Pintar de imaginação?

John Singer Sargent pintando uma de suas obras, com as modelos posando à sua frente

Há algum tempo atrás, dois amigos em dois momentos diferentes me fizeram a mesma pergunta: os artistas pintam seus quadros "de imaginação" ou eles usam modelos/referências?

Isto parece ser uma questão clara para os pintores, mas é uma espécie de "lenda urbana" para os que não o são. A "culpa" disso pertence aos pintores modernistas, estrangeiros e brasileiros, que começaram a "criar/inventar" seus próprios modelos.

A resposta é muito simples: - Não! Nenhum grande mestre pintou de "imaginação", em especial as figuras humanas de seus quadros. Um dos meus amigos se disse "decepcionado": - Não? perguntou-me para confirmar. - Não! reforcei eu.

Clotilde Sorolla, esposa de Joaquín Sorola,
serviu de modelo para diversas telas do marido

Mas é assim que são as coisas. Há inúmeras idealizações causadas por profundo desconhecimento da maioria das pessoas sobre as artes plásticas...

A não ser que o pintor siga uma linha mais modernista - de cubista a expressionista, abstrato ou conceitual, quando aí sim, o artista se vê "livre" para criar suas próprias figuras, como fez Picasso, por exemplo - os pintores figurativos, desde os primórdios da pintura na Idade Média, lá pelos séculos XIV-XV, vêm utilizando a Natureza como modelo para seus quadros. Ou seja, a Natureza (com N maiúsculo mesmo, porque mais ampla) vem sendo o modelo de todos os pintores figurativos que se baseiam naquilo que vêem em seu mundo, o real.

Durante muito tempo, na história da Arte, os temas principais que aparecem na pintura foram temas de cunho religioso, para os quais se usava e abusava da "imaginação"... O poder da igreja impunha que, para catequizar os homens e mulheres em sua maioria analfabetos, as imagens eram uma boa forma de ensinar as lições contidas na Bíblia, por serem de fácil compreensão a todos. Era preciso fazer propaganda de sua filosofia, de sua visão de mundo, de seus santos e regras de vida.

Os pintores têm sido usados para isto há muitos e muitos séculos. Muito antes mesmo da Idade Média, pintores eram contratados para criar cenas bíblicas, terrestres ou celestes, assim como dar uma "cara" a seus santos, anjos, profetas. Pode ser que na época alguns tivessem se inspirado em modelos reais (na Alta Idade Média), mas a maioria "criava" os rostos sagrados de Maria, de Jesus, dos santos e mesmo de Deus. Podemos ver, por exemplo, nos ícones da igreja ortodoxa russa, como havia um certo padrão para os rostos de santos e de figuras sagradas. Não precisavam se basear em pessoais reais. Aliás, não DEVIAM se inspirar em pessoas reais!

"A costureira", de Diego Velázquez,
para cuja pintura serviu de modelo,
sua própria esposa

Só que quando o ser humano foi colocado no centro das atenções, em especial no período que conhecemos como Renascimento, por exemplo, pintores como Leonardo da Vinci, Michelangelo, Ticiano, Rafael e tantos outros - só para ficar na Itália - começaram a se apaixonar pela anatomia do corpo humano e a pintar figuras humanas cada vez mais reais. Lembre-se, por exemplo, do grande Caravaggio que usava como modelos, para seus quadros de santos, pessoas bem concretas das ruelas e becos de Roma, seus amigos vagabundos e prostitutas...

Alguém pode conceber a "Gioconda" de Da Vinci como uma criação de sua imaginação? Claro que não! Da Vinci usava modelos bem concretos, de carne e osso, em seu ateliê. Aliás, ele tinha um modelo preferido, um de seus alunos. Assim como é impossível que alguém possa concluir que o grande "David" de Michelangelo tenha surgido de sua cabeça somente, sem que nenhum ser humano tenha posado para que ele pudesse tão bem esculpir a anatomia masculina em sua grande escultura!

Diego Velázquez usou como seus primeiros modelos de pintura sua própria família, pais e esposa. Depois que foi para a Corte do rei Felipe IV, além dos membros da família real, que pintou, Velázquez também retratou os trabalhadores que, como ele, serviam ao rei, desde bobos da Corte às damas de companhia...

Rembrandt e Vermeer, lá nos Países Baixos, pintavam suas figuras a partir de muitos e muitos estudos de observação com modelos bem vivos. A "Moça com brinco de pérola" foi pintada a partir de uma modelo bem real e feminina. Disse-se que era uma das empregadas de sua casa.

Meus amigos, a profissão de modelo que posa para artistas é tão antiga quanto a pintura figurativa!

