sexta-feira, 26 de agosto de 2016

Pequena história do autorretrato - parte II

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No final da Idade Média, especialmente entre os séculos XI e XV, grandes mudanças foram acontecendo em todas as áreas da vida humana. Houve um excepcional desenvolvimento econômico, demográfico, social e cultural em toda a Europa. O período expansionista europeu se intensifica com as Cruzadas e o avanço dos reinos cristãos reduzem o espaço do islamismo na Península Ibérica e pelo interior da Ásia. Se desenvolve o modo de produção feudal e surgem as primeiras cidades e seus primeiros burgueses, que crescem com aumento da demanda de produtos artesanais, e o comércio alcança largas distâncias. Nascem as feiras livres, as rotas comerciais terrestres e marítimas.

A Cruz de Mathilde, feito por Matilda,
abadessa de Essen (973-1011)
A arte românica e as primeiras manifestações da arte gótica são protegidas pelas ordens religiosas. A Europa se enche de mosteiros e nascem as primeiras universidades europeias: Oxford, Sorbone, Cambridge, Bolonha, Salamanca, Coimbra. A Filosofia retoma novo impulso com as traduções dos textos antigos, como os de Aristóteles e Platão, feitas pelos árabes, e com isso surge o filósofo Tomás de Aquino. O Direito Romano é redescoberto a favor dos reis, que se passam a considerar como “imperadores” em seus reinos. Os conflitos também crescem, com as revoltas camponesas contra os altos impostos que deviam pagar aos senhores feudais, e as guerras feudais são constantes.

Eram essas as primeiras manifestações do capitalismo comercial que se desenvolvia, em especial na Itália e nos Países Baixos. O comércio marítimo com o Oriente enriqueceu cidadãos italianos e europeus do norte. Novos ricos, negociantes, banqueiros, transportadores e grandes proprietários de terras criaram uma demanda que incentivou também a criação de ateliês. A arte já não estaria mais ao serviço exclusivo de reis e religiosos. O burguês também passou a encomendar suas pinturas.

As mulheres pintoras

Mas, neste post, nos voltaremos a dar um destaque especial para o papel das mulheres, que já então exerciam atividades variadas, desde a tecelagem, fiação, gastronomia e cuidados com os doentes. Mas o mundo das artes era interditado a elas, porque era considerado domínio dos homens.

Em muitos momentos da minha vida ligada à arte, me questionei sobre os motivos que fazem termos um domínio tão grande do sexo masculino sobre as artes. Muito pouco se conhece e se fala sobre mulheres artistas (já escrevi um artigo sobre isto, que pode ser visto aqui). Claro que isso merecia um estudo aprofundado, mas basicamente este fato não se deve à incapacidade intelectual da mulher em ser artífice de qualquer coisa; pelo contrário, durante muitos séculos era simplesmente proibido às mulheres o ofício de artistas, o que dá para se constatar a profunda cultura machista do mundo em que vivemos. Para o qual a Igreja Católica deu grande contribuição, com sua eterna política de relegar o papel da mulher ao mais subserviente lugar. Lembre-se que até a década de 1960 (!!!) era interdito, em muitos lugares, às artistas brasileiras (apenas para ficar no Brasil) a participação em aulas com modelo vivo nu, matéria altamente importante para a formação de qualquer artista. Vera França, uma senhora de cerca de 75 anos hoje, foi uma das primeiras mulheres a encarar a profissão de modelo vivo como forma de ganhar a vida.

Voltemos ao livro de Yves Calméjane, que abre um capítulo especial para as mulheres artistas.

Na Idade Média, mesmo no auge do período de florescimento cultural e de reforma educacional implementada por Carlos Magno (como vimos no post anterior), era proibido às mulheres também o acesso à Educação. Eram raras, portanto, as que sabiam ler; as que sabiam, aprenderam sozinhas e de forma escondida. Por isso os conventos se revelaram para elas lugares de relativa liberdade, onde elas tinham acesso a alguma formação intelectual e onde sua autoexpressão se manifesta.

As mulheres foram as grandes ausentes dos processos de criação artísticos e dos meios intelectuais em geral, por longos séculos… Mas mesmo assim, houve as que se rebelaram contra este sistema machista e excludente, e a elas vamos dar todo o destaque deste artigo atual.

