Pequena história do autorretrato - parte IV

"Festa de Caná", Paolo Veronese -
seu autorretrato se encontra no centro da cena, tocando um instrumento de corda

No mundo da arte, como diz Yves Calméjane, quando “uma estrela desvanece, outra se ilumina; quando um artista se apaga, outro nasce”. E tem sido assim ao longo da história da arte. Neste post aqui, vamos falar de alguns dos artistas que o autor do livro (“Histoire de moi - histoire des autoportraits”) destaca, tendo sempre como foco a história do autorretrato nas obras de arte.

ALBRECHT DÜRER (1471-1528)

Autorretrato de Dürer, feito em 1500

Nasceu em Nuremberg, Alemanha, em 21 de maio de 1471 e faleceu na mesma cidade em 6 de abril de 1528. É o mais conhecido dos artistas do Renascimento alemão, tendo sido pintor, desenhista, gravador e autor de diversos escritos teóricos sobre arte. Influenciou os artistas do século XVI na Alemanha e nos Países Baixos, mas causou admiração também entre os italianos, em especial, Rafael Sanzio.

Dürer pintou diversos autorretratos, sendo os mais conhecidos realizados quando ele tinha 22, 26 e 28 anos de idade. Neste último, feito em 1500, ele escreve: “Eu, Albrecht Dürer de Nuremberg, foi assim que me pintei com cores indeléveis à idade de 28 anos”. O autorretrato dele aos 26 anos está atualmente no Museu do Prado, em Madrid, Espanha.

Segundo Calméjane, Dürer é o primeiro artista que desde o princípio se afirmava como tal. Muito precoce, fez seu primeiro autorretrato com a idade de 13 anos, feito em desenho com Ponta de Prata sobre papel tonalizado. Ele possuía um talento raro. E tinha mania de escrever e fazer registros de tudo o que via, ouvia e aprendia. Nesse trabalho ele escreveu anos mais tarde: “Eu fiz esse retrato eu mesmo, me olhando num espelho em 1484, quando eu ainda era um menino”.

Dürer,
autorretrato nu

Albrecht Dürer fez algumas viagens à Itália, onde teve contato com as obras dos mestres italianos. Possuía um grande desejo de se tornar mestre em seu ofício, aprender tudo o que pudesse. Em seus registros, certa vez anotou: “Para ser um grande pintor, um eminente artista, é preciso copiar assiduamente as obras dos bons mestres, até que alcancemos uma completa liberdade da mão”.

Na Itália, lhe chamaram a atenção, em especial, as obras de Pollaiolo, Mantegna e Bellini. Se interessava em aprender sua técnica e apreciava muito as representações da figura humana nua e os estudos de anatomia. Por isso, foi ele quem fez o primeiro autorretrato nu da história da arte, por volta de 1505. Esta inovação foi imitada mais tarde, em 1525, por Jacopo Pontormo (1494-1557), que o fez em Sanguínea, mas não estava completamente nu.

Dürer trabalhava de forma intensa. Foi muito copiado por outros contemporâneos e por causa disso recorreu ao Conselho de Nuremberg diversas vezes, pedindo proteção contra estes copiadores. Por isso, passou a colocar uma espécie de “logomarca” sua em todos os desenhos e gravuras que fazia, uma espécie de atestado de autenticidade… Se queixava de certos artistas italianos que lhe “denegriam”, copiando-o: “muitos me são hostis e procuram copiar minhas obras nas igrejas e por todo lugar onde podem encontrá-las”.

GERLACH FLICKE (1545-1558)

Autorretrato de Gerlach Flicke. À direita, seu companheiro de prisão,
o pirata Henry Strangwish

Nasceu na Alemanha, mas ficou conhecido mesmo por seu trabalho de pintor em Londres. Foi lá que ele fez o primeiro autorretrato pintado em óleo na Inglaterra. De origem católica, ele foi obrigado a fugir de sua terra por causa da repressão exercida pela Igreja Reformada Alemã, que passou a perseguir os que não se convertiam ao protestantismo. Mas a Inglaterra também vivia período de turbulências por causa do mesmo motivo (a Reforma Protestante) e Gerlach foi levado preso para a Torre de Londres em 1554. Decidiu, antes de morrer, pintar seu autorretrato, mas fez também o retrato de seu companheiro de cela, o pirata Henry Strangwish.

As duas pinturas são em formato bem pequeno. Gerlach escreveu em seu autorretrato: “Aqui está o retrato de Gerlach Flicke enquanto pintor na cidade de Londres. Fui eu mesmo que pintei com a ajuda de um espelho, e pintei-o para meus amigos, para que eles possam ter alguma lembrança minha após minha morte”.

Que aconteceu quatro anos depois. Mas ele ainda fez alguns poucos retratos, incluindo um de Thomas Cranmen que, em 1545, foi o primeiro arcebispo protestante de Canterbury.

RAFAEL E MICHELANGELO

Rafael Sanzio (1483-1520), foi pintor, escultor e arquiteto, autor das famosas pinturas em afresco conhecidas como as “Stanzas do Vaticano”.

Detalhe do afresco "Juizo Final" de
Michelangelo, onde ele pinta seu autorretrato

Michelangelo Buonarrotti (1475-1564) também foi pintor, escultor e arquiteto. É o autor do famoso afresco pintado no teto da Capela Sixtina.

Ambos trabalhavam para a igreja Católica, em especial para o Papa Julio II.