Não tenho eu, pobre de mim, a menor capacidade de inventar uma outra maneira de pintar realisticamente o que vejo sem ver! Se nem mesmo os velhos mestres, os grandes pintores do mundo, pensaram que podiam ser capazes disso...! Os exemplos que eu poderia dar aqui fariam parte de uma lista enorme, além destes que citei acima.

Mas vamos lembrar de mais alguns:

Gustave Courbet, Renoir, Édouard Manet, Francisco Goya, John Singer Sargent, Jean Dominique Ingres, Van Gogh, Edgar Degas, Eugène Delacroix, El Greco, José Ribera, Zurbarán, Joaquin Sorolla, Rubens, William Turner, Frans Hals, William Bouguereau, Camille Corot, Hans Holbein, Paul Gauguin, Van Dyck, Francisco de Zurbarán, Ilya Repin, Rodin... a lista é imensa dos artistas figurativos e TODOS eles usavam a Natureza (o que inclui tudo o que pode ser visto e pintado, de animais a seres humanos) como modelo para suas obras.

Decepcionei mais alguém?

"Titus", filho de Rembrandt, que posou para ele
diversas vezes

Não seria conveniente raciocinar que se eu me considero uma pintora figurativa, de caráter mais realista, não seria uma incoerência eu me ligar a pintores mais modernos e que se desligaram da realidade para "inventar" minhas próprias figuras?

Por trás do uso de modelos bem concretos para que eu possa me expressar artisticamente, há toda uma linda filosofia de trabalho que diz, em resumo, o seguinte: a inesgotabilidade do Real é o que causa em mim a grande paixão de me expressar artisticamente ao observar modelos bem concretos (sejam humanos ou não). Que eu seja capaz de desenhar e de pintar, e através dessa minha relação com eles e com meu mundo eu tenha a capacidade de produzir meus quadros, isto é algo verdadeiramente extraordinário!

Há uma história que aconteceu com Claude Monet, por exemplo. Eu estive em Paris, há alguns anos atrás, e puder ver uma exposição de várias pinturas que ele fez da mesma igreja, a catedral de Rouen, em vários momentos do dia, porque ele queria captar a luz dos vários momentos do dia! Então ele usou a mesma igreja como modelo para várias telas, pois seu interesse estava na luz e nos efeitos que esta produz no mundo.

Não é incrível que eu possa me inspirar num modelo (vamos dizer que num mesmo modelo) e a partir dele - do Real - eu possa criar quadros diferentes, com temas diferentes, com luzes e cores diferentes? Por que teria mais valor criar minhas figuras de "imaginação"?

Minha opção de vida como pintora, até agora pelo menos, é de usar a realidade como referência! A realidade é de uma riqueza inesgotável! Há artistas que abriram mão dela, que preferem pintar "de imaginação". Conheço muitos deles, vários dos quais são brasileiros e estão fazendo seus trabalhos hoje. São muito bons no que fazem, vários deles. Pintam seus mundos internos, suas visualizações pessoais, colorem seus quadros a seu modo, pintam suas figuras com "liberdade" de invenção...

Mas a minha "liberdade" de invenção garanto que é tão ampla quanto a deles (senão mais!), mesmo que pareça que eu esteja "presa" à figura real... Porque eu não "copio" o que vejo, eu interpreto.
Ocorre que a realidade do mundo à nossa volta é movimento, é impermanência, é inesgotabilidade...

Menino posando para o artista inglês Lucien Freud

Ron Mueck e a condição humana

Viver nesta São Paulo dos dias de hoje - com os problemas hiperbólicos de uma metrópole repleta por milhões de pessoas - talvez faça com que todos busquemos formas as mais diversas para viver nossa humanidade, relegada ao segundo plano naqueles dias em que todos lutamos para sobreviver. Nestes dias, milhares de paulistanos buscaram as dezenas de blocos para dançar seu carnaval; outros milhares fugiram, como sempre, para o litoral ou o interior; outros, buscaram os parques, os passeios na avenida Paulista, os bares e restaurantes, as salas de cinema, as salas de teatro, os concertos musicais, as exposições de arte.

Porta do Inferno, Rodin, 1880-1890,
Bronze, 635 x 400 cm

Ontem (22/02) foi o último dia para ver a exposição de esculturas hiperrealistas do australiano Ron Mueck. A mostra bateu todos os recordes de público na Pinacoteca do Estado de São Paulo: 402.119 pessoas passaram por lá, desde 14 de novembro passado. Somente a mostra da “Porta do Inferno” do escultor francês Auguste Rodin, em 2001, tinha recebido tanta gente: 300 mil pessoas! Nesta mostra de Mueck, filas se formaram durante todos os dias. Segundo pesquisa feita pela diretoria de Relações Institucionais da Pinacoteca, 80% dos que visitaram esta exposição que terminou ontem, nunca tinham ido a um museu antes. A entrada era gratuita.