Iaia de Cysique foi uma artista que trabalhou em Roma no século I a. C. Quem fala dela é o pensador romano Plínio, o Velho (ano 23 a 79 a.C.), que escreveu o texto “Mulheres também pintam”, onde ele cita vários casos de mulheres pintoras, entre elas Iaia de Cysique, célebre por seus retratos de mulheres, cujas obras eram vendidas por preços mais altos do que os de seus contemporâneos homens. Ela também teria feito seu próprio retrato, provavelmente o primeiro autorretrato da história... Plínio fala também de Marsia, “a mais célebre retratista de seu tempo” e de uma “certa Olimpia”, que teria sido professora de pintura. Iaia de Cysique foi redescoberta em 1361 graças a Giovanni Bocaccio, poeta e humanista italiano, em seu livro intitulado “As claras e nobres mulheres”.

Uma iluminura da monja Ende, séc. X
Por volta do século X, na Europa uma freira espanhola chamada Ende surge como autora de uma série de miniaturas que ilustram, em estilo moçárabe, a “Visão do Apocalipse de São João”, no Livro das Revelações. Ela assina em seu trabalho, por volta de 975: “Endre pintora e servidora de Deus”. Outras freiras, Diemud, Guda e Claricia, que viveram um pouco depois de Endre, tinham como referência a Iaia de Cysique, a artista romana.

Diemud ou Diemudis (1057-1130) era freira no Claustro de Wessobrun, na Alemanha, era ilustradora das iluminuras que enfeitavam os textos religiosos e se autorretratou numa letra “S”. Assim como ela, as freiras Guda e Clarícia, foram também luministas. Guda se retrata na letra “D” e escreve “Guda, pecadora, escreveu e pintou este livro”. Já Claricia não hesita em se desenhar em movimento, segurando a letra “Q”.

Hildegard von Bingen (1098-1179), abadessa, foi uma das grandes figuras intelectuais do século XII, dotada de muitos talentos, particularmente para a música e a ciência. Ela escreveu uma História Natural, dirigiu um hospício e diz-se que possuía dons de cura. Ela também era interessada em política e mantinha correspondências com poderosos da época.

Herrad Von Landsberg (1167-1195) era uma abadessa que dirigia o convento de Santa Odila em Hohenbourg, na Alsácia. Ela participou da realização da enciclopédia Jardim das Delícias, sobre conhecimentos bíblicos, morais e teológicos para o uso das freiras e ilustrado com centenas de miniaturas onde se encontra um autorretrato dela rodeada de freiras.

Pintura de Christine de Pisan
Christine de Pisan (1364-1431), que foi uma pioneira e uma das primeiras “intelectuais”, deplorou a situação de inferioridade das mulheres em seu livro “A cidade das mulheres”, escrito em 1405. Ela havia recebido uma efetiva educação, pelo fato de ser a filha do astrólogo de Carlos V. Em sua obra, Christine fala de uma utópica cidade onde as mulheres eram independentes e viviam em pé de igualdade com os homens. Ela fez menção também às pintoras, como Anastácia, uma ilustradora de luminuras parisiense que possuía grande reputação pela qualidade de seus desenhos, mas cujo trabalho não foi conservado.

Em 1528 na Itália, foi publicado o texto “O cortesão” escrito pelo humanista italiano Baldassare Castiglione, grande amigo do pintor Rafael. Este foi um livro que se popularizou bastante e nele o autor dizia - e recomendava - que os homens e mulheres deviam ser educados nas Artes Liberais em pé de igualdade e enfatizava que as mulheres deveriam participar ativamente do mundo das artes plásticas, literárias e musicais. Por causa deste texto, várias mulheres da nobreza puderam estudar. E claro que, por consequência, malgrado os freios sociais, houve uma floração importante de talentos femininos. Como elas não podiam, mesmo assim, participar de seções de estudos com modelos junto com os homens, todas elas passam a pintar seus autorretratos.

Autorretrato de Catarina van Hemessen
Sofonisba Anguissola foi uma das mais brilhantes aristocratas que soube aproveitar bem esta abertura. Junto com ela, Lavinia Fontana e Catarina van Hemessen começaram igualmente a se dedicar às Belas Artes e a se autorretratar. Mas elas não se retratavam sozinhas, mas sim como pintoras, musicistas ou leitoras, mostrando assim sua alta educação.

