Expressionismo necessário

Músico cego, do pintor finlandês Alvar Cawén (1886-1935), 1922

Nos fins do século XIX, no norte da Europa, surge e se irradia um movimento artístico, contraposto ao Impressionismo nascido na França. Especialmente desenvolvido na Alemanha, o Expressionismo atingiu diversos setores da arte: a pintura, a literatura, o cinema, a música. Mais tarde, na mesma Alemanha, o regime nazista condenou esse movimento, considerando-o como “arte degenerada”.

O Expressionismo foi uma das primeiras ramificações da chamada “Arte Moderna”, assim como o Realismo e o Impressionismo. Sua principal característica é ter representado culturalmente aquela região da Europa, fria e nevoenta, com aquele temperamento germânico que amava “mais a beleza do caráter do que a beleza da forma”, como bem enfatiza Carlos Cavalcanti em “História da Arte”. Era a contraposição entre as sombras geladas daquele pedaço do mundo e a claridade solar e quente do mundo mais latino, também destaca o professor. Era o predomínio da emoção sobre a razão. Que nascia num mundo pleno de contradições.

Sobreviventes, Käthe Kollwitz, gravura

O engraçado é que enquanto estudava um pouco sobre esse movimento que muito me atrai - desde minha adolescência quando conheci as gravuras de Käthe Kollwitz -, li simultaneamente um artigo que escrevi há alguns anos sobre nossa poeta brasileira Cecília Meireles. O título do meu artigo - não publicado - era exatamente “As sombras de Cecília”. Cecília nasceu no começo do século XX, 1901, e antes dos 3 anos já não tinha mais nem pai nem mãe.

No pêndulo de sua existência, Cecília escrevia como se escrevesse na penumbra. Dá a impressão de que suas mãos riscavam o papel na seqüência do seu olhar que passeava no lusco-fusco do final do dia e do começo da noite. Noite sem a negritude da noite profunda, mas também sem os raios ofuscantes do dia. Noite que ainda era promessa de mistérios profundos, mas que ainda guardava resquícios de realidade, contornos da vida, detalhados pelos últimos raios do sol.

Vista de Toledo, El Greco, 1600

Mas vamos caminhando entre os artistas alemães e esta poeta brasileira, neste primeiro texto sobre o Expressionismo, que apenas pretende introduzir o assunto. Em outros textos, neste blog, já falamos sobre alguns desses artistas expressionistas.

O Expressionismo - movimento no qual não foi enquadrada a poesia de Cecília - é a própria projeção da subjetividade humana, que, do mais profundo do seu sofrimento, tende a deformar a realidade e provocar no observador as mesmas reações emocionais do artista. A visão do artista expressionista é angustiante, pessimista, assombrada por aquele mundo em mudança que já trazia as sementes da I Guerra Mundial, onde morreram milhões de seres humanos.

Enquanto isso Cecília cantava lá no seu Rio de Janeiro:

“Sombra que passas, eu sei que és sombra,
eu sei que és sombra, sombra que falas.
Não deixas passo em nenhuma alfombra
das altas, graves, eternas salas.

Mas os que choram de sala em sala,
mirando espelhos, mirando alfombras,
choram teus passos e tua fala,
e o seu destino de amar as sombras...”

Autorretrato, Otto Dix, 1913

São muito frequentes, no Expressionismo, o uso de símbolos para descrever o estado da alma dos artistas. Ao contrário da solaridade e colorido dos Impressionistas, o Expressionismo usa cores fortes, violentas, pois ele também era uma reação contra os rumos que a sociedade tomava naquele tempo. Era a arte do pintor solitário, das cores tristes, que até já podíamos encontrar bem mais atrás, em El Greco, em Goya, em Mathias Grünewald… 

Mas dois dos primeiros desses pintores nórdicos do século XIX a expressar mais sua alma do que o mundo que viam foram Vincent van Gogh e Edvard Munch. Foi um crítico de arte alemão,  Wilhelm Worringer, quem, em 1908, chamou de "expressionismo" àquela forma particular de arte.