Em seu quadro “A Escola de Atenas”, (veja abaixo) terminado em 1511, Rafael pinta a si mesmo num grupo de homens que representava as Belas Artes, e se pintou próximo de Perugino. Nesta mesma obra, representou Leonardo da Vinci como Platão, Michelangelo como Heráclito, segundo Yves Calméjane.

Do seu lado, Michelangelo pinta em 1541, quando tinha 60 anos de idade, um terrível autorretrato. “As óbritas vazias e escuras não nos olham mais, mas os cabelos encaracolados e castanhos, a curvatura do nariz quebrado por Torigiano, a barba e o bigode caindo, e molhados das águas do Styx, não deixam nenhuma dúvida de que é um autorretrato”, complementa Calméjane.

EL GRECO (1541-1614)

Autorretrato de El Greco em
A Sagrada Família e Maria Madalena

Domenikos Theotokopoulos nasceu em Candia, Grécia, e morreu em Toledo, Espanha, em 1614. Ficou conhecido como El Greco e foi um pintor do período renascentista que desenvolveu um estilo muito pessoal de pintar. Até os 26 anos de idade viveu em Creta, onde pintava ícones em estilo bizantino. Depois disso, morou por 10 anos na Itália onde, em Veneza, estudou os mestres italianos, especialmente Ticiano e Tintoretto. Em Roma, estudou a obra de Michelangelo. Depois disso, mudou-se para Toledo, onde viveu e trabalhou até o fim da vida.

El Greco se pintou diversas vezes em suas obras, como na “Sagrada Família e Maria Madalena”, de 1592. Se pintou na figura de São José. Para a Virgem, usou como modelo sua esposa Jeronima de las Cuevas e o Menino Jesus era seu próprio filho, Jorge Manuel. El Greco usou seu filho como modelo para diversas pinturas.

PAOLO VERONESE (1528-1588)

Filho de um pedreiro, nasceu em Verona, Itália, onde se formou como pintor. Em 1541 se tornou discípulo de Antonio Badille, que era pai de Elena, com quem Veronese se casou. Com 28 anos de idade mudou-se para Veneza, onde se desenvolveu ainda mais em sua arte, aprendendo muito com as obras de Ticiano e Tintoretto. Veronese e Ticiano são os grandes pintores da Escola Veneziana.

Após o Concílio de Trento, os severos padres da Inquisição decidem controlar absolutamente tudo o que dissesse respeito à fé católica.

No dia 18 de julho de 1573 se lançaram contra uma pintura de Veronese, cujo título era “A Última Ceia”. Ela tinha sido feita para adornar o refeitório do convento dos santos João e Paulo.

Chamado imediatamente pelo Santo Ofício, Veronese teve que responder aos padres indignados. Eis o diálogo que teria ocorrido:

Padres: - O que você faz?

Veronese: - Desenho e pinto figuras…

P - E o que significa a figura cujo sangue sai do nariz?

V - É um servo, que um acidente qualquer lhe fez sangrar o nariz…

P - E o que significam essas pessoas armadas e vestidas à moda alemã?

V - Nós pintores nos damos as mesmas licenças poéticas que poetas e loucos se dão e por isso eu quis representar esses boas-vidas aí, um bebendo, outro comendo embaixo da escada, prontos para cumprir seus serviços. Porque parece possível, e desejável, que o dono de uma casa rica pudesse ter tantos servos.

Padres: - E aquele vestido de bobo da corte com um papagaio na mão?

V - Está lá como um ornamento…

P - Que faz o terceiro personagem?

V - Ele limpa os dentes com um garfo…

P - E vos parece conveniente, na Última Ceia de Nosso Senhor, representar bobos da corte, alemães bêbados, anões e outras bobagens? Por isso, nós, os julgadores pronunciamos que o supracitado Paolo Veronese seja obrigado a corrigir e emendar seu quadro em um prazo máximo de três meses!

As modificações exigidas pelos padres da Inquisição nunca foram feitas. Veronese apenas mudou o título do quadro para “Jantar na casa de Levi”.

Paolo Veronese pintou numerosas telas em refeitórios de congregações religiosas usando sempre temas bíblicos, mas que eram muito mais profanos do que religiosos. Na tela “Festa de Caná”, ele pintou Tintoretto tocando violino, Bassano na flauta e Ticiano no contrabaixo. São 132 figuras na cena! Ele mesmo se pinta um autorretrato tocando um instrumento de corda. Calméjane observa que naqueles tempos, era comum pintores também serem músicos, como é o caso de Tintoretto, que teria sido também um talentoso violinista.

"Escola de Atenas", Rafael Sanzio - abaixo seu autorretrato

"Escola de Atenas", detalhe
Rafael é este jovem à direita, olhando
para a frente

"Sagrada Família com Maria Madalena", El Greco

Autorretrato de Albrecht Dürer aos 13 anos 

"Juízo final", Michelangelo

"Jantar na casa de Levi", Paolo Veronese 

Autorretrato de Albrecht Dürer aos 26 anos

Foi bom ver El Greco

Estaçãozinha de trem de Toledo

A viagem de Madrid a Toledo se faz de trem, a partir da estação Atocha. Dura meia hora. Primeira capital espanhola, Toledo fica entre muralhas, no alto de uma elevação. Já a tinha visitado em 2001, mas voltei hoje para ver o museu de El Greco.

O museu fica em uma casa grande, com um jardim interno bem cuidado. Neste lugar o pintor Domenikus Teotokopoulos, seu nome, viveu até sua morte em1614.