Mas havia ainda um grande entrave ao desenvolvimento e evolução da carreira feminina na pintura: a vida artística se dava nas Academias ou nos ateliês dirigidos por mestres, onde os aprendizes adquiriam conhecimento nas artes liberais, mas também aprendiam geometria e perspectiva, e sobretudo o estudo do corpo humano, seja com modelos vivos seja com cadáveres que se dissecavam. Mas às mulheres não era permitido participar… Uma ou outra mulher, quando era a filha de um desses mestres, participava dessas aulas, se fosse aceita pelos colegas.

Artemísia Gentileschi foi uma destas (leia post sobre ela aqui).

Ao norte da Europa também as mulheres pintavam, como as artistas Clara Peeters e Judith Leyster.

Então algumas conseguiram ter algum êxito, contornando de alguma forma os obstáculos, deixando para a posteridade retratos de mulheres que testemunharam a difícil participação ativa da mulher na sociedade, mostrando de forma clara que, apesar de tudo, eram mulheres de grande talento artístico.

Clara Peeters (1589-1657), nascida em Anvers, pintava desde seus 17 anos de idade. Se especializou em pintar a natureza e estudos de objetos, frutas e flores exóticas, compostos em naturezas-mortas. Mas também pintava retratos e fez autorretratos.

Judith Leyster (1609-1660), nascida em Harlem (atualmente faz parte da Holanda), era a filha de um cervejeiro local e não resta dúvida de que estudou com o pintor holandês Franz Hals (leia sobre ele aqui). Judith pintava paisagens, cenas do cotidiano e retratos. Ela foi uma das raras mulheres pintoras que participaram de guildas de artistas, em seu caso a Guilda de Harlem. Judith também teve diversos alunos em seu ateliê, prova de seu sucesso. Acabou casando-se com o pintor Jan Miense Molenart e se mudou para Amsterdam. Teve cinco filhos e com isso sua produção caiu bastante. Muito conhecida e prestigiada em seu tempo, ela foi progressivamente esquecida ao longo do tempo e da história da arte dominada por uma visão machista. Foi redescoberta em 1893 num quadro onde sua assinatura estava dissimulada sob uma falsa assinatura de Franz Hals. Mas ela foi uma grande pintora holandesa do século XVII...

Autorretrato de Judith Leyster (1609-1660)
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continua no próximo post
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Referência bibliográfica:
Histoire de moi - histoire des autoportraits, Yves Calméjane, Thalia Editions, Paris, 2006

terça-feira, 23 de agosto de 2016

Pequena história do autorretrato - parte I

"Narciso", Caravaggio, óleo sobre tela, 1594-96, 
Ao longo da história da arte, os artistas têm se dedicado - uns mais outros menos - a se autorretratarem. São conhecidos os muitos autorretratos de Rembrandt van Rijn, o grande pintor holandês. Pode ser puro interesse em sua própria imagem, pode ser algum tipo de narcisismo, pode ser simplesmente não ter um modelo ali na frente a não ser o próprio rosto do pintor, o autorretrato tem uma longa história.

Capa do livro
Em 2011, procurando aleatoriamente algum livro na seção de artes de uma livraria em Paris, um título me chamou a atenção: “Histoire de Moi - histoire des autoportraits”, de Yves Calméjane. Comecei a ler alguns meses depois, fiz muitas anotações, guardei. Tão bem guardado, que somente nestes dias encontrei novamente minhas anotações e então vou fazer o que já devia ter feito: transformá-las em textos para este Blog.

Como é um tema bastante vasto, mais uma vez vamos dividir este tema em vários pedaços de texto, para não cansar o leitor, seguindo a ordem do livro de Yves Calméjane, mas procurando retirar dele apenas a essência do que seja importante para este Blog. Se o leitor quiser se aprofundar, pode adquirir o livro pela internet, importando-o (referência bibliográfica segue abaixo).

Tão velha quanto a primeira sombra projetada sobre o chão, tão velho quanto a água da fonte onde homens e animais mataram sua sede e onde se reflete a sua imagem, o autorretrato é o fundador do pensamento – esta afirmação é de um dos primeiros teóricos da arte e pensador do Renascimento Leon Battista Alberti, que escreveu em 1435 em seu tratado “De Pictura”: “O inventor da pintura pode ter sido esse Narciso que foi transformado em flor, porque se é verdade que a pintura é a flor de todas as artes, então a fábula que se conta sobre Narciso é muito conveniente à pintura. O que é realmente pintar, se não a arte de beijar a superfície de uma fonte?”

Cézanne também dizia que “pintar é pensar com um pincel na mão”. 

