparecem seus primeiros retratos com uma pintura mais diluida. Já mais velho, Freud (que era neto do psicanalista Sigmund Freud) teve o reconhecimento merecido.

Usando grandes pinceladas e grossas camadas de tinta, seus retratos da fase madura são muito marcados pela visão pessoal do artista. Ele não esconde nenhum detalhe dos corpos que pinta, no sentido de "melhorá-los". Por isso seu realismo escancara os rostos e os corpos de seus modelos como ele os via. Lucian Freud costumava pintar com seus modelos posando para ele, às vezes durante dias e dias.

Os modelos nus muitas vezes têm um ar de desolação, de solidão, de melancolia, deitados ou sentados em poltronas velhas do atelier do artista, às vezes em poses que parecem estranhas. A luminosidade da cena era a da luz elétrica mesmo. Em volta dele, nas paredes, podiam ser vistas as gotas de tintas que ele lançava contra as paredes para limpar seus pinceis.

Lucian Freud morreu há dois anos, no dia 21 de julho de 2011.

Exposição 
LUCIAN FREUD: CORPOS E ROSTOS
MASP
Av. Paulista, 1578 - São Paulo
Horários: De 3ªs a domingos e feriados
das 10h às 18h
Às 5ªs: das 10h às 20h

Zumbis

Ontem à noite, 3 de junho, após um dia inteiro de chuva, com tempo bastante frio, aconteceu o vernissage da exposição intitulada "KEEP WALKING DEAD", organizada pelo Studio de Arte Plein Air, em São Paulo. O tema central é o do mundo das trevas onde habitam os zumbis, que perambulam mortos-vivos por mundos escuros, bizarros, desérticos, lunáticos. Um tema bastante recorrente no mundo dos quadrinhos e dos games, por exemplo.

O Plein Air Studio ontem no vernissage

Mas o mais bacana disso tudo foi ver tanta gente lá! Pelos meus cálculos, umas 200 pessoas devem ter passado pelo atelier de Alexandre Reider, Marcus Cláudio e Charles Oak. Enquanto uns passavam observando as obras expostas, pequenos grupos se formavam, as conversas eram animadas, os encontros prazerosos. Márcia Agostini, minha amiga pintora, me apresentou ao Marcus e ao Reider e fui vendo o quanto são tão boas essas oportunidades de juntar gente em torno da arte e o quanto é importante que os artistas figurativos continuem cada vez mais juntos mostrando suas obras, mesmo que à margem da "conceituada" e conceitual arte contemporânea. Não deixa de ser um grande momento de resistência a esse sistema aí, dominante nas artes plásticas atualmente.

Mas se tanta gente enfrentou frio e chuva ontem para ir ver esta exposição de arte figurativa, deve ser um sinal de que a bela e grande pintura está bem viva e com bastante fôlego para sobreviver, ainda por muito tempo, aos maus profetas que vaticinaram que a pintura havia morrido. Também disseram - os arautos da morte - que a arte estava morta, que a história estava morta, que o socialismo estava morto. Bem diz Affonso Romano de Sant'Anna que o século XX foi o século da morte, real e anunciada.

Estavam lá os pintores realistas Maurício Takiguthi, Paulo Frade, Gonzalo Cárcamo e o anfitrião Alexandre Reider. Além deles, outros expositores como Anderson Nascimento, Avelino, Canato, Celso Mathias, Charles Oak, Davi Calil, George Mend, Greg Tocchini, Julia Bax, Leo Dolfini, Maike Bispo, Marcus Claudio, Dwari, Nilo de Medinacelli, Rod Pereira e Rodrigo Idalino.

A exposição do Studio Plein Air traz obras de 16 artistas, entre pintores, quadrinistas e ilustradores, com tamanho padronizado em 30 por 60 cm. Também podem ser vistos os estudos preparatórios para os quadros e há cópias impressas em papel fotográfico no valor de trinta e cinco reais. No sábado, dia 8 de junho, das 11h às 16h haverá um bate-papo com alguns desses artistas e sessão de autógrafos para quem quiser e comprar os prints.

Exposição Keap walking dead

Abertura: 3 de Junho às 19:00

Período: de 4 a 21 de Junho

Local: Plein Air Studio
Rua Cristiano Viana 180

Mais informações:

contato@pleinairstudio.com.br

Abaixo, alguns dos trabalhos presentes na mostra:

Viradas culturais

Virada Cultural 2013: e o povo na rua dançando...

Andar pelo centro de São Paulo lotado de pessoas de todas as regiões desta megalópole é uma sensação muito boa. Desde a Pinacoteca do Estado até o Pátio do Colégio, é possível andar a pé nas ruas sem carro, ver a cidade, observar que ainda temos prédios lindos, que contam histórias dos vários passados desta cidade. Ao lado do vale do Anhangabaú, ainda é imponente o edifício Martinelli, que já foi o mais alto do Brasil por mais de dez anos, desde a década de 1930. Essas centenas de pessoas que passeiam noite a dentro pelas ruas do centro, vieram aqui para assistir a shows de música, teatro, dança, cultura popular, cultura clássica. Essa aglomeração que reune anualmente 4 milhões de pessoas no centro de São Paulo é a nossa Virada Cultural.

O centro de São Paulo ainda é o ponto de confluência dos paulistanos. Lugar de passagem para o trabalho, espaço de comércio, de escritórios, da Praça da Sé, do Largo de São Francisco e das velhas arcadas da Faculdade de Direito da USP. Mas é também o lugar do abandono de prédios e ruas, da degradação das construções invadidas, transformando antigos belos prédios em favelas verticais, como as que são vistas próximas à Estação da Luz. 

E, principalmente, é onde os pobres, os miseráveis, os moradores de rua, os loucos, os menores abandonados e os menores e maiores melientes se juntam em bandos, para se defender ou para atacar, se preciso for... É onde magotes de pessoas que mais parecem zumbis se juntam também para fumar aquela pedra que está virando epidemia em todo o território brasileiro: o crack. Os molambos humanos da Cracolândia agora espalhada, com seus olhares travados e oleosamente úmidos, mal tem consciência do que se passa. Apenas devem ver mais possibilidades de arrumar uns trocados para comprar a próxima pedra...

É aqui, nesta região toda, bela e triste, encantadora e amedrontadora, que acontece desde 2005 o maior evento cultural da cidade de São Paulo.

Gal Costa, na Virada Cultural 2013

Neste ano de 2013, todos os torcedores contra a gestão petista na maior capital do Brasil fizeram questão de alardear para todas as regiões que a Virada Cultural “Petista” deu em violência, deu em arrastões e roubos, deu em morte. A Polícia Militar - do governo do Estado, nas mãos do PSDB - fez ouvidos moucos e fechou os olhos para o que acontecia. Não podiam sair de suas bases, disseram eles todas as vezes que foram chamados a intervir.