El Greco, como muitos artistas em todos as épocas, foi buscar sua formação artística em outro país. Foi para a Itália e aprendeu o jeito italiano de pintar. Mudou-se para Toledo, mudou seu jeito de pintar, com o tempo. Suas pinceladas inicialmente imitavam os italianos, mas aos poucos ele foi criando seu próprio jeito de usar as cores, os pincéis, os empastos, as imprimações, as camadas de tinta. Sua figuras tornaram-se esguias, compridas. Sua pintura antecipou o expressionismo, ente outras coisas.

Vou pesquisar mais sobre El Greco quando voltar pra casa. Ele foi a boa surpresa do dia.

Parte muito antiga da casa do Museu El Greco

Lembrei-me da conversa com Juan ontem na Plaza Santana, enquanto o vento gelado fustigava minha garganta, que já estava sensível com a gripe que peguei em São Paulo. Mas a conversa com Juan girava em torno do mundo de hoje. Ele é professor de História da Arte, além de formado em Arqueologia. Falávamos do Brasil, da América Latina, da Europa, da África. Juan disse: o velho mundo, a Europa, está em crise e nunca mais vai ser o que representou antes para o mundo. A Europa já era! O mundo ficou muito pequeno e tudo está muito igual em todos os lugares, os costumes, as vidas das pessoas, as velhas práticas políticas. Temos que romper com as velhas estruturas, mas com práticas e formas novas. Em todos os sentidos, inclusive na arte.

Falei, concordando com muita coisa do que ele falou, observando que hoje para o artista não há mais um centro inspirador e formador, como foi Paris até o começo do século XX, como foi a Itália durante séculos, como foram até mesmo países como a Holanda, que nos deu Rembrandt, Vermeer, Hals e tantos outros. Hoje parece que o centro está em qualquer lugar ou em lugar nenhum!

Tudo isso, desde a idéia de mudar o mundo até o caminho pictórico que eu deva seguir, eu ou qualquer outro, gera medo na maioria das pessoas. É boa a segurança de voltar pra casa, de ver nossos filhos crescerem, nossas vidas prosperarem, saber que amanhã e depois de amanhã e sempre estaremos voltando para casa. Somos tão conservadores em tantos sentidos da vida! Tudo o que não queremos é uma boa novidade que revire nossas vidas de ponta-cabeça! Preferimos caminhar por lugares seguros, conhecidos, já traçados anteriormente...

Vista de Toledo de dentro da casa de El Greco

Juan lembrou uma frase de um amigo dele: o revolucionário é aquele que tem um pé fincado no passado, na tradição, e outro pé no futuro que ele prega. Mas a situação é complicada, porque o passado já passou, fez seu papel; o futuro nem existe ainda. Então é um equilíbrio "de loucos"!

El Greco foi completamente revolucionário! Ribera também, Velázquez idem, assim como Goya. Poderiam ter seguido no caminho seguro aprendido com os italianos e aquela sua pintura de decoração de palácios e igrejas. Tudo muito lindo, como num conto de fadas. Rafael então... Queria trazer a beleza do céu para a terra!

Mas que fizeram estes pintores espanhóis? Abandonaram o caminho seguro, criaram seu próprio caminho. Sofreram muitas críticas em seu tempo, claro! Mas hoje quando os vemos aqui nas igrejas de Toledo e no Museu do Prado, dá uma vontade muito grande de agradecer a eles: obrigada por não terem trilhado caminhos velhos! Obrigado por terem mostrado novas formas de expressão! Lembrei agora de uma história que li num autor espanhol que contava que Velazquez teria dito que preferia seguir outro caminho do que ficar em segundo lugar se tentasse imitar Rafael!

Mas, deixemos estas reflexões para outro momento. Sigamos na viagem.

Sinagoga sefaradita

Após sair do museu, fui numa antiga sinagoga, que tem séculos de história e tem a ver com parte da história dos moradores de Toledo: parte cristãos, parte muçulmanos, parte judeus. Todos convivendo em harmonia. Mas esta Sinagoga não é uma casa de oraçãoqualquer. Os judeus sefardis - segundo me informou Juan, que habitaram esta região da Espanha, além da Andaluzia, eram pessoas de nível intelectual muito avançado, diferentemente dos judeus do norte da Europa, que eram de origem camponesa e mais obedientes aos dogmas da ortodoxia hebraica.

Os judeus sefarditas da Espanha conviviam bem com cristão e muçulmanos. Os sefarditas, como tinham uma sólida formação intelectual, foram grandes pensadores, gramáticos, matemáticos, geógrafos, literatos, poetas, filósofos. Esta é a origem de Spinoza, por exemplo.

Nada a ver com os judeus que estão no poder no Estado de Israel, mais ortodoxos, fanáticos, que vivem o sonho da Jerusalém celeste onde não cabem, por exemplo, os palestinos. Mesmo os judeus sefarditas sofrem preconceito por parte dos judeus ortodoxos. Um jovem porto-riquenho, judeu por parte de mãe, amigo de Juan, passou por isso.

Pátio da sinagoga

A sinagoga sefardita em Toledo tem uma energia boa, tranqüila. Em seu pátio interno, onde tem nove lápides sepulcrais, está escrito em hebraico e traduzido para o espanhol:

"Son tumbas viejas, de tiempos antiguos, en las que unos hombres duermen el sueño eterno. No hay en su interior ni ódio ni envidia, ni tampoco amor o enemistad de vecinos. Al verlas mi mente no es capaz de distinguir entre esclavos y señores." - assinado Moisés ibn Ezras, daqueles séculos atrás.