Enquanto a fotografia substituía a pintura na descrição da realidade, os artistas expressionistas se voltaram para mostrar mais como eles “sentiam” sua própria realidade, usando sua arte como um grito contra os sofrimentos daquele mundo que esmagava as pessoas nas cidades já industrializadas, mostrando a miséria, a solidão, a pequenez do homem diante da máquina movida pelo capitalismo daqueles tempos, que trouxe consigo as guerras mortais do século XX...

Agonia, Edvard Munch, 1915

Bem como cantou nossa poeta triste que, na América do Sul, sentia as dores de todo aquele mundo, além das suas:

“Aqui está minha dor – este coral quebrado,
sobrevivendo ao seu patético momento.”

Diversos grupos de artistas surgiram na Alemanha, como a “Associação dos Artistas de Munique” (o NKVM); a “Nova Secessão de Berlim”, que gerou dois outros grupos: os “Der Blaue Reiter” (O Cavaleiro Azul) e o “Die Brücke” (A Ponte); o “Grupo de Novembro”. Do “Die Brücke” (de 1905) participaram os artistas Ernst Ludwig Kirchner, Fritz Bleyl, Erich Heckel et Karl Schmidt-Rottluff. Eles eram de Dresden.

Edvard Munch

A forte crítica social que eles imprimiram às suas obras acabaram atraindo a crítica dos conservadores, claro. Sua visão crítica do mundo acabava sendo vista como um perigo para as gerações mais novas. Ernst Ludwig Kirchner, por exemplo, pintava as ruas e a vida urbana de Berlim de uma maneira considerada ácida. Edvard Munch, pintor norueguês, resolveu mudar sua maneira de pintar depois de 1892, usando cores mais fortes para demonstrar suas obsessões com a morte e com as doenças.

Na Alemanha, país onde o Expressionismo mais atraiu artistas, o final do século XIX e as duas primeiras décadas do século XX, já em meio à I Guerra Mundial, viram nascer diversos movimentos e grupos artísticos, onde os debates e inquietações acerca daqueles momentos eram muito intensos. Max Beckmann, Otto Dix, Conrad Felixmüller, George Grosz, Ernst Ludwig Kirchner, Käthe Kollwitz, Franz Marc, Paula Modersohn-Becker e Otto Mueller eram alguns desses artistas. No Brasil, Anita Malfatti, Candido Portinari e Di Cavalcanti foram influenciados também pelo movimento dos artistas do norte europeu. Um deles veio para o Brasil e aqui trouxe as influências de seus colegas alemães: Lasar Segall.

Cena do filme "O Gabinete do Dr. Caligari"

Mas como dissemos no início, o Expressionismo não ficou só nas artes plásticas. 

No cinema, por exemplo, o filme do diretor alemão Robert Wiene, de 1919, “O Gabinete do Dr. Caligari” aparece como um dos primeiros a introduzir no cinema muitos elementos do expressionismo: grande carga de simbolismo, iluminação dramática, vestuários estranhos e personagens sombrios. 

Em seguida, surgem outros diretores seguindo essa mesma linha estética: entre eles, o grande Fritz Lang. As películas que mais representam esta época são: “Nosferatu” de Friedrich Murnau, “Metropolis” de Fritz Lang, entre outros. Era ainda a época do cinema mudo. Depois, já com o cinema falado, Fritz Lang dirigiu “M” (“O Maldito”).

E assim o Expressionismo, na Arte, mostrou um artista chocado diante desse mundo que jogava o sujeito ao seu próprio destino, nesse jogo de “salve-se quem puder” perpetrado por um sistema injusto, discriminador e assassino. Que manchava as cores do mundo com suas grandes sombras pesadas, como asas monstruosas, que varreram milhões de vidas humanas em duas guerras mundiais horrorosas. E ainda continuam nos sobrevoando, ameaçadoramente…

Mas até mesmo nesses momentos, o artista deve falar. A sensibilidade do artista está aí para nos fazer ver que, além de qualquer visão terrível, a Musa sempre canta… e nos encanta…

Como disse Cecília Meireles:

“Eu canto porque o instante existe
e a minha vida está completa.
Não sou alegre nem sou triste:
sou poeta.