Pois bem. A Virada Cultural foi criada em 2005 pelo governo Serra, do PSDB. Até onde sabemos, essa gente não tem muito interesse em juntar gente e por isso deve ter se surpreendido quando as multidões foram para as ruas. Porque gente gosta de arte, gente precisa de arte para viver. Como de bebida e de comida, e de saúde e educação, e de segurança e transporte público de qualidade. E gente gosta de passear com os outros do lado, mesmo desconhecidos, para celebrar alguma coisa, ou simplesmente para se ajuntar. E se ajuntar para ouvir música, por exemplo, é uma das experiências mais enriquecedoras do espírito humano; milhares de pessoas cantando juntas é um momento de maravilhamento que nos fortalece e nos aproxima ainda mais.

Mas, na minha opinião, este modelo se esgotou.

A Virada Cultural de São Paulo precisa se reinventar, se redistribuir, se descentralizar e, acima de tudo, a Prefeitura da gestão de Fernando Haddad precisa fazer a “Virada Cultural” que a cidade necessita! E não é num evento único anual que isso vai acontecer. A Virada Cultural tem que acontecer no dia a dia da cidade, aproveitando todos os espaços públicos que são muitos, todos os centros culturais que são muitos, todos os museus, bibliotecas, CEUs, escolas municipais, associações de moradores... Esses lugares precisam ter suas atividades culturais em TODOS os finais de semana, dando oportunidade para que o povo se agrupe em redor de trupes de artistas, de bandas de música, de teatro, de todas as intervenções artísticas possíveis.

Anualmente até pode-se fazer um resumo de toda esta efervescência cultural da nossa cidade, fazendo uma Virada de 24 horas de arte e cultura. Mas DESCENTRALIZADA. 

Por que não levar Gal Costa para cantar em São Mateus, por exemplo? 

Por que a Orquestra Sinfônica de São Paulo não pode ir se apresentar no Jardim São Luís e a Daniela Mercury na Vila Sabrina? 

Por que a Viradinha Cultural não pode se espalhar pelos CEUs e escolas municipais da cidade, dando oportunidade para todos os artistas voltados para o público infantil poder se apresentar? 

Por que não se pode abrir todos os Museus da cidade nestas 24 horas com entrada livre e gratuita para que todos possam ver as exposições disponíveis nesses espaços culturais? 

Por que os cinemas não podem se integrar e também passar 24 horas de filmes de qualidade, dos clássicos aos brasileiros, para que o povo possa ter escolha entre uma comédia da Globo Filmes e um filme de Charles Chaplin, por exemplo? 

Por que as Bibliotecas Públicas não podem abrir por 24 horas as suas portas para que o mundo dos livros seja conhecido e absorvido por nossa gente?

São questões que precisam ser revistas por uma gestão popular na Prefeitura de São Paulo, sob o comando de Fernando Haddad. Já sabemos que a gestão de Dilma Roussef não tem dado a devida importância à Cultura brasileira, não a mesma que foi dada por Luis Inácio. O Secretário de Cultura de São Paulo é ex-Ministro da Cultura do período do Presidente Lula, que apoiou a criação dos Pontos de Cultura, que apoiava o Cultura Viva, que tinha interesse em dar vez aos produtores culturais de todo o Brasil, de norte a sul. Cabe a nós torcer para que ele se volte para a vida cultural de São Paulo que acontece no dia a dia? 

Há milhares de artistas por aqui, de todos os naipes e linguagens, fazendo seu trabalho, uns mais outros menos silenciosamente, diariamente, em todos os recantos, desde a Zona Leste à Zona Sul, do Centro, da Zona Norte e da Zona Oeste. Basta ver o crescimento dos Saraus poético-músico-literários que abastecem com arte as periferias da cidade. Basta ver as feiras de arte, as rodas de samba, as bandas de garagem, os grupos de teatro, de circo, de poetas, de grafiteiros, de hip-hop, os pintores em seus ateliês, os desenhistas urbanos, as festas de padroeiros, os batuques nos terreiros, a dona de casa que canta no tanque de lavar roupa...

Porque o ser humano precisa de Arte para viver, sim! A vida não é só o automatismo do comer-beber-dormir, e trabalhar só para se manter vivo! A vida é mais: exige força, exige combate, exige coragem, exige lucidez para lidar com os embates diários da existência em um sistema injusto onde a distribuição da riqueza produzida pela maioria imensa é apossada por uma minoria absurda! Mas viver também é sonhar, é criar, é imaginar e tudo isso necessita de expressão. Sem arte, sem o simbolismo que a arte proporciona, sem o prazer da alma que a arte propicia e que eleva o ser humano ao status de criador e que produz encantamento, o que resta? Ir para os aglomerados de desesperados que lotam os templos evangélicos ou os infestados caminhos das drogas?

As escolhas são feitas diariamente, senhores. E o caminho da fruição artística e da riqueza cultural do nosso povo e dos nossos artistas está aqui diariamente, senhor Secretário!

Exercícios em busca da forma

"A missão da arte não é copiar, e sim expressar a natureza! Você não é um mero copista, é um poeta! - exclamou vivamente o velho pintor, interrompendo Probus com um gesto dramático. (...) Temos de captar o espírito, a alma, a fisionomia das coisas e dos seres. (...) uma mão não está apenas ligada ao corpo; ela expressa e perpetua um pensamento que é preciso captar e traduzir. Nem o pintor, nem o poeta, nem o escultor podem separar o efeito da causa, que inelutavelmente contêm um ao outro!

(...)

É preciso descer o suficiente até a intimidade da forma, perseguir essa forma com suficiente amor e perseverança em suas fugas e desvios. A beleza é uma coisa severa e difícil, que não se deixa alcançar fácil: há que esperar seus momentos, espreitá-la, estreitá-la e enlaçá-la firmemente para obrigá-la a se render. A forma é um Proteu bem mais inapreensível e fértil em sinuosidades do que o Proteu da fábula; só depois de longos combates é que podemos forçá-la a mostrar-se em seu verdadeiro aspecto, (...) até que a natureza se veja forçada a mostrar-se desnuda e em seu verdadeiro espírito. 

(...)

A forma é, tanto nas suas figuras quanto para nós, um intérprete que comunica ideias, sensações, uma vasta poesia."