Também entrei na Catedral de Toledo. Aqui, como em muitos lugares de influência cristã, se pode ver de perto obras de arte feitos por grandes artistas. Aqui nesta catedral, imensa, gótica, suntuosa, vi pinturas destas pessoas aqui:

Uma pintura de El Greco

Ticiano
Van Dick
Velazquez
El Greco
Goya
Rafael
Mengs
Caravaggio
Antiveduto Grammatica
Luís de Morales
Bernardo Strozzi
Luís Tristan
Giovanni Bellini
Jacobo Bassano

Este é só um dos exemplos do poder imenso da igreja que fazia com que os melhores artistas de várias épocas trabalhassem para ela. Depois deste dia intenso, as idéias fervilham na mente. Mas o corpo pede descanso.

Catedral de Toledo

Dentro da catedral

Dentro da catedral

Toledo

O rio Tejo, em Toledo

Chegando em Madrid

A Puerta del Sol, local central em Madrid, por onde passam todos os madrilenhos todos os dias

A viagem de São Paulo para cá foi tranqüila, sem turbulência de espécie alguma! Mas, claro, cansativa! São cinco horas de diferença de fuso e isso deixa o corpo cansado.

Hoje tomei meu desayuno em um café do século XIX, perto do metro Tribunal. Quando venho para Madrid é impossível não pensar nos artistas que caminharam por estes mesmos sítios por onde estou passando. Andei um pouco de metro pra fazer hora, por causa do fuso horário. Fui até a Estação Atocha de manhã e lá vi duas esculturas de Antonio Lopez e um monumento às vítimas do atentado terrorista que teve por aqui há poucos anos atrás. Meu amigo Juan Argelina, com quem me encontrarei amanhã, quase morreu neste atentado. Sobreviveu.

Rua central de Madrid

Depois segui de metro até a Estação Chamartin, um outro ponto de onde saem não só os trens de metro, mas trens para algumas cidades, em especial do noroeste da Espanha. Eu estava muito cansada, mas fui observando as pessoas. A crise econômica do capitalismo europeu atingiu os espanhóis de forma cruel! Em apenas três trens de metro que tomei hoje apareceram jovens pobres pedindo esmola ou vendendo tranqueiras. Lembrei que no avião eu li no jornal El Pais que 20% dos jovens espanhóis entre 15 e 26 anos são da famosa geração "nini": ni trabajan, ni estudian! No hay grandes espectativas de vida acá, carajo! Nas ruas de Madrid, mais pedintes, mais moradores de rua. Incluindo um aqui da minha rua, a Calle Fuencarral, que é jovem, loiro, deve ter olho azul (não olhei muito pra ele não ficar achando que eu ia liberar uma grana) com cara de vagabundo e critica os ricos enquanto pede esmolas para beber "vino, wisky o cerveza"... Ta certo, cada um sabe das próprias necessidades.... Né, Luiz?

No metro em direção a Chamartin entrou um espanhol com um violão pedindo desculpas "si yo los molestaré" pero vendendo seu peixe: uma música....... Ahhhhhhh....... Tais, você vai gostar de saber! Roberto Carlos em bom espanhol, aquela lá "yo quiero tener un million de amigos"...

No metro, pessoas mal vestidas, muito tristes. Aquela tristeza espanhola, não qualquer tristeza! Dói na alma! E eu parecia reconhecer cada um "de aquellos rostros". La vida pulsa, triste pero pulsa!

Comi muito bem no almoço por menos de 10 euros! Se come muito bem aqui nesta Madrid de Dios! Despues, fui na lojinha de materiais artísticos que conheci em 2013. A vontade.... Ou melhor, a fissura de pintar tá grande. E ainda é o começo de tudo.

Em dois dias vou a Toledo, de novo, mas desta vez para ver o Museo El Greco.

Por hora, me quedo acá, en lo hostal Palacios, cerca de Gran Via.

Yo voy descansar más temprano... El primer día ha sido intenso! En la tierra de Velazquez y Goya y Greco y Sorolla y tantos otros!

Hasta mañana!

Puerta de Toledo, Madrid

El Greco de Toledo

"Vista de Toledo", 1596-1600, Metropolitan Museum of Art, Nova York

Neste ano de 2014, a arte espanhola rememora os 400 anos da morte de um de seus artistas mais importantes, dentre os muitos pintores espanhois: El Greco. Será feita na cidade de Toledo, Espanha, a maior exposição de sua obra em todos os tempos, com mais de 100 trabalhos de El Greco provenientes de mais de 29 cidades do mundo.

Um provável autorretrato de 1503

Domenikos Theotokopoulos, que ficou conhecido para o mundo da arte como El Greco, nasceu na cidade grega de Creta em 1541 onde viveu até os 26 anos de idade. Nesta ilha grega ele era um pintor de ícones pós-binzantinos. Após esse período, viajou à Itália onde viveu por 10 anos, primeiro em Veneza e depois em Roma. A partir de 1577, mudou-se difinitivamente para a cidade espanhola de Toledo, perto de Madrid.

Sua formação pictórica foi bastante ampla. Desde as primeiras lições sobre a arte bizantina até a passagem dele por Veneza, onde conheceu a obra dos maiores mestres do Renascimento, em especial a de Tiziano. Em Veneza ele aprendeu a dominar a técnica da pintura a óleo e sua gama de cores. Depois, em Roma, conheceu a obra de Michelangelo. Sua obra, pode-se dizer assim, é o resumo da influência recebida nesses lugares, e que traz uma característica bastante pessoal, com suas figuras alongadas e suas cores densas.