Irmão das coisas fugidias
não sinto gozo nem tormento.
Atravesso noites e dias
no vento.

Se desmorono ou se edifico
se permaneço ou me desfaço
- não sei, não sei. Não sei se fico
ou passo.

Sei que canto. E a canção é tudo.
Tem sangue eterno a asa ritmada.
E um dia sei que estarei mudo:
- mais nada”.

O sonho da razão produz monstros, Francisco Goya, gravura, 1799

A noite escura da alma de Oswaldo Goeldi

 O Museu de Arte Moderna de São Paulo, localizado no Parque do Ibirapuera, está apresentando a exposição “Oswaldo Goeldi: sombria luz”, trazendo a maior retrospectiva da obra do artista do Rio de Janeiro. São cerca de 200 trabalhos que vão dos anos 1920 até sua morte em 1961.

Na tarde gelada deste último domingo, fui ver a exposição. Queria ver de perto as gravuras desse homem melancólico, solitário, que criava suas gravuras numa temática que ia na contramão dos modernistas brasileiros, seus contemporâneos, mais luminosos e coloridos. Oswaldo Goeldi mostra uma cidade do Rio de Janeiro noturna, deserta, habitada por figuras sombrias, sempre solitárias, e por gatos, cachorros, pássaros agourentos.

Na noite escura da alma de Goeldi, ele só escavava suas madeiras baseado em traços, poucos, que fossem suficientes para mostrar ruas e casas iluminadas por postes de luz fraca, ou pelo céu cuja fosforescência partia de baixo para cima. Algumas de suas xilogravuras são, mesmo assim, luminosas. A luz parece explodir de um ponto qualquer, mas todo o resto está imerso na mais profunda escuridão.

São pequenas as xilogravuras de Goeldi. Alguns dos traços de sua goiva são muito tênues, finíssimos, mas que dão a configuração necessária ao que ele quer mostrar, seja um rosto triste contra a luz de um poste, seja um pequeno gato preto deitado num muro. Ele é econômico nos traços: nada de linhas desnecessárias, o observador que complete a imagem em sua mente. Há seres solitários lá, bichos abandonados assim como as pessoas caminhando sozinhas por ruas escuras, observadas por gatos, urubus, cães.

Autorretrato

Depois de uma hora observando de perto o trabalho deste artista, uma certa melancolia acaba nos invadindo também. E acabamos nos questionando: por que ele era tão triste, tão solitário? Que caracterizava sua personalidade? Que experiências de vida ele viveu? Por que sua cidade nada tem de luminosa? Cadê o sol em sua vida?

Oswaldo Goeldi pode ser caracterizado como um artista expressionista, movimento artístico que teve lugar especialmente na Alemanha, no começo do século XX. O Expressionismo foi uma espécie de projeção da subjetividade, baseada numa reação emocional. Os sentimentos angustiados do artista expressam um real deformado, que ele mostra de forma intensa em sua arte. A visão é pessimista, o mundo ameaçador.

Paulo Venancio Filho, especialista na obra de Goeldi e curador da exposição diz, no livreto que fundamenta a mostra, que a proximidade do artista gravador com o expressionismo “é inequívoca, artística e existencial”. Goeldi trazia à tona um lado obscuro do Brasil, um país de tantos contrastes, principalmente sociais. Nada há nele que mostre a face conhecida de um Brasil ensolarado, luminoso, mas – acrescenta Venancio – Goeldi “com os recursos limitados da xilogravura e do desenho a lápis ou carvão, mostrou que sob a luz solar havia um mundo em desassossego e desajuste”.

Oswaldo Goeldi trabalhava sozinho em seu ateliê que era em seu próprio quarto. Morou muitos anos, os últimos de sua vida, na casa de uma casal de amigos, situada no Leblon, na época um bairro simples do Rio. Segundo sua sobrinha-neta, Lani Goeldi, ele se sentiu atraído pelo expressionismo desde que conheceu a obra de Vang Gogh (1853-1890) e Edvard Munch (1863-1944). “Foi dentro dessa linha que ele construiu seu trabalho”, diz ela.