Um dos diversos autorretratos de
Rembrandt van Rijn
No caso do autorretrato, o que se pergunta o pintor quando se vê diante do espelho: quem sou eu? Como é minha imagem, quando outros me vêem? O que dizem meus olhos sobre mim? Enfim, uma infinidade de respostas são possíveis a outro tanto de infinitas perguntas. No fundo, o que busca o artista quando se pinta a si mesmo: ou a fascinação com seu próprio retrato ou a desnudação de seu próprio ser. Sempre se volta ao jogo de Narciso e se dá vida ao velho mito: Narciso, o ser prisioneiro de sua imagem descoberta no reflexo no lago de águas tranquilas e frias. Sigmund Freud elaborou o conceito ligado a este mito, o de que o Narcisismo, mesmo que faça parte da constituição psicológica de cada um de nós, levado ao extremo gera sujeitos voltados para seu próprio umbigo. Nada que seja alheio à própria imagem pessoal, desperta interesse. 

Mas olhar para a própria face também significa se conhecer a si mesmo. Ver-se de perto, olho no olho. Se desnudar. Neste sentido, podemos nos lembrar de um outro mito, o de Mársias, o músico grego que ousou desafiar o deus Apolo e teve sua pele arrancada, seu corpo exposto literalmente.

“Nós somos convidados em efeito a não mais somente ver um ser que se adora e se perde em si mesmo, mas ao contrário, um buscador de identidade, que quer se conhecer a si mesmo, despreocupado com os ecos do mundo”, observa Calméjane. Na verdade há duas espécies de sujeito narcísico: um apaixonado pela própria imagem; outro fascinado pelo mistério de seu ser. Todos os mortais comuns como nós levamos conosco algum desejo de imortalidade.

Umas das características da pintura do autorretrato é de ser uma prática cultural, diz o escritor francês. Nós não encontramos autorretratos nem no mundo hebraico, nem no mundo árabe, nem no indiano. Na China e no Japão ele apareceu mas muito recentemente. É, pois, uma prática do mundo ocidental, advinda da cultura greco-romana. Concluímos: num mundo globalizado como o nosso atual, estes - e outros - valores da cultura ocidental se espalham por todos os cantos. Nunca se produziu tanto autorretrato como nos dias atuais, com a profusão de selfies e as auto-exposições nas janelas abertas das redes sociais.

Desenho na caverna de Lascaux, França
Os primeiros retratos humanos nasceram no fundo das cavernas, “o útero da arte”. No dia 12 de setembro de 1940, quatro garotos descobriram inscrições que datam de mais de 17 mil anos, na caverna de Lascaux, considerada por um padre (Henri Breuil, grande arqueologista e especialista em Pré-História), a “capela sixtina do paleolítico superior”. Eram desenhos que representavam seres humanos e animais. Também foi encontrado um verdadeiro bouquet de mãos humanas situado a 7 metros de altura, que datam de 12 mil anos, e foi descoberto por Luc-Henri Fage e Michel Chazine nas ilhas Keneeng, em Bornéu, Indonésia.

Há 12 mil anos, no período Neolítico, teve lugar a sedentarização do homem, surgindo novas profissões: os caçadores-coletores se transformam em agricultores e começam a construir suas moradias. Desenvolve-se a religião xamânica ou totêmica, que se manifesta através de esculturas ligadas a práticas rituais funerárias. A arquitetura e o artesanato nascem. Criam-se imagens de ídolos e deuses.

Na Grécia nasce a filosofia e o autorretrato.

A arte grega se desenvolve levando em conta a medida do homem como referência para todas as coisas, conceito que influenciou os artistas do Renascimento. Os gregos não separavam ciência e filosofia: Pitágoras, Thales, Heráclito, Parmênides, Zenon, Protágoras, Górgias, Sócrates e Demócrito foram pensadores que se sucederam entre os séculos VI e IV a.C. Eles sondavam o mundo que os cercava e lançaram as bases do pensamento ocidental. Foi em Atenas que apareceu uma das primeiras experiências de Democracia, onde “cada cidadão tinha a sua cota de poder”.