El Greco compôs desde grandes quadros para os altares de igrejas, assim como pinturas para conventos e mosteiros, e também retratos, que são considerados como de alto nível. Na primeira fase de sua vida na Espanha, na pequenina cidade de Toledo, nota-se bastante a influência dos mestres italianos. Mas aos poucos, El Greco foi evoluindo para um estilo pessoal muito próprio: figuras delgadas e afinadas, uma iluminação intensa, figuras de grande expressão. Durante muito tempo sua obra foi esquecida e tratada como de “menor” qualidade, e ele mesmo tratado como um excêntrico, quase marginal na história da arte. Até que foi redescoberto no século XIX e ser hoje considerado como um dos grandes pintores do mundo.

Detalhe de "Cristo abraçado à cruz", 1580-85

Apesar de El Greco ter vivido a maior parte de sua vida em Toledo, nunca foi feita uma mostra de sua obra nesta cidade. Em 1902 foi feita uma primeira exposição sobre sua obra no Museu do Prado, em Madrid, sendo seguida depois por inúmeras exposições feitas em vários lugares do mundo. Mas em Toledo, esta é a primeira vez.

A mostra, intitulada “El Greco de Toledo” terá como sede principal o Museu de Santa Cruz, mas se espalhará por vários lugares da cidadezinha, conhecidos como “Espaços Greco”: a sacristia da Catedral de Toledo, a Capela São José, o convento Santo Domingo el Antiguo, a Igreja de São Tomé e o Hospital Tavera. Todos esses lugares conservam as telas originais do pintor, permitindo que esta exposição tenha um caráter singular e irrepetível fora de Toledo.

A mostra vai percorrer a atividade de El Greco desde Candia, em Creta, passando por Roma e Veneza. Na parte que concerne à influência recebida dos pintores italianos, em especial Tiziano e Tintoretto, será dada ênfase ao tratamento dado à luz e à sombra.

Também mostrará seu trabalho como retratista, o único que lhe deu reconhecimento e fama daqueles que viveram em seu próprio tempo, mesmo que já se diferenciasse do tipo de retratos que eram pintados na Espanha dos tempos do rei Felipe II.
Mas a exposição também traz de diversos países e museus, as obras de El Greco que foram sendo adquiridas e levadas para fora da Espanha: Entre elas: Vista de Toledo (Nova York, EUA  - The Metropolitan Museum of Art), São Martin e o mendigo (Washington, EUA - The National Gallery), Cristo na Cruz com dois ladrões (Paris, França - Museu do Louvre), São Lucas pintando a Virgem (Atenas, Grécia - Benaki Museum), A Adoração dos pastores (Roma, Itália - Galleria Nazionale d´Arte antica Palazzo Barberini), São Pedro e São Paulo (São Petersburgo, Rússia - The State Hermitage Museum) e o Retrato de um escultor (Genebra, Suiça - Coleção particular), entre outros.

"Cavalheiro com a mão no peito", cerca de 1580

El Greco se instalou em Toledo a partir de 1585. No mesmo ano, um teórico da arte italiano , Federico Zuccaro, vai visitar o pintor e leva para ele de presente uma cópia do livro de Giorgio Vasari “Vida dos pintores”. Neste livro, El Greco fez diversas anotações de seu próprio punho e vê-se que foi objeto de muitas de suas reflexões sobre a pintura.

El Greco morava numa casa que tinha sido emprestada a ele pelo Marquês de Villema. Na verdade, uma mansão enorme, que lhe dava muitos gastos na manutenção. Seu ateliê mantinha uma produção contínua e ele sempre recebia muitas encomendas, especialmente para decorar igrejas, conventos e palácios. Muitos retratos foram encomendados a ele. Seu filho, Jorge Manuel, era seu assistente e também pintor. Na mesma mansão moravam, além do pai e do filho, a mãe dele - Jerônima de las Cuevas - assim como diversos ajudantes de seus ateliê. A casa era frequentada por um grupo mais restrito de seus amigos e de eruditos e humanistas da cidade, professores da universidade de Toledo, muitos deles retratados por El Greco. Poucos deles eram ligados à nobreza.

"A fábula", cerca de 1600

Atualmente, uma das grandes especialistas na obra de El Greco é Maria Leticia Ruiz Gómez, chefe do Departamento de Pintura Espanhola Anterior a 1700 do Museu do Prado. Ela está à frente de todo esse trabalho de mostrar ao mundo a importância deste pintor, sendo uma dos curadores da maioria da exposições que acontecerão este ano na Espanha. Em um dos textos de divulgação de uma das mostras, intitulada “El Greco: Arte e Ofício”, Leticia Ruiz Gómez diz:

“El Greco é, sem dúvida, um caso único de personalidade artística em contínua evolução, um imenso criador cuja profunda originalidade está presente em sua capacidade para absorver fórmulas e modelos de outros até convertê-los em ícones únicos e inesquecíveis.

Porém, além de conceber a Arte com letra maiúscula, a essência mesma da criação artística, Domenikos Theotokopoulos foi mestre de um ateliê complexo que precisava dar saída comercial a boa parte das encomendas de uma numerosa e heterogênea clientela, para fazer sua arte rentável.