(Honoré de Balzac, em Le chef d'oeuvre innconnu)

Eis aqui mais alguns dos meus combates com a forma, nesta manhã, no Ateliê Takiguthi:

Pinturas Negras de Goya

Os desenhos acima, e abaixo,
foram feitos com base nas
Pinturas Negras
de Goya, no Museu do Prado,
Madrid, abril de 2013

No Museu do Prado, em Madrid, há uma ala especial para o pintor espanhol Francisco Goya, a Ala Goya. Nessas salas estão inúmeras das pinturas deste grande artista espanhol, incluindo as conhecidas Pinturas Negras.

Ao chegar à sala das Pinturas Negras, que me impressionaram muito, resolvi começar a desenhar, com lápis-carvão e grafite. Os desenhos ilustram este post. Neles, tentei captar essas expressões.

As 14 pinturas que formam o conjunto denominado de Pinturas Negras foram feitas na fase final da vida do pintor, pintadas diretamente sobre as paredes de sua casa, conhecida como a Quinta del Sordo, nos arredores de Madrid e às margens do rio Manzanares. São chamadas assim porque Goya usou pigmentos escuros e negros em temas que também são sombrios. Ele pintou diretamente sobre as paredes de sua casa, com óleo. Depois de sua morte, anos depois, estas pinturas foram trasladadas das paredes para telas, um trabalho que durou anos e foi realizado por Salvador Martinez-Cubells, que era restaurador do Museu do Prado.

Goya já estava velho e doente. E como tinha sido um ativo militante dos ideais explicitados pela Revolução Francesa, ele também era perseguido. Talvez o peso das expressões, dos gestos e da temática geral deste conjunto de pinturas tão carregadas de preto estejam na própria fragilidade de um corpo doente e que envelhecera, o que fazia sofrer Goya. Em 1819 ele foi atingido por uma grave doença que lhe deixou muito prostrado e à beira da morte. Mas sua fragilidade se devia também ao fato de que a instabilidade em que se via a Espanha após o levante constitucional de Fernando Riego, o fizera se resguardar. Ele tinha sido um grande crítico da vida política e social de seu país, não só através da sua pintura, mas principalmente como gravador e caricaturista. Satirizou a religião com suas romarias, procissões e rituais incentivados pela Santa Inquisição; reagiu contra a invasão do exército francês na Espanha em 1808; criticou o Estado espanhol.

Um de seus quadros mais conhecidos - que esté em outra sala no Prado, pois não faz parte das Pinturas Negras - é a grande tela "Os assassinatos de 3 de maio de 1808", onde um grupo de espanhois presos que serão executados se deixa mostrar na figura de um jovem líder de camiseta branca e braços abertos que recebe o foco principal de luz do quadro. Em oposição a ele, de armas apontadas, o pelotão francês de fusilamento, uma massa opaca e rígida como uma máquina de guerra. O peso dessa máquina ameaça o frágil indivíduo, que ao mesmo tempo, de braços abertos, mostra que não teme a máquina, o sistema. 

As Pinturas Negras foram feitas por Francisco Goya entre 1820 e 1823. Nelas há figuras de homens em duelo, padres, freiras e os esbirros da Inquisição. Para ele este mundo já tinha sido ultrapassado pelos ideais novos, pelo tempos novos trazidos pela Revolução Francesa. Talvez pintando estas cenas dentro de sua casa estava livre da censura de qualquer tipo, podendo fazer o que bem entendesse, como entendesse. Por isso que essas imagens, essas 14 pinturas, são tão fortes e parecem significar um manifesto do artista contra todo conservadorismo.

Em maio de 1823, tropas de soldados invadem Madrid com o objetivo de restaurar a monarquia de Fernando VII. A repressão foi imensa a todos os que se opunham à monarquia.   Francisco Goya, temendo por sua vida, resolveu ir embora da Espanha, se refugiando na cidade de Bordeaux, na França, chegando lá em 1824. Desenhou muito ainda nesse período de exílio, que durou até sua morte. Nos desenhos dessa fase final de sua vida há o predomínio de figuras das classes mais humildes e dos marginalizados, assim como figuras de velhos, como um que caminha com a ajuda de uma bengala, barba longa, ar cansado. Dizem que seria seu autorretrato da época, pois o título deste desenho Goya colocou como "Ainda aprendo".

Francisco de Goya y Lucientes morreu em Bordeaux, França, no dia 16 de abril de 1828.

Sobre ele, escreveu Charles baudelaire no poema "Os Faróis", presente na coletânea As Flores do Mal:

(...)

Goya, lúgubre sonho de obscuras vertigens,

De fetos cuja carne cresta nos sabás,

De velhas ao espelho e seminuas virgens,

Que a meia ajustam e seduzem Satanás

(...)

Desenho com lápis-grafite - pintura original de Francisco Goya,
intitulada "O cão semi-submerso"

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Alguns outros desenhos de observação feitos no Museu do Prado:

Um rápido sketch (o Museu ia fechar) em frente ao quadro "Os assassinatos de 3 de maio de 1808"

Natureza-morta ou o momento poético

Óleo sobre tela, 50 x 40 cm, abril 2013

"Siento un gran respeto por la realidad, porque la realidad es la que tiene que dar todo. De ella tienes que tomar lo que más te guste"

Antonio López, pintor realista espanhol

Terminei este estudo, sob a arientação do professor Maurício Takiguthi, de uma das naturezas-mortas de um aluno da escola do pintor norte-americano David Leffel. Não se trata somente de uma simples cópia minha. Trata-se de aprender como essa escola realista pensa a pintura. Nesse sentido, isto não é simplesmente uma natureza-morta, mas um conceito, um pensamento sobre o que é pintar. Para o pintor realista, o mundo à sua frente possui uma cadeia de relações que estão - e devem estar - presentes numa boa pintura. Não se trata só de desenhar, dar pinceladas, colorir, ver a incidência da luz, as sombras, etc.

É preciso ver além da aparência, penetrar profundamente no real à nossa frente, permitindo que ocorra essa relação dialética entre o pintor e seu mundo. Por isso Leffel também insiste que além de aprender a pintar é muito importante aprender a "pensar visualmente". Pintar imagens, ensina ele, significa também "resolver tecnicamente problemas estéticos", para fazer com que a pintura possa ser também simples e compreendida por qualquer pessoa. As grandes pinturas dos mestres são evidentes por si mesmas, não têm nada de esotéricas. Falam com todos.

Mas o olhar do artista traz ao mundo seu modo pessoal de vivenciar a realidade, em seu

“sublime assombro diante da sabedoria da ordenação do mundo”, como disse Nietzsche. O exercício de observar o mundo, de pintar a realidade pode ser comparado ao momento do despertar, ou, dizendo de outro modo, o momento da tomada de consciência. Não o despertar automático, de todo dia, mas o daquele momento em que de repente algo no mundo se apresente absolutamente NOVO a nossos olhos. E até pode ser um NOVO que já foi visto antes: a luminosidade matutina que colore a sala da nossa casa com uma luz nova; um movimento do seu gato, silencioso e harmônico; o rosto envelhecido da pessoa amada; a mão jovem de sua filha; uma flor que começa a se abrir; uma lua fosforescente num céu de outono... enfim, o Real está aí todo o tempo à nossa frente para ser apreendido, absorvido, percebido de forma profunda e nova.