"Fidias mostrando o friso do Partenón a seus amigos", 1868,
pintura a óleo de Lawrence Alma-Tadema
Também na Grécia, Fídias – um dos maiores escultores conhecidos da antiguidade - realiza o primeiro autorretrato, e pagou um alto preço por isso, pois os gregos, seus contemporâneos, consideravam isso uma superestimação de si mesmo. Fídias, Péricles e Sócrates foram contemporâneos em Atenas, no séc. V a.C. conhecido como a Era de Ouro da Grécia. A Arte, o Poder e a Filosofia encarnados nesses três homens mostram que não surpreende que o verdadeiro nascimento do autorretrato, e então da afirmação do indivíduo, tenha acontecido na pátria da Democracia e da Filosofia. Mas foram todos os três repelidos: Fídias foi preso, Péricles morreu isolado de seus contemporâneos, enquanto Sócrates foi obrigado a tomar o veneno que lhe matou.

Fídias era também geômetra e foi capaz de controlar a perspectiva a tal ponto que ele deformou as colunas do Partenón para que, através de ilusão ótica, elas dessem sempre a aparência de equilíbrio, qualquer que fosse o ponto de vista. Acusado, portanto, de usar recursos destinados aos deuses com a finalidade de honrar a figura humana, Fídias foi levado à prisão, onde morreu.

Célebre mosaico bizantino
da Basílica de Santa Sofia,
em Constantinopla, atual Istambul,
Turquia 
Séculos depois ocorreu o declínio do Império Romano e o nascimento do Império Bizantino. Sucederam-se sociedades iconoclastas (que não permitiam o uso de imagens). No século VIII, o imperador Leão III suprime de seu palácio todas as representações de Cristo. O culto à imagem estava se excedendo, e ele o proíbe. Mas o Santo Sudário - pano onde se diz estar impressa a imagem de Cristo, por Ele mesmo - se mantinha muito bem guardado. Diz a fábula cristã que uma mulher chamada Verônica teria se apiedado do sofrimento de Jesus e teria lhe enxugado o rosto com um pano. Com isso, o rosto de Cristo teria ficado impresso no tecido. Foi o primeiro autorretrato da era cristã… Mas sobre esta mulher que virou santa na igreja, nada se sabe de biografia. Talvez tenha surgido de um certo jogo de palavras meio latino meio grego: “Vera” = verdade; “Icona” = imagem: Juntas, “verdadeira imagem” = "vera icona" = Verônica. Vai saber...

Em 743, após a morte de Leão III, seu filho o imperador Constantino, continua sua política iconoclasta ainda mais agressivamente. Ele convoca um concílio de bispos onde se estuda a dupla natureza de Jesus Cristo e manda condenar à morte quem possua ou venere um ícone. Houve uma verdadeira caçada e destruição de pinturas, mosaicos, relíquias e ícones durante todo aquele império. Mas havia o contraditório também. Outros pensadores cristãos diziam que as imagens podem levar o cristão a ter uma ideia da realidade “invisível”. São Teodoro Studita, um pensador da igreja bizantina, declara: “Através da imagem do Cristo, o invisível se faz ver”. Um argumento de inspiração nas ideias de Platão, que falava da imagem como símbolo de algo. Este monge foi preso e torturado por causa de suas ideias em favor das imagens.

Foi preciso aparecer uma mulher, mais tarde, para que se recuperasse o direito ao uso de pinturas de ícones. Irene, esposa de Leão IV, assume o poder após a morte do marido e, sendo favorável aos que defendiam o uso de imagens, convocou um concílio e inverte o jogo: agora é considerado um herege quem for contra o uso de imagens… Seguindo-se o império de Leão V o Armênio, volta-se a perseguição aos defensores das imagens. Mais uma vez uma mulher assegura o fim da iconoclastia: a imperatriz Theodora. Ela convoca uma missa solene na Catedral de Santa Sofia em 843 e restaura a ortodoxia no império Bizantino. Depois de mais de 100 anos de idas e vindas e de muito sangue derramado por causa da luta contra o uso de imagens, o ícone retoma seu lugar e começa a idade de ouro de Bizâncio…

O imperador Carlos Magno, na sequência, restaura o Império do Ocidente e durante seus 46 anos de reinado se produz o que ficou conhecido como o Renascimento Carolíngeo. Baseado numa enérgica reforma religiosa, o rei que nem sabia escrever, se ancora nas igrejas e conventos, onde o ensino se enraíza e se desenvolve. Houve um verdadeiro renascimento da literatura e das artes liberais, o trivium (gramática, retórica e dialética) e o quadrivium (aritmética, geometria, astronomia e música). Foi aí o berço das primeiras universidades, como a de Oxford no Reino Unido. 