Também em São Paulo, o Museu da Imagem e do Som (MIS) recebeu 410 mil pessoas entre o mês de julho passado e o começo deste ano que foram ver uma outra exposição: “Castelo Rá-Tim-Bum - a exposição”.

Tudo isto quer dizer alguma coisa… Ou muita coisa!

Fiquei pensando, durante todos estes dias, após analisar algumas imagens das esculturas de Ron Mueck: não estamos diante de um trabalho de um artista que nos provoca reflexões sobre a nossa condição humana? Para mim, suas figuras solitárias e pensativas, descritas nos mais mínimos detalhes dos pêlos e rugas do corpo humano, me fazem refletir sobre a existência no mundo em que todos vivemos atualmente. Me faz pensar sobre a condição humana, e a minha. Me traz comparações do tipo: como sou pequena em meio à multidão que, por sua vez, é tão miúda diante do sistema dominante! Mas multidão sempre se torna grande em grandes momentos da história...

Esses seres gigantes ou pequenos de Ron Mueck (sempre fora da escala humana) são reconhecidos por todos, independente de origem geográfica ou cultural, como representações de seres humanos. Isso parece óbvio. Mas será que essa representação universal da humanidade mostra o Homem Universal, independente de contexto e história? Ou cada um que vê de perto essas esculturas - enormes ou pequenas - é capaz de passar além da admiração para a contemplação, e se olhar no espelho e refletir sobre sua própria condição? Por que 402 mil pessoas enfrentaram horas de fila para ver um casal de velhos enormes, pensativos, solitários em seu mundo interior? Ou para ver uma mãe gigante com olhar cansado sendo observada pelo seu bebê pendurado no seu colo? Ou um menino grande como um titã, agachado, como se se protegesse contra alguém ou alguma coisa?

São Paulo, São Paulo… Talvez seja o fato de morar em São Paulo o que me inspire esta interpretação. Aqui não vivemos nós todos como estátuas imensas ou minúsculas, trancadas cada uma dentro do seu próprio mundo, querendo buscar saídas e andando ao encontro das multidões que nos arranquem de nossos solipsismos? Encarar quatro horas numa fila? Isso não é nenhum problema, quando buscamos uma saída, uma janela aberta para outros mundos possíveis, outra percepção do mundo e da realidade. Isto a arte pode nos dar! 

Que bom que mais brasileiros estão descobrindo essa forma de se distrair do mundo do trabalho que nos suga até a última gota! E o que é “distrair”? De certa forma é esquecer da rotina, do corre-corre, é buscar o foco em outro ponto, mesmo que seja o de se admirar com a performance técnica do autor das esculturas hiperrealistas… E entre um espasmo de espanto e outro, diante da técnica, mesmo que seja por um segundo apenas, se ver refletido nos olhos ou até na barba mal feita do artista que escancara nossa condição humana… Ou se ver, de repente, como aquele homem completamente nu sentado dentro de um barco velho e lembrar da frase do poeta português que diz que “navegar é preciso, viver não é preciso”...

Durante os últimos dias da exposição, na frente da Pinacoteca, um garoto-ator, contratado por uma organização que cuida de crianças de rua, estava de cócoras - como o garoto de Mueck - sobre um cartaz que perguntava algo como: “você se importa com seres humanos reais?” Talvez alguém, entre os que estavam na fila, tenha se incomodado com a pergunta e se perguntado porque estava ali para ver pessoas de fibra de vidro e silicone, sendo que em nossas ruas sujas do centro temos tantos espécimes reais, velhos e novos, ao gosto do freguês e para quem quiser ver. 

Mas quem quer ver hordas de zumbis noiados de crack, famílias inteiras famintas e imundas, quadrilhas de moleques pardos ameaçadores, bandos de gente sem casa e sem destino? Isso já vemos todos os dias! Isso é o nosso Real, que carregamos todos os dias em meio ao trânsito, aos ônibus insuficientes, às procissões imensas e diárias dentro dos buracos do metrô, representações reais e bem humanas da vida de gado que levamos neste sistema que nos domina… Esta é nossa condição humana atual. Aquela, a do Mueck, é a que nos distrai do dia a dia e nos faz esquecer, um pouco, da vida que corre lá fora; ao mesmo tempo, nos mostra a vida que corre dentro de nós… Arte é para isso.