É preciso, às vezes, recusar as certezas em benefício do espanto! O dia a dia nos encerra no obscurecimento das coisas; tudo se torna trivial, comum, normal, em nossa rotina diária. Por isso é bom esse exercício de buscar outros sentidos nas coisas do mundo, dar uma outra cara a tudo, aumentar nossa capacidade de enxergar, expandir o nosso gradiente de percepção. Buscar novos sentidos, não nos satisfazer com a aparência. Um pintor que pinta só a aparência do mundo está perdendo a possibilidade de deixar que o real seja alcançado de um jeito novo. O que o pintor realista David Leffel ensina e mostra é que há modos diversos de acesso ao real.

O pintor realista é aquele que busca produzir sentidos novos aos sentidos já dados e conhecidos. O pintor realista é como o poeta que usa a matéria-prima da linguagem para falar de algo que muitas vezes nem tem linguagem... Não tem palavras para tudo no mundo... Mas há o sentido, e ele sempre pode ser novo! E é preciso falar dele. Para que as pessoas possam ver o que o artista viu.

Por isso este estudo acima não é só uma cópia de uma natureza-morta de um outro artista. Sou eu mesma querendo entender os modos de acesso ao real que pinto, enquanto aprendo a manejar meus pinceis...

Um curso de pintura em Madrid

Aproveitei meus dez dias em Madrid para praticar um pouco de pintura. Durante cinco dias, quatro horas por dia, fiz as duas pinturas abaixo, na Academia Decinti, dos pintores Alejandro Decinti e Oscar Villalon. A  Academia funciona no bairro de Chamartín, perto do Museu Sorolla.

Alejandro e Oscar me orientaram da seguinte forma: eu iria usar uma palheta bem reduzida, só com as cores primárias e mais preto e branco. O trabalho inicial seria pintar uma grisália com as cores preto e branco, no caso da pintura do velho; uma segunda grisália, onde adicionei o azul cerúleo para que ficasse mais fria, na pintura do negro. Usei como referências duas fotografias do fotógrafo Pierre Gonnord, um francês que mora em Madrid.

No segundo momento do meu trabalho, fui inserindo as cores, respeitando a luz da grisália. Então as pinceladas eram mais transparentes, em camadas, dos tons mais escuros aos mais luminosos. Não cheguei a concluir as pinturas, mas deu para aprender bastante sobre esta técnica. Oscar me disse que os mestres do passado que usavam estas técnicas que incluem as grisálias, os verdaccios e outras bases monocromáticas, faziam isso para isolar a ação do chumbo presente no Branco de Chumbo que fazia com que as pinturas escurecessem. Com esta técnica, a pintura se mantinha intacta, sem sofrer a ação dos elementos químicos que compõem os pigmentos que usamos. O resultado também é diferente da pintura Alla Prima - pintura direta, sem camadas.

Seguem abaixo as duas pinturas, resultado do meu trabalho de 20 horas no ateliê espanhol. A pintura do velho está um pouco mais próxima do fim do que a outra, que ainda precisaria de algumas horas a  mais de trabalho sobre ela. Mas vou deixar assim. Fica como um registro deste curso em Madrid, como aconteceu com o "Moça com brinco de pérola" (original de Jan Vermeer) que pintei em Paris em 2011.

Estudo com base em grisália. Óleo sobre tela. Mazé Leite, 2013, Madrid

Estudo com base em grisália mais fria, com azul. Óleo sobre tela. Mazé Leite, 2013, Madrid

Diário de Madrid X

"Y los sueños, sueños son..."

Puerta del Sol, Madrid, 12 de abril, 18h

Hoje mais uma vez caminhei por horas pelas ruas centrais de Madrid. Puerta del Sol, Calle de la Cruz, Plaza de Santa Ana, Plaza do Teatro Real, Plaza España, Calle de Alcalá... Amanhã minha viagem termina, hora de ir embora.

E aqui termino este diário de  Madrid, nesta sexta-feira já um pouco mais quente desta primavera que já chegou. Volto para meu outono paulistano, com muita experiência destes dias vividos aqui. Passeis cinco dias pintando na Academia Decinti, aprendendo um pouco com os pintores Alejandro Decinti e Oscar Villalon. Agora tenho que voltar para meu próprio cavalete e estudar, praticar. Mas também começar a trabalhar já. Madrid me deu muitos motivos para não me demorar muito em me expressar de novo. E seguir com meus sonhos, que são muitos.

Por falar em sonhos, parei de novo diante da estátua do poeta Calderon de la Barca. E peço a ele emprestado um trecho de seu poema "La vida es sueño", para encerrar minha estadia em Madrid e começar a viagem de retorno a São Paulo e a meu mundo pessoal:
 
 "Yo sueño que estoy aquí,
destas prisiones cargado;
y soñé que en otro estado
más lisonjero me vi.
¿Qué es la vida? Un frenesí.
¿Qué es la vida? Una ilusión,
una sombra, una ficción,
y el mayor bien es pequeño;
que toda la vida es sueño,
y los sueños, sueños son."

Diário de Madrid IX

Hoje conheci o único monumento no mundo - que eu saiba, o que nao significa muito - erigido ao Anjo Caído, o Diabo. Fica no Parque do Retiro, localizado atrás do Museu do Prado, um imenso parque verde, pleno de alamedas e jardins, bom lugar para se passear.

Mas olhando para aquela escultura diabólica, com as carrancas em torno do pedestal, assustadoras como as gárgulas da igreja de Notredame de Paris, fiquei pensando que talvez somente um país como a Espanha, com suas intensidades angulares que sáo capazes de subir aos céus e descer aos infernos, teria uma escultura do Diabo em plena capital.

A escultura foi criada pelo escultor madrilenho Ricardo Bellver (1845-1924) e tem como tìtulo "O Anjo Caído". Diversas vezes já se levantou a questao de retirar a estátua de Lúcifer da Praça pública. Mas até hoje ela continua lá, inquietando os que veem nela a incorporaçao do Mal e deixando outros, como eu, se divertirem com mais esta faceta da cultura espanhola. Dizem que ela está a exatamente 666 metros acima do nível do mar, e, lembre-se, o número da Besta no Apocalipse é o 666...

O povo madrilenho jà deve ter se acostumado com essa obra de arte que teria sido inspirada em um dos versos do "Paraíso Perdido", de John Milton.