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continua no próximo post
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Referência bibliográfica:
Histoire de moi - histoire des autoportraits, Yves Calméjane, Thalia Editions, Paris, 2006

sexta-feira, 29 de julho de 2016

A percepção da "coisa"

"Vênus ao espelho", Velázquez
“Esta coisa é a mais difícil de uma pessoa entender. Insista. Não desanime. Parecerá óbvio. Mas é extremamente difícil de se saber dela. Pois envolve o tempo. Nós dividimos o tempo, quando na realidade não é divisível. Ele é sempre e imutável. Mas nós precisamos dividi-lo. E para isso criou-se uma coisa monstruosa: o relógio.

(...) O relógio de que falo é eletrônico e tem despertador. A marca é Sveglia, o que quer dizer “acorda”. Acorda para o quê, meu Deus? Para o tempo, para a hora. Para o instante. Esse relógio não é meu. Mas apossei-me de sua infernal alma tranquila.

(...) Estou escrevendo sobre ele mas ainda não o vi. Vai ser o Encontro. Sveglia: acorda, mulher, acorda para ver o que tem que ser visto. É importante estar acordada para ver."

Clarice Lispector, em “O Relatório da Coisa”

Começo este texto sobre a percepção humana citando Clarice Lispector, a grande escritora brasileira que tem a capacidade de nos fazer enxergar - muitas vezes com certa angústia - o que há para ser visto do mundo...

Sim, porque não enxergamos direito.

"Autorretrato", Chardin, 1771
A visão humana ainda não se desenvolveu de forma plena ao longo de nossa evolução, segundo afirmou Harold Speed em 1924, no livro “Oil paintings techniques and materials”. Na arte - diz ele - muito mais é transportado à mente pelo olho do que imagens e sensações de cor. Mas pouca gente consegue ter consciência disso. Em geral, as pessoas veem menos do que há para ser visto. Diz ele que percebemos o mundo mais pelo toque do que pela visão e usamos o olhar apenas para conferir rapidamente a forma das coisas, muito mais do que as cores. Ao invés de enxergarmos as massas de cor, notamos mais a aparência sólida das coisas. A cor local de algum objeto qualquer sempre vai ser a forma como as pessoas descrevem os objetos, dizendo, por exemplo: “este vestido é verde”, ”esta mesa é vermelha”, “o céu é azul”, “as nuvens são brancas”... Só que a cor local varia enormemente ao longo do dia; mas ninguém descreve as diversas tonalidades de azul, amarelo, vermelho, ou seja, os valores de iluminação.

Muito lentamente temos desenvolvido a faculdade da visão, ao longo da evolução humana, enfatiza Harold Speed. “Abrimos os olhos gradualmente”.

Primeiro, desenhamos linhas que preenchemos com cor local. Muito tempo depois na história começamos a fazer os sombreamentos para indicar a forma e o volume das coisas de forma simples. Isso só aconteceu com o aparecimento do pintor italiano Botticelli, que viveu entre 1445 e 1510! Conseguir indicar a Luz e a Sombra dos objetos e figuras foi a grande descoberta técnica do século XV! Em seguida, incluímos as leis da perspectiva com os estudos de Masaccio e Leonardo da Vinci, que criou a técnica do sfumato, ou seja, a transição de valor entre a sombra e a luz em degradée, para dar mais volume às figuras.

Depois, ao longo dos últimos séculos, evoluímos para uma técnica que leva mais em conta o movimento das massas de cor e sua relação com a luz, do que os delineamentos alisados da arte acadêmica, da qual um dos maiores mestres foi o francês Jean Auguste Dominique Ingres. Ticiano introduziu esta forma de pintar, assim como Velázquez na Espanha, com pinceladas que se tornam livres das formas das coisas. Os pintores impressionistas do final do século XIX romperam com a forma delineada “onde erigimos nosso edifício técnico“ (Speed) e passaram a ver o mundo como padrões de cor. Na evolução da visão dos artistas seus olhos não enxergam mais objetos separados no espaço, como entes individuais e sem relação alguma com o seu entorno.

Mas… QUEM enxerga isso?

Muitos poucos!

Detalhe de pintura de Botticelli
A imensa maioria das pessoas ainda se liga na forma dos objetos e não importa se uma pintura segue a receita do delineamento acadêmico ou se ela tem seu foco nas massas de cor e valor. As observações vão ser sempre na mesma linha: céu azul, nuvem branca, mesa quadrada, mar verde, sol amarelo...