Arte é para nos fazer pensar. E pensar incomoda. A arte incomoda. Nos tira do mundo pequeno da existência e nos atira no mundo grande da vida. Vida é movimento. Arte é movimento. Movimentos...

Ateliê Contraponto homenageia Vera França

Neste último dia 30 de julho, o Ateliê Contraponto mais uma vez abriu suas portas para receber dezenas de pessoas, entre artistas e amantes da arte. Nesse evento intitulado "Vera França Modelo Vivo", nós homenageamos dona Vera França, uma senhora de 73 anos de idade, que há mais de 50 anos posa como modelo em ateliês de artistas, escolas, academias e espaços onde se pratica desenho, pintura, gravura, escultura.

Quarenta e seis artistas participam desta Exposição Coletiva em homenagem a dona Vera, com trabalhos que vão desde desenhos rápidos a mais trabalhados (com grafite, nanquin, carvão, pastel) até pinturas e esculturas. O ateliê do escultor Newton Santana participou com 9 esculturas, das 15 que estão lá.

Vieram artistas de outras cidades do interior de São Paulo, como Franca e Ribeirão Preto, assim como de Porto Alegre, no Rio Grande do Sul. Muito conhecida em meio aos que praticam arte, especialmente em São Paulo, Vera França recebeu essa homenagem merecida de todas as cerca de 150 pessoas que estiveram no evento do dia 30. Ela estava muito feliz, pois sempre diz que se sente em casa em meio a pintores, escultores, desenhistas.

E o Ateliê Contraponto mais uma vez cumpre seu papel, que é ser um ponto de atração da arte em São Paulo. Reunindo artistas e ateliês, ajudamos a ampliar esta rede de pessoas que muitas vezes sozinhas em seus ateliês, ou residências, praticam sua arte. Sabemos o quanto é importante, em nosso meio, os contatos, as conversas, as exposições coletivas, os esforços conjuntos, a rede de amigos. Isso amplifica nossos esforços individuais, abre novas perspectivas. 

Por outro lado, fazemos uma justa homenagem a uma pessoa tão importante como "trabalhadora da arte" como Vera França! Afinal, a partir das poses dela muitos artistas puderam alcançar momentos sublimes em sua prática artística, ou mesmo momentos de aperfeiçoamento mais profundo no desenho, na pintura, na gravura, na escultura... Homenageando Vera, também homenageamos todos aqueles que trabalham como modelos vivos, que são muitos nestes tempos atuais. Quando dona Vera começou, São Paulo tinha menos de meia dúzia de pessoas que faziam esse trabalho...

O papel da arte também é este: juntar as pessoas, inspirar, reunir, enriquecer a vida com o potencial que a Arte abre à fruição do Belo, ao encantamento, à sensibilidade e à possibilidade de acesso à alma do mundo.

Parabéns, Vera França!

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Abaixo alguns momentos da inauguração da exposição:

Vera França modelo vivo

Vera França posando para retrato no ateliê de Maurício Takiguthi

Há mais de 50 anos Vera França, que completa 73 anos de idade este ano, posa como modelo vivo para artistas pintores, escultores, desenhistas. O Ateliê Contraponto está recebendo o “Projeto Vera França Modelo Vivo” idealizado por Jair Diniz, que inclui quatro sessões com a modelo posando, seguida de exposição de trabalhos inspirados em dona Vera. Dia 30 de julho será aberta a exposição com uma homenagem festiva dos artistas paulistanos à sua modelo mais antiga.

A modelo Vera França

Vera França é pernambucana de nascimento, nascida em Afogados da Ingazeira. Um de seus primeiros empregos foi em um parque de diversões em Salvador, Bahia, como bailarina de can-can. Tinha uns 19 anos, diz ela. Um belo dia foi convidada a posar como modelo em uma escola de Belas Artes na capital baiana. Assim começou uma carreira que já dura cerca de 52 anos.

De Salvador, Vera França veio para São Paulo onde, na época, havia uma carência grande de pessoas que posassem para os artistas. Chegou aqui em abril de 1966 e foi morar no quarto de empregada do apartamento do artista Flávio de Carvalho. Ajudava na casa e posava para ele, que na época morava na avenida Ipiranga. Através dele, foi apresentada a diversos outros artistas e com isso sua carreira como modelo vivo foi crescendo. Foi com esta profissão que Vera criou suas duas filhas e hoje ajuda a criar seus netos.

As sessões com modelo vivo são fundamentais para qualquer pessoa que desenha, pinta, grava, esculpe. Artistas plásticos, designers, ilustradores, sketchers, gravadores e escultores sabem o quanto é importante o estudo da anatomia do corpo humano, o estudo dos movimentos, do gestual, das direções, das proporções, para sua evolução individual nas artes visuais. São momentos ricos de aprendizado e por isso é tão importante que existam modelos como Vera França.