A abertura de um ateliê estável na própria casa do pintor o obrigou a uma dinâmica criação pictórica complexa, da qual El Greco se ocupou pessoalmente das obras mais importantes, assim como fazer estudos para as composições mais solicitadas, intervendo na elaboração de réplicas e de cópias, participando em diversos graus do trabalho em seu ateliê.

Alem disso, teve que lutar para conseguir a autonomia que gozavam os artistas em Creta e na Itália, numa Espanha onde as práticas artísticas ainda estavam ligadas ao mundo artesanal, com restrições que sempre lhe chocavam.

Refletir e mostrar esse complexo sistema de criação artística, englobando as obras mais importantes de toda a produção do ateliê de El Greco, é o propósito desta mostra”.

Domenikos Theotokopoulos - El Greco - morreu em Toledo em 1614.

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Site com toda a programação de exposições na Espanha para 2014:

http://www.elgreco2014.com/

"A morte de Laocoonte", interpretação de El Greco com Toledo ao fundo, 1614

Uma trilha sonora para o inferno?

Jardim das Delícias, Hieronymus Bosch, 1503-1504, Museu do Prado, Madrid, Espanha

Retrato de Hieronymus Bosch,
anônimo, pintado por volta de 1575

Hieronymus Bosch, célebre pintor do Renascimento, tem sido citado diversas vezes nos últimos dias depois que uma estudante da Universidade Cristã de Oklahoma, EUA, resolveu decifrar as notas musicais que o pintor inscreveu na bunda de uma de suas figuras contidas no célebre quadro “Jardim das Delícias”.

Amelia Hamrick (nome da estudante) resolveu analisar o tríptico pintado por Bosch e viu que em uma das figuras dispostas no local onde seria o “inferno” havia uma inscrição de notas musicais. Ela resolveu transcrever essas notas e tocá-las para ver o resultado, que pode ser ouvido num vídeo divulgado no Youtube (veja abaixo).

Detalhe do "Jardim das Delícias"

Curiosidades e brincadeiras à parte, o pintor que teria pensado numa música para o reino de Hades, era muito sério. Este quadro - “Jardim das Delícias” - se encontra no acervo do Museu do Prado em Madrid. Foi pintado em 1504 e descreve a história da criação e os reinos dos céus e dos infernos. Mas essa pintura também representa simbolicamente as angústias e superstições das pessoas que viviam na mesma época do pintor holandês. Ele é o maior dos quadros pintados por Bosch e o mais intrigante. É composto de três partes, por isso chamado de tríptico.

Ampliação do detalhe

A primeira parte representa o Paraíso, expresso em cores claras em tons de verde, azul, amarelo e ocre. Tudo parece tranquilo, harmonioso. A parte central é uma verdadeira explosão de cores vivas e de figuras nuas, parecendo mostrar um paraíso um pouco mais voluptuoso. Na terceira parte do tríptico, as cores são mais escuras como preto, azul escuro e cinza, e diversos instrumentos musicais surgem como se fossem instrumentos de tortura, em meio a cenas de crimes, de guerras e de incêndio, a própria imagem do caos. Numa das figurinhas que se encontram embaixo de uma espécie de violoncelo e de uma harpa, Bosch tatuou em sua bunda uma anotação musical.

Vamos ver quem foi esse pintor que há 600 anos apresentava uma pintura tão intrigante.

Seu nome verdadeiro era Jeroen Anthonissen van Aeken e nasceu em 1450 na Holanda, num lugar chamado Hertogenbosch, numa família modesta, cujo pai e avô foram também pintores. Quase todos os membros de sua família foram pintores, incluindo seu irmão mais velho Goessen. Por isso acredita-se que ele tenha recebido sua formação no próprio estúdio do pai ou do avô.

"Julgamento", 1476-1516

Mas Bosch se casou com uma moça da rica aristocracia em 1478, e por causa disso foi aceito como “membro notável” da Confraria de Nossa Senhora, uma sociedade religiosa fundada em 1318, que era dedicada ao culto da Virgem Maria. Bosch vivia então uma vida tranquila, entre sua casa, seu ateliê e a Confraria. Logo seu nome passou a ser conhecido longe de sua terra natal.

Desde 1490 ele passou a assinar seus quadros como “Hieronymus Bosch”, sendo que o “Bosch” seria uma referência à sua terra de nascimento, Hertogenbosch.

A partir de suas leituras da Bíblia e dentro da atmosfera de misticismo que reinava em toda a Idade Média, Bosch abandonou a iconografia tradicional desde o começo de sua pintura para buscar representar coisas que seriam “sacrílegas” e pecaminosas. A danação infernal era um tema de grande inspiração para ele. Mas tudo se misturava, céus e infernos, e ele também não deixou de satirizar a moral da época. Bosch parecia se preocupar com a ideia da condenação eterna para a humanidade que vivia em pecado. Além do “Jardim das Delícias”, onde ele pintou o inferno, fez também o “Os sete pecados capitais” entre 1475-1480.

"Dois monstros", desenho feito por Bosch
com pena e tinta marrona sobre papel

No começo do século XVI, Hieronymus Bosch fez uma viagem à cidade italiana de Veneza, que lhe influencia no sentido de passar a pintar quadros com mais espaços e paisagens, que ele inseriu em suas telas representando a vida de santos. Por volta de 1510 havia surgido uma nova forma de pintar figuras nos quadros: aquelas que apareciam com somente a metade dos corpos, inclusive em primeiro plano.