É preciso aprender a VER o mundo, pois a maioria não o vê:

“O espírito rítmico que pulsa através do universo e sustenta toda a vida mexe no fundo  do nosso ser e nos impele a buscar relação com a realidade invisível que espreita por trás do véu das aparências”, diz ainda Harold Speed. É este o estímulo básico do pintor. É, como diz James Abbot McNeill Whistler, artista norte-americano do século XIX:

“A Natureza é o teclado no qual o pintor interpreta”.

O que Clarice Lispector nos propõe, assim como Leon Tolstoi, o escritor russo, é o exercício da experiência do despertar. Despertar das banalidades do nosso cotidiano que está absolutamente impregnado de sentidos que não mais percebemos. Resgatar o olhar que se espanta com as coisas, recusando - mesmo que seja apenas como um exercício episódico - recusando as certezas. As banalidades, as trivialidades do dia a dia não podem obscurecer nossa percepção. É preciso pressentir o mistério aonde o óbvio parece dominar. É preciso desfazer os sentidos pré-determinados, tornados automáticos, e dirigir-se a horizontes inesperados; recusar os nomes impingidos às coisas pois as coisas não se resumem a seus nomes! 

“Acorda, mulher, acorda para ver o que tem que ser visto”, clama Sveglia a Clarice.

Pintura de Nicolai Fechin
Ir além do sentido já dado. Prestar atenção. Atenção. Parar e ver. Ver. Enquanto vemos somos vistos, pois a percepção é uma via de mão dupla, como nos mostram as observações científicas do mundo subatômico, onde as cadeias de relações entre tudo torna impossível um experimento que não sofra interferência do observador: “a realidade invisível que espreita por trás do véu das aparências” (Harold Speed).

Exatamente no ano de 1917 o escritor russo Victor Borissovitch Chklovski (1893-1984) publicou um texto intitulado “A Arte como procedimento” onde ele começa citando a frase “a arte é pensamento por imagens”. Neste texto, desenvolve a ideia que o tradutor brasileiro chamou de “Singularidade” e numa tradução francesa se dá o nome de “Estranhamento”. Esse conceito de Chklovski inspirou a estética teatral de Bertolt Brecht, por exemplo. Chklovski era amigo do poeta Maiakovsky e do escritor Maximo Gorki.

Segundo sua teoria, “o procedimento da arte consiste em obscurecer a forma, em aumentar a dificuldade e a duração da percepção” o que tem o efeito de causar um sentimento de estranhamento, como a visão de um estrangeiro. As imagens, segundo ele, agrupam objetos e suas funções heterogêneas e explicam o desconhecido pelo conhecido. Para ele, há que se fazer um resgate da Singularidade das coisas.

Mostra Chklovski que ao longo dos séculos as imagens pouco se alteram. Uma montanha ainda está lá (pelo menos as grandes), cadeiras e mesas servem do mesmo jeito, assim como camas, mares, pores de sol, planetas, céu, fogo… o ser humano… Todo o trabalho do artista é acumulação e revelação de novos modos de mostrar as mesmas coisas. Mas a cada vez que olhar, ver como se fosse novo!

“Se examinarmos as leis gerais da percepção - diz Chklovski - vemos que uma vez tornadas habituais, as ações tornam-se também automáticas. Assim todos os nossos hábitos fogem para um meio inconsciente e automático; os que podem recordar a sensação que tiveram quando seguraram pela primeira vez uma caneta na mão ou quando falaram pela primeira vez uma língua estrangeira e que podem comparar esta sensação com a que sentem fazendo a mesma coisa pela milésima vez, concordarão conosco”.

"Cristo e a tempestade", Rembrandt
Pois a Arte libera os objetos do nosso automatismo perceptivo:

- “Para devolver a sensação de vida, para sentir os objetos, para provar que pedra é pedra, existe o que se chama Arte”.

- “O objetivo da arte é dar a sensação do objeto como VISÃO e não como reconhecimento” (grifo meu)

- “O ato de percepção em arte é um fim em si mesmo e deve ser prolongado; a arte é um meio de experimentar o devir do objeto; o que já é “passado” não importa para a arte”.

Chklovski diz que o escritor Leon Tolstoi é um exemplo de artista que vê e mostra os objetos fora de seu contexto e de seu automatismo. Ele viola o ritmo automático, leva à não previsibilidade. Ele jamais se contenta em usar uma palavra que mantenha o leitor em sua posição mais cômoda. Não, ele arranca o leitor do movimento automático dos olhos sobre o livro. Se o leitor está distraído, não acompanha o texto de Tolstoi.