Auguste Rodin trabalhando em seu ateliê

Por isso, tantos artistas ao longo da história devem tanto a essas pessoas que se dispõem a posar para eles! Podemos afirmar que grande parte das obras de arte que conhecemos deve-se a estas inúmeras pessoas que se postaram quietos – ou em movimento – à frente de cavaletes e mesas de trabalho dos artistas.

Lucien Freud, por exemplo, quase nunca pintava sem um modelo vivo à sua frente, assim como Auguste Rodin, o escultor. Caravaggio, para a grande maioria de seus quadros, teve modelos, entre seus conhecidos, posando para ele. John Singer Sargent, Joaquin Sorolla, Diego Velázquez, Degas, Gustave Courbet – a lista é imensa! – construíram grandes obras de arte a partir do estudo do corpo de modelos que posaram para eles. Podemos afirmar que nenhum grande artista pode abdicar da prática do desenho ou pintura com modelo vivo.

Desenhar, esculpir ou pintar uma pessoa posando amplia altamente o repertório pessoal do artista com traços, com massas, com valores, com tonalidades, com espaços, com proporções, com gestos, com expressão.

Por isso é tão importante essa homenagem a Vera França, que já possou para inúmeros artistas, ateliês, faculdades de arte. Ela já possou na Pinacoteca, no Centro Cultural, no Sesc. Desde 1966 vem ajudando artistas em seu trabalho de criação e em seus estudos.

No Ateliê Contraponto serão feitas quatro sessões de modelo vivo, com Vera França posando. Em seguida, no dia 30 de julho, haverá a abertura da exposição de trabalhos produzidos a partir dessas poses. Os artistas também farão uma homenagem a esta senhora de 72 anos que é parte viva do trabalho artístico com modelos vivos produzido em São Paulo há mais de 50 anos.
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A programação no Ateliê Contraponto é esta:

- hoje, dia 11 primeira sessão de modelo vivo com dona Vera
- dia 25 de junho, segunda sessão
- 19 e 26 de julho - sábados - sessões de modelo vivo
- dia 30 de junho - abertura da exposição de trabalhos com o tema "Vera França" e homenagem festiva à modelo.

Para participar desta homenagem, basta se inscrever pelo e-mail contato@ateliecontraponto.com.br

Cena do filme "L'artiste et sont modèle", de Fernando Trueba, produção França e Espanha, 2013

Camille Claudel

Desde que conheci, há algum tempo, a história da escultora francesa Camille Claudel, sempre que preciso falar dela isso me incomoda. Quando assisti, há muitos anos, o filme francês de 1988 “Camille Claudel”, senti mais do que incômodo, senti uma angústia que me fez nunca mais querer rever esse filme. Não é fácil olhar para uma mulher que sofreu tanto os preconceitos de uma época como ela e que sofreu as maiores dores da alma como ela. Fica difícil falar só de sua obra, uma escultura tão expressiva quanto tinha, por exemplo, uma outra mulher, a alemã Käthe Kollwitz. Não, não dá para falar somente de sua obra. Não dá para separar a obra da sua criadora. Não dá para separar a arte da vida.
Mas é preciso falar de Camille Claudel.

Neste ano de 2013, uma série de atividades estarão celebrando a obra desta grande escultora, resgatando sua imagem que durante muito tempo foi restrita à da louca que tinha sido amante de Rodin. Do final de março ao começo de junho, no Musée des Arcades no Hospital Central de Montfavet em Avignon, acontecerá a exposição de esculturas e pinturas com o título “Camille Claudel: de la grâce a l’exil - la femme, la folie, la creation” (Camille Claudel: da graça ao exílio - a mulher, a loucura, a criação). Além disso, há peças de teatro dedicadas a ela, inclusive aqui no Brasil, espetáculos de dança e um filme que está sendo lançado neste mês de março: “Camille Claudel, 1915”, do diretor Bruno Dumont, com a atuação da atriz francesa Juliette Binoche no papel de Camille.

Camille Claudel: busto de Rodin

Camille Claudel nasceu no dia 8 de dezembro de 1864 na pequena cidade francesa de Aisne. Ela passa sua infância em Villeneuve-sur-Fère. Era a primeira filha do casal Louis Prosper e Louise Athanaïse Cécile Cervaux. Antes dela, sua mãe teve um primeiro filho homem que morreu quinze dias após o nascimento. Após Camille, quatro anos depois, nasce Paul Claudel, que se tornou escritor e depois Louise Claudel, mais tarde musicista.