Oswaldo Goeldi em seu ateliê

Mas ele se identificou principalmente com a obra de Alfred Kubin (1877-1959), de quem se tornou amigo. Kubin foi um escritor, desenhista, gravador e ilustrador austríaco. Seus traços também são expressionistas.

Otto Maria Carpeaux (1900-1979), jornalista, ensaísta e crítico literário brasileiro (austríaco de nascimento), disse de Oswaldo Goeldi:

“A arte de Goeldi sempre me lembrou um recurso raro da dramaturgia: o monólogo, que é, por definição, uma arte silenciosa. As figuras, nas suas sombras, parecem cercadas pelo silêncio e pela solidão; esses homens irremediavelmente perdidos e esses bichos abandonados em meio a paisagens suburbanas em decadência. Quando muito, seus pescadores à beira-mar chegam a ver, na hora da madrugada, um sol terrível que se levanta vermelho no horizonte. O resto é noite. Temos que penetrar no sentido dessa escuridão que assombra o mundo de Goeldi”.

Biografia

Oswaldo Goeldi nasceu em 1895 no Rio de Janeiro. Seu pai era o naturalista suíço Emílio Goeldi. Logo após o nascimento do menino, seus pais se mudaram para Belém do Pará, onde Emílio Goeldi foi fazer pesquisa em Zoologia e Botânica. Com seis anos de idade, Oswaldo foi estudar na Suiça. Mas cedo abandonou os estudos politécnicos para ingressar na Escola de Artes e Ofícios de Zurique. Também não concluiu sua formação lá. Continuou estudando sozinho e fez sua primeira exposição individual na cidade suíça de Berna, onde conheceu o trabalho de Alfred Kubin, com quem se corresponderá durante décadas.

Goeldi volta para o Brasil em 1919. A I Guerra Mundial havia acabado, mas a Europa ainda sofria as consequências, inclusive psicológicas, dos horrores causados pela guerra. Aqui no Brasil, ele vai trabalhar como ilustrador de livros e periódicos. Em 1930 lança seu álbum “Dez gravuras em madeira”, com prefácio de Manuel Bandeira. Participou da Bienal de São Paulo e de Veneza, ganhou prêmios e projeção nacional e internacional. Foi também professor da Escola Nacional de Belas Artes.

Lani Goeldi diz que ele vivia “à margem das convenções sociais e familiares. Nunca dividiu suas preocupações, nem seus anseios, nem com os poucos amigos que tinha”. Nunca se casou, não teve filhos.

Morreu no dia 16 de fevereiro de 1961, no Rio.

O poeta pernambucano Manuel Bandeira (1886-1968) assim falou do amigo:

“A imaginação de Oswaldo Goeldi tem a brutalidade sinistra das misérias das grandes capitais, a soledade das casas de cômodos onde se morre sem assistência, o imenso ermo das ruas pela noite morta e dos cais pedrentos batidos pela violência de sóis explosivos – arte de panteísmo grotesco, em que as coisas elementares, um lampião de rua, um poste, a rede telefônica, uma bica de jardim, entram a assumir de súbito uma personalidade monstruosa e aterradora”.

É assim a gravura do artista brasileiro Oswaldo Goeldi: mostra um mundo que ninguém quer ver, mas que está lá atrás das sombras, tão Real quanto o outro.

Eduard Munch: era o inferno, o que ele via?

O Museu George Pompidou de Paris apresenta de 21 de setembro de 2011 a 9 de janeiro de 2012 a exposição “Edward Munch: o olhar moderno”. Munch, pintor norueguês bastante conhecido principalmente pela sua obra “O Grito”, foi um pintor pré-expressionista. Fui ver pessoalmente esta exposição de um pintor que me interessa e me toca pessoalmente.

O Grito

Cheguei no Museu ao meio dia, não havia fila ainda. Mas muita gente já estava lá. Gente de muitos lugares diferentes, de cores diferentes, de línguas diferentes, se acotovelando dentro das salas do Museu para observar as pinturas desse intrigante pintor norueguês, cuja tela mais conhecida – O Grito – tem sido uma imagem tão recorrente nestes tempos pós-modernos.