Para mim isso também é parte da expressao do povo deste país, isso é muito parecido ao que fazia Francisco Goya. Esta escultura aí, se colocada ao lado das "pinturas negras" de Goya, estaria em um bom lugar. Nao que as pinturas negras falem explicitamente do Mal, no sentido demoníaco. Até pode-se ver uma outra expressao de figuras que poderiam ser meio tenebrosas. Mas o mal, se surge nas obras de Goya, é o mal bem concreto, provocado por forças bem reais: os poderosos, os exploradores, os aproveitadores. As figuras "feias" das pinturas negras estao acompanhando procissoes, ou em grupo em algum ritual religioso. Em uma das pinturas até aparece a imagem de um bode preto, assustador, mas que convive com as pessoas em volta dele. Ou seja, o Mal de Goya é um mal bem concreto, presente na realidade da vida, no cotidiano de todos. Mais no fim da vida, Francisco Goya se interessou muito em  estudar as expressoes humanas de dor, sofrimento, angústia, medo, depressao... O lado negro da alma humana, que nem sempre brilha, sob o peso da existência.

Mas deixemos o ladro negro da Força - da vida - de lado, porque hoje eu fui conhecer também "La Tabacalera", um espaço para exposiçoes artísticas que hoje estáo sob a administraçao do Ministério da Cultura espanhol, mas já foi palco de muitas lutas e ocupaçoes de coletivos de artistas. Este local antigamente era a Fábrica de Tabacos de Madrid. Esta fábrica durou mais de um século e foi lá que surgiram as operárias conhecidas como "las cigarreras", trabalhadoras valentes defensoras de seus direitos, mulheres de espírito rebelde e independentes. Atualmente o prédio serve para exposiçoes de artistas. Andei por lá, fotografei muito, mas como nao tenho aqui como baixar as fotos, isto vai ficar para quando eu chegar em Sao Paulo.

Diário de Madrid VIII

Ontem fiquei sem internet. O wifi do lugar onde estou hospedada resolveu nao funcionar nunca mais. Estou digitando de um locutório e nao tem o til nos acentos deste teclado, entao tudo que for entao, nao, sertao, faisao, estao, sao, nao sao... vai ficar tudo assim mesmo, desculpem aí.

Mas ontem estive vendo a coleçao do Museu Thyssen-Bornemizsa, depois do curso intensivo que estou fazendo na Academia Decinti. Para uma coleçao particular, pertencente a úma só família e que montou esse acervo em duas geraçoes, desde o século XIX, a quantidade de obras para ver è muito grande. Eles têm um pouco de tudo: dos pintores italianos, holandeses, franceses, flamengos, espanhois, ingleses, norte-americanos e até austríacos, suecos, escandinavos e russos. Posso concluir que essa famìlia sabia do que estava acontecendo no mundo das artes e fez questao de adquirir obras de todas as fases importantes da pintura até o século XX.

A coleçao é feita de pinturas clàssicas, de representantes do romantismo, do realismo, do impressionismo, da Vanguarda Russa, das vanguardas europeias do começo do sèculo XX. Tem Kandinsky, Chagal, Max Ernst, Kasimir Malevich, Mondrian, Lucien Freud, John Singer Sargent, Francis Bacon, Edward Hoper e todos os outros mais conhecidos, Van Gogh, Gauguin, Toulouse-Lautrec, Monet, etc. É uma boa panorâmica da pintura dos últimos tempos, inclusive. Mas pára na dècada de 1940.

Para ver arte pós-década de 40 é bom ir a outro grande Museu daqui, o Reina Sofia, que já fui em outra viagem a Madrid e desta vez acho que posso ficar sem. Lembro-me que lá vi "A Guernica" de Picasso, várias outras obras dele, além de Salvador Dali, Miró e esculturas de Gaudi. Foi o que mais gostei. Porque o Reina Sofia está mais focado na Arte Contemporânea que no me gusta mucho...


Uma das pinturas negras, de Francisco Goya

Gosto de ver os mestres de verdade: Diego Velázquez, José Ribera, El Greco, o grande Francisco Goya, Joaquín Sorolla - estes grandes espanhois que muito me encantam. Além dos outros que enchem meus olhos: hoje tive uma overdose de pintura! A riqueza da coleçao de pinturas do Museu do Prado - que fui ver hoje de novo - para terminar meu périplo por lá - é impressionante! Inúmeros quadros de Rubens, Tiziano, Rafael, Botticelli, os irmaos Carracci, Poussin... Inúmeros holandeses e alemaes, inúmeros espanhois, franceses... Anton Van Dyck, Rembrandt... dá para ficar com a alma feliz e os olhos escancarados por dias!

Mais uma vez fiz uns desenhos, especialmente de José de Ribera. Hoje tinham vários pintores com seus cavaletes pintando ao vivo, usando como referência essas maravilhas da arte. Fiquei com uma ponta de inveja destes artistas espanhois que podem a qualquer momento instalar-se dentro do Museu e pintar diretamente dos quadros dos mestres, beber direto na fonte.

Mas meu amigo Marcelo tinha me dado uma sugestao e preciso falar um pouco sobre isso. Marcelo, agora è para você que escrevo. Os espanhois, ah, os espanhois... Nunca tinha percebido, como agora, a expressividade desse povo! Velázquez, por exemplo, teve uma vida meio sem graça (se levarmos em conta a vida maluca de Caravaggio, por exemplo). Vivia na corte, com sua família, servia ao rei, pintava quando era solicitado, viajava para a Itália para comprar obras para o rei... algumas destas obras que hoje meus olhos puderam ver. O cara tinha tudo para ser um reles pintor de corte, de segunda linha. Mas nao! Cada tela que Velázquez pintou dizia muito sobre ele, sobre sua visao de mundo, sobre sua alma. As pinturas de Velázquez sao muito fortes, é impossível nao nos tocar um quadro como "A forja de Vulcano", ou até mesmo "Marte" e as figuras dos anoes e bobos da corte que ele elevou ao nível da pintura dos reis. Ele nao fez nenhuma diferença entre pintar, por exemplo, o retrato do rei Felipe ou moças que trabalham fiando, ou o cocheiro... Sua vida foi de uma pessoa normal? Sua pintura nao é absolutamente de uma pessoa normal! Ele parecia meio bobo, de tao tímido? Sua pintura grita, se escancara, será vista e admirada ainda durante muitos séculos!

El Greco, que se enfiou na pequena Toledo, tem uma pintura fantàstica, que com certeza deve ter inspirado Modigliani (nunca li sobre isso, mas quando vi as figuras esguias dele me lembrei de Modigliani). Sei que inspirou Francis Bacon e, sim, Susana, eu tambèm acho que Bacon deve ter se inspirado em El Greco tambèm. Ele usava tons escuros para as sombras, preto ou cinza. Quase nao tem sombras coloridas, os traços sao fortes, as figuras verticalizadas. Falava El Greco!