Alguns pesquisadores de sua obra e vida mais recentes destacam que desde cedo Camille começou a sentir a rejeição da própria mãe, que preferia ter tido um filho homem. Mas, do lado do pai, logo ele percebeu o grande talento da filha e foi sempre seu maior incentivador. É bom lembrar que no século XIX o mundo da arte era basicamente um mundo masculino. Às mulheres era sempre relegado um segundo lugar dentro das artes. As artistas que conseguiram se sobrepor pela qualidade do seu trabalho são raras, não só no século XIX, mas desde sempre na história da arte. Camille era uma escultora no nível da excelência de Rodin. Mas o mundo, durante muitas décadas, preferiu falar dela como de uma louca que tinha sido amante do mestre.

Camille: "Homem debruçado"

Mas voltemos à sua biografia. Seu pai, Louis Prosper, não mediu esforços para que sua filha se aperfeiçoasse na escultura, inscrevendo-a para estudar nas melhores escolas e cursos da época. Sempre com a discordância da mãe, que considerava tudo aquilo simples capricho da filha e que o pai gastava muito dinheiro com isso. Os biógrafos mais recentes destacam que Louise Cervaux foi quem internou a filha num manicômio, dias após a morte de seu pai.

Ainda menina, Camille já acalentava o sonho de ser uma escultora de sucesso. Aos 17 anos, resolveu ir embora de casa, para realizar seu sonho. Chegando em Paris, se matriculou na Academia Colarossi, uma escola voltada para formar escultores. Teve como mestres Alfred Boucher, inicialmente, e depois Auguste Rodin. Desta época é sua obra “Paul aos treze anos”.

Auguste Rodin, bem impressionado com o talento de Camille, admite-a como aprendiz em seu ateliê. Logo no início ela já se torna sua colaboradora, ajudando a executar a obra “Portas do Inferno” e o monumento “Os burgueses de Calais”. Camille fica durante vários anos trabalhando para seu mestre, por quem se apaixona. Ele lhe paga um salário de aprendiz, com o qual ela se mantém. As esculturas dos dois são muito parecidas e isso acaba aproximando-os mais.

Camille: "Paul aos 13 anos"

Começa então um caso de amor entre eles, mas Rodin não se separa de Rose Beuret, com quem era casado. Os sofrimentos de Camille, por causa disso, eram muito grandes! Acrescentava-se a isso o fato de, por ser mulher num meio artístico masculino que não admitia reconhecer seu talento, ela era acusada de copiar as esculturas de Rodin. Com o tempo, ela resolve se afastar dele, tanto pelo fato de Rodin ainda manter sua relação com outra mulher como porque queria continuar seu trabalho de escultora sozinha. Em 1898 rompe definitivamente com ele. Ela esculpe, nesse tempo, “A Idade Madura”, hoje exposta no Museu D’Orsay de Paris.

Muito triste e decepcionada por ter descoberto que não tinha passado de uma aventura na vida de Rodin, ela passa a alimentar um sentimento estranho e duplo por ele: amor e ódio. Enquanto isso trabalhava e vivia na mais completa solidão. Mas nunca conseguiu se desligar emocionalmente dele. Um amigo, Eugène Blot, resolve organizar duas exposições com as obras dela, pensando em obter com isso o reconhecimento público para ela, assim como um apoio financeiro. Seu trabalho foi bem recebido e muito elogiado pela crítica. Mas ela já estava doente e já não dava mais bola aos elogios. Lembranças ruins do passado não paravam de atormentá-la, misturando sentimentos em relação à rejeição de sua mãe e ao abandono do homem que ela amava, Auguste Rodin. Em seus delírios, ela achava que Rodin iria roubar suas obras e expô-las como suas. Já estava paranóica e esquisofrênica. Chorava muito frequentemente e falava em suicídio. Seu abatimento físico e psicológico eram muito grandes.

Camille: "Abandono"

No dia 3 de março de 1913, seu pai, a pessoa a quem ela tinha sido mais ligada em sua vida, morre. Camille piora de sua depressão e numa crise de fúria começa a gritar e quebrar tudo à sua volta. Sua mãe a interna no dia 10 de março, apenas uma semana após a morte de seu pai, no manicômio de Ville-Evrard. Com o advento da I Guerra Mundial ela foi transferida para o hospital de Montdevergues, onde ela viveu os últimos 29 anos de sua vida. Camille Claudel morreu com quase 79 anos de idade, no dia 19 de outubro de 1943.