Ele é considerado, como artista do século 19, ou pintor simbolista ou pré-expressionista. Era um artista recluso, uma alma que parecia atormentada. Edward Munch nasceu no dia 12 de dezembro de 1863. Era o segundo filho de um médico militar e teve quatro irmãos. Sua mãe, Laura Cathrine, morreu quando ele tinha só 5 anos de idade e foi sua irmã mais velha, Karen Bjolstald, quem lhe serviu de mãe. Quando cresceu, Munch entrou na faculdade de engenharia, que logo abandonou para se dedicar à pintura. Com apenas 18 anos, vende suas duas primeiras telas e aos 19 anos se junta a mais outros seis amigos e cria um atelier em Oslo.

Auto-retrato

Em 1885 ele vem a Paris, onde estuda as pinturas do Salon d’Automne e do Museu do Louvre. Fica bastante impressionado com o pintor francês Edouard Manet. Quando volta a Oslo, começa a pintar três telas muito importantes em sua carreira, duas das quais vi hoje no Pompidou: “Criança doente” e “Puberdade”. A primeira, quando foi exposta pela primeira vez em Oslo em 1886, causou indignação do público. Ele trazia uma novidade temática e estética que era demais para os olhos noruegueses acostumados a pinturas mais suaves.


Em 1889 ganha uma bolsa para estudar em Paris por três anos. Aqui, ele foi aluno, durante algum tempo, de Léon Bonnat. Seu pai morreu em novembro desse ano e ele resolve se instalar em Paris, na periferia, um lugar chamado Saint-Cloud. É dessa época a pintura “Noite”, onde ele parece expressar sua solidão e sua melancolia. Mas o que ele mais sentia prazer em Paris era em frequentar as rodas artísticas que por Paris se multiplicavam nessa época. Aliás, já era assim fazia tempo e isso também tinha atraído o pintor realista Gustave Courbet.

Criança doente

Volta a Oslo em 1892 mas recebe um convite para uma exposição em Berlim, que ele aceita. E se muda para lá. Começa a frequentar um círculo literário de Berlim, o “Schwarzer Ferkel” (Porco Negro), junto com artistas locais. Faz exposições em Dresden, Munich, Copenhagen e Berlim e é nessa época que ele começa a trabalhar na sua famosa tela “O Grito”.


Esta exposição do Geroge Pompidou, mostra as ligações de Edward Munch também com a fotografia e com o cinema, que começava a dar os primeiros passos. Mostra como ele vai sozinho experimentando a fotografia, que dá para perceber em ousados auto-retratos. "Eu aprendi muito de fotografia, diz ele. Eu tenho uma caixa velha com a qual eu tirei fotos incontáveis de mim mesmo. Isso resulta, muitas vezes surpreendente. Um dia, quando ficar velho e não tenho mais nada melhor para fazer do que escrever minha autobiografia, então todos os meus auto-retratos aparecerão em campo aberto ", disse eçe numa entrevista a Hans Torsleff em 1930.

Trabalhadores na neve

A exposição quer mostrar que Munch foi “totalmente moderno". São 140 obras, incluindo pinturas, fotografias, estampas, obras sobre papel, filmes e uma das poucas esculturas do artista. É uma das maiores exposições de Eduard Munch que já aconteceram em Paris.


Edvard Munch não é apenas o pintor da angústia interior. Grande leitor da imprensa nacional e internacional, muito de seu trabalho baseia-se na existência humana, muitas vezes difícil. Muitas pinturas são inspiradas em cenas captadas nas ruas, em incidentes que ele ouviu relatados pela imprensa ou no rádio. Ele não examinava apenas o próprio rosto – como em muitos autorretratos se vê – mas era um observador dos sentimentos humanos mais densos, mais inquietantes, mais assustadores.