José de Ribera, Vicente López, Francisco Zurbarán, Murillo... falam da alma espanhola, da intensidade dos sentimentos que este povo é capaz de ter e sentir, da religiosidade que chega quase ao fanatismo, mas da vida nas ruas, nas casas, nas touradas, nas danças, no amor, no trabalho.

Francisco Goya... este tem me tocado muito ultimamente. Por inúmeras razoes e nem vou falar muito disso aqui agora, porque sei que este é um processo que está se dando e vamos ver aonde isso vai me levar. Acho que Goya me trouxe a esta viagem agora para a Espanha. Goya e Sorolla, os dois juntos, com suas diferenças, um o pintor da luz, o outro o pintor das trevas, mas nesta contradiçao me representam em meus altos e baixos, sobes e desces e os dois tem me falado muito nesta viagem. Sorolla, Goya...

As pinturas negras de Goya, que eu vi, revi e vi de novo no Prado sao de uma expressividade impressionante! Um homem que além de pintor se incomodava com os assuntos do seu país, do seu povo, que se envolveu com as lutas históricas de seu tempo, que pintou os desastres da guerra e a tela "O fusilamento de 3 de maio", mas também as "majas" desnuda e vestida, as gravuras e caricaturas que representavam os sentimentos humanos mais profundos... Francisco Goya é, para mim, uma grande referência.

Joaquín Sorolla, pintor realista do final do século XIX e começo do século XX, tinha como grande forma expressiva a explosao de luz que ele permitia surgir em seus quadros. Pintou muitas vezes na beira da praia, amarrando seu cavalete com cordas por causa do vento, unicamente porque sentia necessidade de trazer aquela luz para suas telas, aquelas pessoas andando na praia, os pescadores, as mulheres e principalmente as crianças. Todo o mundo de Sorolla é um mundo da relaçao com a luz. Ele tinha em sua palheta uma boa diversidade de tons de amarelo. E amava a pintura de Velázquez, aquele homem tímido cuja pintura nada tem de tímida.

Só para terminar, tambèm vi um outro pintor espanhol que me encantou muito: Mariano Fortuny. Quase nao é conhecido, mas é da mesma cepa que Sorolla. Fiz um desenho gestual de uma cópia que Mariano Fortuny fez de uma figura de Velázquez. Como a cópia dele é, por sua vez, uma grande obra, fiquei observando e minha observaçao me fez desenhar para entender melhor.

Um exemplo da luz de Joaquin Sorolla

Diário de Madrid VII

Sala interna do Museu do Prado

O Museu do Prado estava logo ali, muito perto da Plaza Santa Ana. Mesmo sendo domingo não tinha mais fila, porque cheguei às 15h e o museu fecha às 19h. Fui mais tarde de propósito, para não entrar junto com a multidão de turistas. Como voltarei mais vezes, vou com mais calma.

Logo na entrada, o Museu do Prado já se escancara de uma forma impressionante: Tiziano, Tiziano e mais Tiziano! O grande pintor italiano que segundo Heinrich Wölfflin deu as primeiras pinceladas sem linha (isto é mais difícil de explicar, mas quem tiver interesse em saber mais, em outro post está mais claro (clique aqui). E logo em seguida, Rubens, Peter Paul Rubens, uma sala só para ele. E Veronese, Tintoretto, Bassano, Caravaggio, Annibale Carracci, Orazio Gentileschi, muitos italianos. E muitos holandeses, flamengos, franceses e especialmente espanhois.

O Museu do Prado possui o maior acervo de obras de arte espanhola do mundo, com uma coleção que vem desde o século XII. O edifício foi projetado em 1785 por ordem do rei Carlos III para abrigar o Gabinete de Ciências Naturais. Mas outro rei, Fernando VII, incentivado por sua esposa Maria Isabel de Bragança, resolveu destiná-lo a ser mesmo um museu que abrigaria a rica coleção dos reis espanhois.

O Prado foi aberto ao público pela primeira vez em 1819 e em seu primeiro catálogo, havia uma lista com 311 pinturas mas, diz a página informativa do Museu, que na verdade havia um total de 1510 obras que procediam das famílias reais daqui. Esta coleção atual começou a se formar no século XVI, sob a administração do rei Carlos V e enriquecida sucessivamente pelos reis que lhe seguiram depois. Então esta coleção atual teve como berço as coleções reais. O escritor espanhol Ortega y Gasset, numa biografia de Velázquez que estou lendo no Brasil, afirma que Diego Velázquez viajou algumas vezes à Itália, por ordem do rei, para adquirir as mais belas obras da pintura que encontrasse. E o Prado guarda, então, verdadeiros tesouros da arte.

Após ver algumas salas com os pintores italianos, vi que precisava ir direto a dois espanhois e aproveitar as duas horas até o Museu fechar. Vou fazendo assim: organizo minhas idas ao Prado para ver por partes mesmo e não tudo de uma vez. Então fui ver Diego Velázquez em primeiro lugar.

Há uma sala que concentra as obras deste pintor espanhol, mas em muitas outras ele se encontra presente. Esta sala principal é onde fica, em lugar de destaque, seu quadro mais conhecido: "As Meninas". Mas como é mais famoso, atrai as maiores atenções. Fui vendo devagar os outros quadros. A gente não tem muita ideia  de como pinta um artista a não ser quando estamos diante do original. Velázquez é muito mais impressionante do que eu podia imaginar! Seu modo de pintar solto, sem desenhar a forma e os detalhes das coisas está muito implícito no quadro As Meninas. Há nele uma simplicidade impressionante e por isso Joaquín Sorolla estudou tanto Velázquez. Os detalhes das roupas, os pinceis na mão do pintor do quadro, o cachorro deitado no chão, o menino que pisa em cima dele... pinceladas soltas, sem se prender aos detalhes. Mas quando se olha de longe tudo salta aos nossos olhos, tudo se encaixa. Fiquei fazendo esse movimento de me aproximar e me distanciar do quadro, estudando cada pedaço dele.

O quadro é muito grande. E mais da metade da parte superior é uma parede escura de pé direito alto, de onde se vêem vultos de pinturas que se atribuem a Rubens. Ortega y Gasset diz que Rubens ficou 8 meses aqui em Madrid e conheceu Velázquez. Ao fundo há a porta aberta com um homem saindo - ou entrando - no compartimento. Aquilo brilha de forma impressionante! Por algum motivo Velázquez faz nossos olhos irem na direção do pequeno homem no fundo, numa porta aberta. E o grande cavalete do pintor à esquerda também parece querer dizer algo sobre a pequenez da Infanta, da realeza, cujos perfis apenas se vêem em vultos num espelho do fundo.