Podemos pensar nela hoje não só como uma grande artista, mas como uma heroína, uma mulher com a coragem de enfrentar um tempo pleno de preconceitos contra as mulheres. Mas sua fortaleza escondia uma grande fragilidade e Camille pagou com sua própria saúde, física e mental, os percalços de sua vida.

Camille Claudel: "Idade Madura", Museu d'Orsay, Paris

Alberto Giacometti e suas figuras esmagadas

O cão

A Fundação Alberto e Annette Giacometti traz pela primeira vez ao Brasil, a primeira grande retrospectiva dedicada à obra do artista suiço Alberto Giacometti (1901-1966). A Pinacoteca do Estado de São Paulo inaugura a temporada sul-americana da mostra neste final de semana, dia 24 de março. Para a exposição foram selecionados cerca de 280 trabalhos, sendo 80 esculturas de tamanhos variados, 40 pinturas, 80 trabalhos sobre papel, 56 fotografias e documentos. Ao todo, são mais de 220 obras da coleção da Fundação Alberto e Annette Giacometti.

Homem andando, Giacometti

A exposição permitirá aos visitantes observar o desenvolvimento da carreira de um dos artistas mais marcantes do século XX, desde seu período de formação, na oficina de seu pai na Suíça, até suas últimas obras. Mostrando todos os aspectos da produção de Giacometti (esculturas, pinturas, desenhos, gravuras e escritos), a exposição aborda os principais temas do pensamento criativo do artista: a influência de Cézanne, a descoberta da arte Africana em 1926, a marca duradoura do pensamento mágico e do surrealismo, a invenção de uma nova representação do ser humano. A busca intelectual da Giacometti se aproximou dos maiores pensadores de sua época: André Breton, Jean-Paul Sartre, Simone de Beauvoir e Jean Genet, que são mencionados na exposição através de retratos e textos.

A Fundação também destaca que diversos colecionadores e amantes da arte na América do Sul, interessados e atraídos pela efervescência cultural de Paris nos anos 1930, adquiriram obras do artista, como a argentina Elvira de Alvear. Uma cópia desse trabalho se encontra na exposição, acompanhada por outras que foram adquiridas pelo MAM do Rio e pela Bienal de São Paulo em 1951. O evento teve estreita colaboração entre a Fundação Giacometti, os museus do Brasil e Argentina onde a exposição passará, além do patrocínio da Embaixada da França no Brasil e do apoio do Ministério da Cultura e de patrocinadores privados.

A seleção das obras que serão apresentadas, foi feita por Véronique Wiesinger, curadora da exposição e diretora da Fundação Alberto e Annette Giacometti. Ela se preocupou em apresentar as variações do percurso artístico de Giacometti ao longo de meio século, destacando a influência da escultura africana e da Oceania. Giacometti se deixou influenciar bastante pela arte primitiva, criando um estilo muito característico dele. Também sofreu influências do Surrealismo e sua obra “Bola suspensa”, feita entre 1930-31, é considerada por André Breton o melhor exemplo de uma escultura surrealista.

A mostra traz desde os retratos do artista executados por seu pai e por seu padrinho, ambos pintores, até as esculturas monumentais. O tema da cabeça humana é recorrente na obra de Giacometti, que realizou centenas de estudos sobre a cabeça e sobre os olhos do ser humano. Há salas para as esculturas onde as figuras são engaioladas, assim como bustos, pintados ou esculpidos, com destaque para os retratos de sua esposa Annette e de Rita, a cozinheira de sua mãe. Nos corredores da Pinacoteca estarão esculturas de grandes dimensões. E no vão central, a monumental escultura “Homem caminhando”, que integra o importante conjunto concebido para o projeto do hoje Chase Manhattan Plaza, em Nova Iorque, em 1960.

Essa exposição ficará em São Paulo até o dia 17 de junho. Depois segue para o Museu de Arte Moderna, no Rio de Janeiro, de 17 de julho a 16 de setembro, e encerra a temporada lation-americana na Fundación Proa, em Buenos Aires, de 13 de outubro a 9 de janeiro de 2013.

Biografia

Giacometti, nankin de Jan Hladík, 2002

Alberto Giacometti nasceu na Suíça, em 10 de outubro de 1901. Era o mais velho de quatro filhos do pintor impressionista Giovanni Giacometti, de quem o menino Alberto recebeu todo o incentivo para se tornar artista. Pintou seus primeiros trabalhos usando como modelos as pessoas de sua família ou seus colegas de escola. Depois da educação mais formal, ele foi estudar na École des Beaux Arts de Genebra, antes de ir para Paris em janeiro de 1922.