Como Rembrandt, ele observava os efeitos da passagem do tempo sobre seu corpo e seu rosto. Até que na velhice, já na década de 1930, foi acometido de uma doença nos olhos, que sangravam, causando a perda súbita da visão direita. Mesmo assim, ele desenha e pinta e faz anotações diárias sobre os efeitos da cegueira.
No Museu Pompidou há uma sala somente desta fase da cegueira de Munch, onde ele fazia desenhos e pintava com o que conseguia ver do mundo. Até que ficou completamente cego em 1936.

Puberdade

Em 1937, os nazistas consideraram 92 obras suas como “arte degenerada”. Em 1940 ele vê seu país, a Noruega, ser invadida pelas forças nazistas, com quem ele recusa qualquer contato.


Eduard Munch morreu em janeiro de 1944.


Pela inquietação que provoca em nós, que observamos suas obras, fica muito questionamento sobre esse homem angustiado que abriu espaço para outros artistas inquietos que vieram a seguir, especialmente na Alemanha, que se juntaram em movimentos de resistência e foram os criadores do Expressionismo. Uma dessas herdeiras de Edward Munch, lembre-se, é Käthe Kollwitz. Artistas que viveram naqueles horrorosos tempos de guerra, quando corpos humanos eram deixados em frangalhos, em carne viva.


Tempos difíceis, angustiantes, sufocantes, vividos pelo avô do meu amigo francês Henri – que me hospeda em sua casa. Um homem que viu esses corpos humanos despedaçados, um homem que não queria ter filhos para não fornecer mais carne humana para o massacre da guerra, o avô do Henri. Mas que escreveu outra história, baseada não na morte, mas na vida: ajudou a fundar o Partido Comunista da França.


Seria esse “ovo da serpente” daqueles tempos estranhos que Munch era capaz de ver e que o teria deixado cego na velhice?

Velando a morte.

Kathe Kollwitz, uma artista em Berlim

Kathe Kollwitz, desenhista e gravadora alemã, é uma das mulheres mais importantes da historia alemã do final do século XIX até meados do século XX. A envergadura do seu trabalho faz com que ela seja conhecida e respeitada também fora do seu país, não somente por sua qualidade técnica, com traços de realismo e expressionismo, mas também como artista com preocupação humanitária, retratando os operários desempregados, a fome, a guerra e a pobreza, males do capitalismo.

Conhecendo um pouco de sua história. Kathe nasceu na pequena cidade de Konigsberg, na época pertencente à antiga Prússia, entre Stutgart e Leipzig, em 8 de julho de 1867. Antes dos 20 anos de idade, ela foi estudar desenho em Berlim e Munique. Casa-se, logo em seguida, com o médico Karl Kollwitz, com quem vai morar em Berlim, no bairro Prenzlauer. Em 1892 e 96 nascem, respectivamente, seus dois filhos, Jean e Pierre, o segundo morto no começo da I Guerra Mundial.

Em plena atividade como artista, ela expõe pela primeira vez em 1898 na "Grande Exposição Berlinense de Arte Contemporânea". Em seguida, começa a dar aulas de desenho na Escola de Arte Feminina de Berlim. De 1902 a 1908, Kathe Kollwitz trabalha em uma série de gravuras em água-forte, com o tema "A guerra dos camponeses". Em 1904, ela e seu marido vão morar em Paris por três anos, onde ela aprende as bases das artes plásticas na Academia Julian, além de frequentar o atelier do escultor Auguste Rodin. Após a temporada em Paris, o casal passa o próximo ano em Florença, na Itália, fazendo com que ela também tomasse contato com a arte italiana.

Em 1914, seu filho Pierre é morto na guerra que começava. A morte do filho refletiu-se em seu trabalho, tornando-o ainda mais dramático, fazendo com que a artista expusesse ainda mais suas próprias feridas e as de todos os que sofrem com a guerra, em seus desenhos. A morte, a perda maior, é um dos temas recorrentes em seu trabalho. Ela viveu o trágico período entre o começo do século XX e a II Guerra mundial, onde a morte rondava a todos, especialmente os alemães. Em 1919, Kathe Kollwitz foi nomeada professora da Academia de Belas Artes de Berlim, mas não chegou a dar aulas. Por ser mulher, simplesmente, uma vez que o governo daquela época não aceitava mulheres ocupando cargos públicos.