O estilo de Bosch é basicamente caracterizado por apresentar personagens caricaturizados e figuras que pertenciam ao repertório imaginativo da Idade Média. Seu estilo foi imitado depois por vários artistas, incluindo Pieter Brueghel, o Velho, além de ter influenciado até mesmo a pintura expressionista do começo do século XX, assim como os surrealistas.

Por outro lado, pintores alemães como Martin Schongauer, Matthias Grünewald e Albrecht Dürer influenciaram a obra de Bosch.

Além de sua religiosidade voltada ao culto de Maria, especula-se também que ele teria participado de seitas que se dedicavam à prática do ocultismo. Mas não se tem prova disso porque pouco se conhece sobre sua vida. Mas em alguns de seus quadros se encontram símbolos ligados à alquimia, assim como cenas que parecem ter sido retiradas de seus sonhos ou pesadelos. Vale lembrar também que o ano de 1500 representava para as pessoas do século XV o ano do fim do mundo, quando a besta do Apocalipse seria solta sobre a terra e Deus iria julgar os bons e os maus, enviando estes últimos para queimar eternamente nas chamas do inferno.

O Museu do Prado possui a maior coleção das pinturas de Bosch, pelo fato do rei Filipe II da Espanha ter sido um ávido admirador e colecionador de obras do pintor holandês. Isso é muito curioso, pois parece combinar muito com a cultura e o espírito espanhol que gerou um Miguel de Cervantes e artistas como Francisco Goya, El Greco e mesmo Salvador Dali. No Prado podem ser encontradas obras como “O carro de feno”, “O jardim das Delícias”, “Os sete pecados capitais”. Em nosso Masp - Museu de Arte de São Paulo - podemos ver um suposto estudo seu para o quadro “As tentações de Santo Antão”, cujo original se encontra em Lisboa, no Museu Nacional de Arte Antiga. Na Espanha, Bosch é também conhecido como “El Bosco”.

Bosch entrou para a história como “criador de demônios” e pintor satírico. Mas sua importância é particularmente importante por ter inovado a pintura de seu tempo, criando novas composições.

Hieronymus Bosch morreu em agosto de 1516.

"As tentações de Santo Antão", Bosch, óleo sobre madeira, entre 1495-1515


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Ouça a música "copiada" por Amelia Hamrick:

Expressionismo necessário

Músico cego, do pintor finlandês Alvar Cawén (1886-1935), 1922

Nos fins do século XIX, no norte da Europa, surge e se irradia um movimento artístico, contraposto ao Impressionismo nascido na França. Especialmente desenvolvido na Alemanha, o Expressionismo atingiu diversos setores da arte: a pintura, a literatura, o cinema, a música. Mais tarde, na mesma Alemanha, o regime nazista condenou esse movimento, considerando-o como “arte degenerada”.

O Expressionismo foi uma das primeiras ramificações da chamada “Arte Moderna”, assim como o Realismo e o Impressionismo. Sua principal característica é ter representado culturalmente aquela região da Europa, fria e nevoenta, com aquele temperamento germânico que amava “mais a beleza do caráter do que a beleza da forma”, como bem enfatiza Carlos Cavalcanti em “História da Arte”. Era a contraposição entre as sombras geladas daquele pedaço do mundo e a claridade solar e quente do mundo mais latino, também destaca o professor. Era o predomínio da emoção sobre a razão. Que nascia num mundo pleno de contradições.

Sobreviventes, Käthe Kollwitz, gravura

O engraçado é que enquanto estudava um pouco sobre esse movimento que muito me atrai - desde minha adolescência quando conheci as gravuras de Käthe Kollwitz -, li simultaneamente um artigo que escrevi há alguns anos sobre nossa poeta brasileira Cecília Meireles. O título do meu artigo - não publicado - era exatamente “As sombras de Cecília”. Cecília nasceu no começo do século XX, 1901, e antes dos 3 anos já não tinha mais nem pai nem mãe.

No pêndulo de sua existência, Cecília escrevia como se escrevesse na penumbra. Dá a impressão de que suas mãos riscavam o papel na seqüência do seu olhar que passeava no lusco-fusco do final do dia e do começo da noite. Noite sem a negritude da noite profunda, mas também sem os raios ofuscantes do dia. Noite que ainda era promessa de mistérios profundos, mas que ainda guardava resquícios de realidade, contornos da vida, detalhados pelos últimos raios do sol.

Vista de Toledo, El Greco, 1600

Mas vamos caminhando entre os artistas alemães e esta poeta brasileira, neste primeiro texto sobre o Expressionismo, que apenas pretende introduzir o assunto. Em outros textos, neste blog, já falamos sobre alguns desses artistas expressionistas.

O Expressionismo - movimento no qual não foi enquadrada a poesia de Cecília - é a própria projeção da subjetividade humana, que, do mais profundo do seu sofrimento, tende a deformar a realidade e provocar no observador as mesmas reações emocionais do artista. A visão do artista expressionista é angustiante, pessimista, assombrada por aquele mundo em mudança que já trazia as sementes da I Guerra Mundial, onde morreram milhões de seres humanos.

Enquanto isso Cecília cantava lá no seu Rio de Janeiro:

“Sombra que passas, eu sei que és sombra,
eu sei que és sombra, sombra que falas.
Não deixas passo em nenhuma alfombra
das altas, graves, eternas salas.

Mas os que choram de sala em sala,
mirando espelhos, mirando alfombras,
choram teus passos e tua fala,
e o seu destino de amar as sombras...”