Logo no início, Giacometti participou de uma oficina com Antoine Bourdelle, na Académie de la Grande Chaumière, em Montparnasse, onde eu estive fazendo aulas de modelo vivo, em outubro de 2011. Alberto Giacometti descobriu o cubismo, a arte africana e a estatuária grega, que foram fundamentais para influenciar seu trabalho no futuro. Em dezembro de 1926, Giacometti foi morar na rua Hippolyte-Maindron número 46, em Paris, de onde nunca mais se mudou, apesar de ser um lugar pequeno e desconfortável. Embora a maior parte de sua produção tenha sido feita em Paris, Giacometti retornou frequentemente à Suíça, onde trabalhava na oficina de seu pai. Em 1927, expôs seus primeiros trabalhos no Salon des Tuileries.

Em sua vida parisiense das primeiras décadas do século XX, Giacometti se aproxima dos surrealistas e expõe com o pintor espanhol Joan Miró em 1930. Convive com intelectuais e artistas como Tristan Tzara, René Crevel, Louis Aragon, André Breton, Salvador Dali e André Masson, juntando-se oficialmente aos surrealistas de Paris em 1931. Ele também ilustrou livros de René Crevel, Tristan Tzara e André Breton.

A partir de 1935, Giacometti prefere voltar a um trabalho mais próximo da realidade, e aos retratos e naturezas-mortas. Quando ele ainda tinha 20 anos, havia feito uma viagem à Itália com seu pai, e a pintura de Tintoretto e Giotto foram uma grande revelação para ele. Foi nesse período, em 1935, que ele fez inúmeros desenhos da cabeça, usando seu irmão como modelo. Em seu atelier apertado da rua Hippolyte-Maindron onde também morava, era difícil pintar seus modelos: sua esposa Annette, seu irmão Diego e seus amigos, entre os quais Jean Genet (que escreveu o livro “O Atelier de Giacometti”).

Nesses estudos, ele se martirizava muito, apagava tudo o que fazia, corrigia, repetia tudo, se angustiava ao ver que os anos em que ficou longe do desenho agora lhe traziam dificuldades.

Durante o período em que durou a segunda guerra mundial, dizem, tudo o que Alberto Giacometti produziu caberia “em poucas caixas de fósforos”. Em dezembro de 1941 ele sai de Paris e vai para Genebra, onde continua a produção das esculturas minúsculas que havia iniciado em Paris. Ele sentia dificuldade em fazer esculturas grandes, e isso o incomodava. Mas só depois do fim da guerra é que ele consegue voltar a uma produção mais intensa e com figuras cada vez maiores. A forma de moldar cabeças e figuras como se tivessem sido esmagadas pelo espaço a seu redor, dá a impressão de que elas quase reduzem-se a esqueletos em movimento.

A partir de 1945, com a prática do desenho, Giacometti consegue criar figuras de tamanho grande, mas com esse aspecto de esqueletos compridos, alongados. São bustos, figuras em pé, imóveis, figuras em movimento. Em setembro de 1945, Giacometti retornou a Paris, e em 1949 se casa com Annette Arm. Somente em junho de 1951 realiza sua primeira exposição após a segunda guerra, em Paris.

Em 1948, Jean-Paul Sartre assinou o prefácio da primeira exposição de Giacometti em Nova York, “A busca do absoluto”. Após a metade da década de 1950, Giacometti volta-se para fazer cabeças, bustos e figuras. Representando a França na Bienal de Veneza em 1956, Giacometti exibiu uma série de figuras femininas. No final de 1958, ele recebeu um pedido para criar esculturas para onde hoje é o Chase Manhattan Bank, em Nova Iorque. Para este monumento, ele cria três elementos: uma grande mulher, um homem andando e uma grande cabeça.

Busto de homem

No final de sua vida, Giacometti foi um artista bastante reconhecido e ganhou diversos prêmios, como o Internacional Carnegie da Bienal de Veneza, em 1962.

Alberto Giacometti morreu em Chur, Suíça, no dia 11 de janeiro de 1966. Seu corpo foi transferido para Borgonovo, onde nasceu, e foi sepultado junto ao túmulo de seus pais. Sua viúva se dedicou a cuidar de sua obra, lançando as primeiras sementes da futura Fundation Alberto e Annette Giacometti Foundation, que abriga um grande número de pinturas e esculturas do artista, e um centro de pesquisa e documentação.

Serviço:

Exposição "Alberto Giacometti: Coleção da Fondation Alberto et Annette Giacometti, Paris"

de 24.mar a 17.jun 2012

Pinacoteca do Estado de São Paulo
Praça da Luz, 2 São Paulo, SP
Tel. (11) 3324-1000

Giacometti em seu ateliê