De 1920 a 1925 ela produz a serie de gravuras com os temas "Guerra" e "Proletariado", além de produzir numerosos cartazes de propaganda da luta dos trabalhadores e do povo pela paz. Em 1927, viaja a Moscou, onde recebe uma atenção especial do governo soviético e dos artistas plásticos russos.

De volta a Berlim, em 1928, ela dirige um atelier de artes gráficas na Academia de Belas Artes. Em 1933, é obrigada a deixar a Academia, por suas posições políticas ao lado dos operários alemães. Em 1936, sai uma interdição oficial, por parte do governo do partido nazista, para ela expor. Durante o período da segunda guerra mundial, entre 1943-44, ela se refugia, já viúva, no povoado de Moritzburg, próximo a Dresden e morre no dia 22 de abril de 1945, com 77 anos de idade.

Estive, semana passada, no Museu Kathe Kollwitz, aqui em Berlim. Funciona numa antiga casa de quatro andares, todos repletos de seu trabalho: desenhos, gravuras, esculturas. Foi uma das experiências de visitas a museus mais marcantes da minha vida. Conheço o trabalho de Kathe Kollwitz desde 1979 quando, ilustradora do movimento estudantil no Maranhão, me deparei com uma gravura dessa artista, da qual jamais esqueci, porque refiz o desenho dela em estêncil para o jornalzinho do DCE-UFMA, impresso em miméografo. Agora o original estava ali, na minha frente!

É uma experiência de contemplação profunda, observar seus traços, seu desenho, seus temas, sua sensibilidade ao ser humano que sofre. Ela era a artista dos mais pobres, dos famintos, dos renegados socialmente. No período do século XX que vai até a II guerra mundial, a Alemanha, onde vivia Kathe Kollwitz, era um país sombrio, o que se refletiu profundamente em seu trabalho. Na década de 1920, apos a I Guerra, os alemães estavam desempregados, famintos, doentes, e com medo. O filme do diretor Ingman Bergman, "O Ovo da Serpente", dá um quadro bem real do que era viver em Berlim naquela época. Vale a pena assisti-lo para compreender melhor como aqueles tempos angustiantes.

Mas uma característica especial salta aos olhos ao observar o trabalho de Kathe Kollwitz: grande parte de suas gravuras usa a imagem da mulher, especialmente da mãe. A mãe, como detentora potencial da vida, aquela que supre e nutre, a que cura e protege. Em várias de suas gravuras há uma mãe, ou grupos de mães unidas, protegendo os corpos de seus filhos com seus próprios corpos. E toda sua energia. Parecia que a artista queria mostrar, através da imagem simbólica da mãe, que a sociedade deveria ser a mãe que agrega, ao invés de dividir; que envolve, ao invés de desprezar; que protege, ao invés de abandonar. Essa sociedade, basta uma olhada rápida para qualquer rua hoje, não é dentro do sistema capitalista.

Talvez por ter perdido seu próprio filho na guerra, haja tantas mães em seus desenhos, defendendo seus filhos da morte. E talvez por ser uma mulher vivendo em uma época dura, ela tantas vezes sentiu necessidade de se auto-retratar, como se tentasse encontrar nos traços do seu rosto algum delineamento coerente. Ou pode ser que tentasse se rever como mulher, diante do próprio espelho, com rosto atualizado, vendo o processo do envelhecimento deixar marcas em sua face.

Mas... por trás dessa aparente tristeza presente em sua obra que escancara as zonas sombrias da vida, existe uma força nos traços, uma força pulsante e latente, a força da vida, da mulher que não se rende, da mãe que não se acomoda, da artista inquieta. Seu trabalho mostra, acima de tudo, a energia da vida, a fortaleza, a determinação e a consciência que inspiram aqueles que se engajam na luta por um mundo mais humano. Tudo isso mostrado dentro de um trabalho que apresenta gravuras, esculturas e desenhos que falam por si só, de tão imensa e tecnicamente belos!