Mas vi também e me impressionei muito com o quadro "A forja de vulcano", que já tinha visto uma tela antes de mesmo título que foi pintada pelo italiano Jacopo Bassano. Também é uma grande pintura de Velázquez, onde dá para ver que ele usou empasto especialmente no ferro ardente nas mãos do forjador e nos brilhos da roupa do anjo.

Antes de ir até às salas de Francisco Goya, dei uma olhada nas pinturas de José Ribera, o espanhol que foi morar na Itália. A pintura dele é muito intensa, com grandes sombras, pintura que lembra Caravaggio.

Mas cheguei em Goya, em suas pinturas, que estão espalhadas em várias salas, numa ala do Museu dedicada a ele. Lembrei-me de Tereza Costa Rêgo, pintora brasileira de Olinda que me disse que Goya é sempre sua grande referência de trabalho.

Depois de ver todas as salas, fui ver suas pinturas conhecidas como "Pinturas Negras". São denominadas assim porque ele usou muitos tons escuros para pintá-las. Foram feitas diretamente sobre as paredes de sua casa, nos arredores de Madrid. Depois foram transplantadas para telas especiais, restauradas e colocadas no Museu. Fiquei todo o resto do tempo que me sobrava nesta sala impressionante.

Resolvi desenhar. Essa coisa de ficar vendo esses grandes pintores vai dando na gente uma necessidade de aproveitar o momento e registrar em desenho. Peguei detalhes dos quadros, pés, expressões, mãos, rostos. Peguei meu caderno de desenho e um lápis-carvão e fiquei estudando e desenhando. Infelizmente não posso postá-los aqui agora porque não tenho scanner e as fotos da câmera ficam tremidas. Prefiro fazer isso depois, em São Paulo.

Algumas pessoas vieram ver o que eu fazia. Duas senhoras espanholas conversaram comigo: queriam saber que lápis eu estava usando, de onde eu era, o que eu fazia. Quando disse que era "brasileña", elas sorriram e me disseram que foram num evento em Alcalá de Henares, cidade de Miguel de Cervantes, onde o brasileiro Ziraldo ganhou um prêmio como caricaturista equivalente ao Prêmio Cervantes da literatura. Elas elogiaram meu trabalho, se despediram e eu voltei ao meu desenho. As expressões das figuras nas pinturas negras são dramáticas, pesadas, assim como as pinceladas que Goya deu sobre elas. Nesta fase de sua vida, parece que ele já não estava nem aí para as opiniões alheias sobre sua forma de ver e pensar o mundo e sobre sua forma de pintar. Ele expressava o medo, a angústia, o sofrimento das pessoas diante dos acontecimentos do mundo que tocam a alma de qualquer pessoa mais sensível.

Tentei captar essas expressões.

Uma família se aproximou de mim, porque uma menina queria ver o que eu desenhava. Mostrei a ela. Uma menininha menor ainda também ficou na ponta dos pés para ver. Eu me abaixei e mostrei a ela: te gusta? Ela riu e olhou para mim com cara de espanto. A mãe lhe mostrou no quadro a figura que eu estava fazendo. Ela olhou de novo para mim com espanto. Se despediram e sairam. Eu agradeci os elogios. Dois segundos depois a menininha pequena veio até mim e falou sorrindo: "Tu dibujas mui bien!"

A opinião dela será levada em conta o resto da minha vida! Porque há momentos em que uma angústia nos domina, a dúvida toma conta, e muitas vezes um olhar de fora nos reequilibra e nos traz de volta ao centro, ao foco. Desenhei ainda mais segura após a opinião da pequena espanhola.

Diário de Madrid VI

Uma das figuras engraçadas na Puerta del Sol, assustando as pessoas

Domingo de sol, vamos para a rua. Eu e todo mundo desta cidade, onde parece que todo mundo gosta de sair, de passear, de ver gente, de ficar junto. Fui para a Feira de Rastros, uma feira de coisas antigas, usadas e boas. Parece que esta feira existe desde a Idade Média na mesma Plaza del Cascorro, estendendo-se pela Calle de la Ribera de Curtidores, onde ficavam antigamente os matadouros, açougues e curtumes da cidade.

Estava totalmente lotado de gente daqui e de fora. Muita bugiganga pra vender, mas também muita coisa excelente, em especial móveis de design antigo, de madeira muito boa e muito baratos! Pena não poder levar ao Brasil. Em São Paulo esses móveis antigos são caríssimos. 

Aqui em Madrid daria para se montar uma linda casa com algumas dessas peças, sem gastar muito. Eu li em algum lugar que aqui neste bairro também ficava a Fábrica de Tabacos, cujas operárias eram muito batalhadoras pelos seus direitos.

Desci em direção à Puerta de Toledo, uma espécie de Arco do Triunfo, como é comum por estas terras europeias. Na mesma rua, veio vindo em minha direção uma procissão: na frente um grande banner com um ícone de Jesus e atrás dele jovens e velhos, cantando hinos religiosos. Parece que esse tipo de evento toma uma dimensão diferente em lugares como este. De repente me vi como se estivesse na Idade Média e um dos quadros do Goya tinha se transformado em uma Animação... Mas durou um segundo; logo me vi de volta ao século XXI...

Passei novamente pela Puerta del Sol, em direção ao restaurante Miau na Plaza Santa Ana. Assim que cheguei na Plaza, ouvi música. Aqui tem música em todo lugar (e acho que já falei isso antes). Só que, além dos instrumentos, ouvi vozes, muitas vozes cantando juntas. 

Cheguei perto, era um círculo grande de pessoas em volta de dois violinistas que tocavam enquanto todos cantavam. Que lindo isso! Fui cantar com eles! Os músicos tinham distribuído as letras das músicas para as pessoas.

Madrid é uma cidade humana, apesar de tudo. Caminhando por aqui são muitos os momentos em que algo acontece: alguém tocando, alguém cantando, dançando, fazendo performances variadas, alguém desenhando. Povo nas ruas; ruas ocupadas por gente. Lembrei-me de São Paulo, tão difícil, tão caótica para essas manifestações. Kassab, ex-prefeito, chegou a proibir os artistas de rua! Mas o tempo de Kassab acabou e hoje está acontecendo o Festival Baixo-Centro e o Minhocão deve estar lotado de gente, como aqui. Há esperança... E minha filha, Gabriela, está por lá.