Autorretrato, Otto Dix, 1913

São muito frequentes, no Expressionismo, o uso de símbolos para descrever o estado da alma dos artistas. Ao contrário da solaridade e colorido dos Impressionistas, o Expressionismo usa cores fortes, violentas, pois ele também era uma reação contra os rumos que a sociedade tomava naquele tempo. Era a arte do pintor solitário, das cores tristes, que até já podíamos encontrar bem mais atrás, em El Greco, em Goya, em Mathias Grünewald… 

Mas dois dos primeiros desses pintores nórdicos do século XIX a expressar mais sua alma do que o mundo que viam foram Vincent van Gogh e Edvard Munch. Foi um crítico de arte alemão,  Wilhelm Worringer, quem, em 1908, chamou de "expressionismo" àquela forma particular de arte.

Enquanto a fotografia substituía a pintura na descrição da realidade, os artistas expressionistas se voltaram para mostrar mais como eles “sentiam” sua própria realidade, usando sua arte como um grito contra os sofrimentos daquele mundo que esmagava as pessoas nas cidades já industrializadas, mostrando a miséria, a solidão, a pequenez do homem diante da máquina movida pelo capitalismo daqueles tempos, que trouxe consigo as guerras mortais do século XX...

Agonia, Edvard Munch, 1915

Bem como cantou nossa poeta triste que, na América do Sul, sentia as dores de todo aquele mundo, além das suas:

“Aqui está minha dor – este coral quebrado,
sobrevivendo ao seu patético momento.”

Diversos grupos de artistas surgiram na Alemanha, como a “Associação dos Artistas de Munique” (o NKVM); a “Nova Secessão de Berlim”, que gerou dois outros grupos: os “Der Blaue Reiter” (O Cavaleiro Azul) e o “Die Brücke” (A Ponte); o “Grupo de Novembro”. Do “Die Brücke” (de 1905) participaram os artistas Ernst Ludwig Kirchner, Fritz Bleyl, Erich Heckel et Karl Schmidt-Rottluff. Eles eram de Dresden.

Edvard Munch

A forte crítica social que eles imprimiram às suas obras acabaram atraindo a crítica dos conservadores, claro. Sua visão crítica do mundo acabava sendo vista como um perigo para as gerações mais novas. Ernst Ludwig Kirchner, por exemplo, pintava as ruas e a vida urbana de Berlim de uma maneira considerada ácida. Edvard Munch, pintor norueguês, resolveu mudar sua maneira de pintar depois de 1892, usando cores mais fortes para demonstrar suas obsessões com a morte e com as doenças.

Na Alemanha, país onde o Expressionismo mais atraiu artistas, o final do século XIX e as duas primeiras décadas do século XX, já em meio à I Guerra Mundial, viram nascer diversos movimentos e grupos artísticos, onde os debates e inquietações acerca daqueles momentos eram muito intensos. Max Beckmann, Otto Dix, Conrad Felixmüller, George Grosz, Ernst Ludwig Kirchner, Käthe Kollwitz, Franz Marc, Paula Modersohn-Becker e Otto Mueller eram alguns desses artistas. No Brasil, Anita Malfatti, Candido Portinari e Di Cavalcanti foram influenciados também pelo movimento dos artistas do norte europeu. Um deles veio para o Brasil e aqui trouxe as influências de seus colegas alemães: Lasar Segall.

Cena do filme "O Gabinete do Dr. Caligari"

Mas como dissemos no início, o Expressionismo não ficou só nas artes plásticas. 

No cinema, por exemplo, o filme do diretor alemão Robert Wiene, de 1919, “O Gabinete do Dr. Caligari” aparece como um dos primeiros a introduzir no cinema muitos elementos do expressionismo: grande carga de simbolismo, iluminação dramática, vestuários estranhos e personagens sombrios. 

Em seguida, surgem outros diretores seguindo essa mesma linha estética: entre eles, o grande Fritz Lang. As películas que mais representam esta época são: “Nosferatu” de Friedrich Murnau, “Metropolis” de Fritz Lang, entre outros. Era ainda a época do cinema mudo. Depois, já com o cinema falado, Fritz Lang dirigiu “M” (“O Maldito”).

E assim o Expressionismo, na Arte, mostrou um artista chocado diante desse mundo que jogava o sujeito ao seu próprio destino, nesse jogo de “salve-se quem puder” perpetrado por um sistema injusto, discriminador e assassino. Que manchava as cores do mundo com suas grandes sombras pesadas, como asas monstruosas, que varreram milhões de vidas humanas em duas guerras mundiais horrorosas. E ainda continuam nos sobrevoando, ameaçadoramente…

Mas até mesmo nesses momentos, o artista deve falar. A sensibilidade do artista está aí para nos fazer ver que, além de qualquer visão terrível, a Musa sempre canta… e nos encanta…

Como disse Cecília Meireles:

“Eu canto porque o instante existe
e a minha vida está completa.
Não sou alegre nem sou triste:
sou poeta.

Irmão das coisas fugidias
não sinto gozo nem tormento.
Atravesso noites e dias
no vento.

Se desmorono ou se edifico
se permaneço ou me desfaço
- não sei, não sei. Não sei se fico
ou passo.

Sei que canto. E a canção é tudo.
Tem sangue eterno a asa ritmada.
E um dia sei que estarei mudo:
- mais nada”.

O sonho da razão produz monstros, Francisco Goya, gravura, 1799