Mas voltemos à Plaza Santa Ana. Quando a música acabou, um dos violinistas falou alguma coisa e começou a declamar um poema. Não tive dúvidas: neste momento chamei meu amigo poeta Jeosafá Gonçalves para cá. Falei-lhe: - Vamos cantar juntos con estas personas nesta tierra de tus abuelos, Jeosafá? Nos portamos ao lado de uma senhora que tinha as letras das músicas nas mãos, enquanto ouvíamos a poesia. O músico anunciou a próxima música e todos pegaram seus papeis: "No nos moverán"! Olhei para o Jeosafá: - Mundo estranho, cheio de surpresas! E cantamos todos juntos uma música cuja melodia saiu do fundo de algum lugar qualquer da minha memória porque eu a conhecia! Sei lá de onde! Mas de noite, na internet, descobri porque eu conhecia esta música: claro, é uma música que Joan Báez cantava! Era uma espécie de hino norte-americano de resistência. 

"No, no, no nos moveran! no, no nos moverán!
No, no, no nos moveran! no, no nos moverán!
como un árbol firme junto al rio
no nos moverán.

Unidos en la lucha, no nos moverán
unidos en la lucha, no nos moverán
como un árbol firme junto al rio
no nos moverán!"

- Caraca, Jeosafá, qué es eso?
- Es la vida, Mazé, es la vida!

E fui para o meu almoço.

Diário de Madrid V

O sábado amanheceu ensolarado. Finalmente o sol apareceu! O cèu está muito azul, mas o frio è congelante. A gente se encolhe ao caminhar pelas ruas, enfiando o nariz embaixo do cachecol...

Mesmo assim as ruas estao cheias de gente. Muitos turistas descendo a Gran Via em direçao ao Paseo del Prado, e parecia uma procissao de gente descendo na mesma direçao. Varios grupos, casais, pessoas sozinhas.
Fui para o Museu Thyssen-Bornemizsa, que guarda uma das maiores coleçoes particulares de obras de arte. São da familia de Heinrich (1875-1947) e Hans Heinrich Thyssen-Bornemizsa (1921-2002). O Museu foi inaugurado em 1992 e uma grande parte de seu acervo foi adquirido pela Estado. Há obras do sèculo XIII até da década de 1940. Uma riquìssima coleçao de obras de arte que irei ver logo.

Mas resolvi ver antes a exposiçao "Impressionismo - pintura ao ar livre", uma exposiçao temporaria que reune obras do acervo de museus os mais variados, de diversos paises da Europa e dos EUA. Como sei que é muito dificil ver todas essas obras juntas, fui vê-la. De Camille Corot até Van Gogh, passando por Claude Monet, Sisley, Rousseau e Gustave Courbet, esta mostra apresenta pinturas que foram feitas a partir da influencia da Escola de Barbizon, formada por um grupo de pintores que resolveu ir para o campo, pintar ao ar livre, fora dos ateliês.

Trata-se entao de paisagens. A ideia era pintar os efeitos da luz solar sobre a natureza. Muitos deles fizeram experiencias, pintando a mesma cena em momentos diferentes do dia para captar as nunaces de luz que se modificam com a passagem do tempo. Um deles recomenda que se pinte em duas horas uma cena dessas, ou se for no por do sol, no máximo em meia hora...

Como a quantidade de pessoas querendo ver a exposiçao era muito grande, a organizaçao resolveu fazer a entrada por horários marcados. Mesmo assim era incomodo a disputa para ver os quadros. Havia oito de Gustave Courbet, entre paisagens rochosas, marìtimas, florestas e nuvens. Gosto muito deste pintor francës, um dos fundadores da Escola Realista. Mas la tambem estavam Joaquin Sorolla, Cézanne, Wiiliam Turner (que eu so tinha visto pessoalmente uma vez, no Louvre) e o alemao Adolf Menzel, pintor realista do qual vi uma bela exposiçao de suas pinturas em minha viagem a Berlim em 2010.

Deixei para ver o rico acervo do Thyssen depois, quando tiver menos gente. Fui em direçao ao Museu do Prado. Em frente ao predio, barracas onde pintores vendiam seus quadros, destes que encontramos na Praça da Republica em Sao Paulo, ou na pracinha atrás de Sacre-Coeur em Montmartre, Paris. Eles pintam o que os turistas gostam de comprar. Aqui, cenas locais com touradas, Dom Quixote, espanholas coloridas e suas castanholas. Também retratistas estavam lá oferecendo de desenhar os turistas por 10 euros.

Na igreja de São Jeronimo, ao lado, vi uma cena interessante: um grupo de pessoas vestidas para festa se acotovelava para serem fotografadas ao lado de... um casal de noivos! Os ombros dela estavam nus pois usava um vestido tomara-que-caia. Fiquei com pena dela, neste frio... Ela deve ter marcado a data de casamento e nem imaginava que no mës de abril estivesse tao frio em Madrid! Porque este frio nao é muito comum nesta época...


Segui meu caminho.

Passei em frente à estação Atocha, a estação central dos trens de Madrid. De Atocha saem todos os trens para qualquer região da Espanha e fora dela. Foi daqui que parti diversas vezes para conhecer outras cidades em minha primeira viagem para cá. Lembrei do atentado de uns 4 anos atrás, na Atocha, com muitos mortos. Hoje tem um monumento que os homenageia.

Passei na porta do Reina Sofia, o Museu de Arte Contemporânea. Como da primeira vez vim duas vezes conhecer seu acervo, desta vez vou priorizar os outros. Vi a parte nova do Museu inaugurada recentemente e bem moderna. Um bloco em vermelho, com uma forma um tanto orgânica. Vi também a escultura de Gaudí, que já tinha visto antes.

Caminhei em direção à Plaza de Lavapiés. Lavapiés era um antigo bairro judeu que foi ocupado por imigrantes de todas as partes do mundo. Caminhando pela rua, mesas com cadeiras nas calçadas em frente aos botecos, cheias de gente mais jovem. E muitas pessoas de todas as cores passando por mim. Vi muitos negros e muitos latinos. Mas pensei que com esta crise atual a Espanha não deve mais oferecer muito atrativo para os de fora que procuram por melhores condições de vida. E principalmente por trabalho, pois o desemprego aqui é muito grande, quase um terço da população trabalhadora.

Terminei meu dia encontrando um amigo brasileiro que está de passagem por Madrid e está viajando de mochila pela Europa por três meses. Fomos até o restaurante Miau na Plaza de Santa Ana jantar e tomar vinho. E o Leonardo me contou todas as aventuras deste primeiro mês de viagem, sozinho, descendo de Paris pela costa oeste, passando pela Galícia, depois Portugal, Andaluzia. Agora está indo para Barcelona. Seu objetivo é chegar a Istambul, na Turquia, em um mês e meio.