Um leitor distraído e acomodado não lerá com tranquilidade Clarice Lispector. Ela leva às entranhas... Um leitor ansioso jamais lerá "Grande Sertão: Veredas", de Guimarães Rosa. Há que se penetrar no mundo profundo do linguajar do sertão.

Um dos papeis do artista é, então, arrancar os cômodos de seu comodismo, obrigar as pessoas a tropeçar nas quebras de ritmo. Vivemos em um mundo que nos leva aos condicionamentos, ao automatismo cotidiano onde criamos nossa rotina robótica: acordamos, tomamos banho, café, pegamos o transporte, vamos ao trabalho (muitas vezes automático por si), almoçamos, conversamos trivialidades, vagamos pelas ruas com smartphones nas mãos e na atenção principal, retornamos a casa, vemos (ou não) tv, nos relacionamos com a família, dormimos… Fazemos enriquecer uma minoria, porque este automatismo todo interessa, e muito, ao sistema capitalista vigente...

O artista, então, é o que cria obstáculos, é o que surpreende, o que arranca do automatismo, mesmo que seja mostrando que “uma pedra é uma pedra”. E mostra que as as coisas estão diante de nós. Basta ver!

Paisagem com pedras de Gustavo Courbet
"Pescador no mar", William Turner
Natureza-morta de David Leffel
Pintura de Anders Zorn
"O Saltimbanco", de Antonio Mancini
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"Outra Margarida", Joaquin Sorolla
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"Lavabo", Antonio Lopez
"Sinfonia em branco", James McNill Whistler

quinta-feira, 30 de junho de 2016

Como se faz um artista?

"A criação de Adão", Michelangelo, 280 x 570 cm, 1508-12, teto da Capela Sixtina, Roma, Itália
Nossa civilização ocidental foi enriquecida com obras de arte maravilhosas, que nos inspiram e elevam. Ticiano, Caravaggio, Velázquez, Sorolla, Vermeer, Rembrandt, Anders Zorn, Ilya Repin, Sargent e tantos outros mestres, nos brindam com os  mais altos padrões de excelência alcançado em sua arte. Podemos dizer que alcançaram, através de seu esforço pessoal, a mais alta qualidade possível! Os pintores que se seguiam estudavam os anteriores, e a qualidade se mantinha, muitas vezes ultrapassando a geração anterior.

Estudo sobre desenho de Silverman, Mazé Leite
Mas o que faz de um mestre um mestre? Pode ter certeza que a receita principal são horas diárias de estudo, de pesquisa, de treino, de exercício. É estudar os grandes pintores e suas grandes pinturas. É conhecer o tempo em que se vive. É fazer da sua arte o seu ofício, é se tornar artesão, pensador, interpretador da realidade, criador. Para isso, não há atalho algum que nos permita dar um salto direto para alta qualidade a não ser dispensando muito tempo de nossas vidas a conhecer o mais profundamente possível os instrumentos de que precisamos para nos expressar.

Por isso, eu, meu ateliê e muitos outros artistas contemporâneos, insistimos em seguir este caminho. Em nosso caso significa desenhar, pintar, desenhar… e pintar. Estudar os instrumentos, saber das potencialidades de cada material, estudar a cor, a luz, os valores, as massas, as tintas, a combinação de temperaturas de cor, os pincéis, os mediuns, os carvões, os grafites, os papeis, as telas.

Na música, esta é uma prática absolutamente indispensável. Não se pode dominar um instrumento sem diariamente abraçá-lo algumas horas, estudando-o. Isto é questão incontestável entre os músicos. E por que não entre os artistas plásticos? Porque desde que se inventou que a expressão pessoal é “natural” e que não requer domínio técnico nenhum, rebaixou-se o valor do treinamento! Numa sociedade altamente individualizada como a nossa, é quase uma apostasia se dizer que não existe expressão pessoal sem domínio técnico. Quando é exatamente o contrário: o grau da minha expressão pessoal está diretamente vinculado ao conhecimento técnico que me permitiu adquirir repertórios de criação.

Estudo para pintura "O clown", Mazé Leite
O conhecimento técnico vem do exercício e da familiaridade que se vai adquirindo aos poucos com os instrumentos de trabalho. Para isso, se requer esforço, físico e mental.

Físico, porque há o gasto de energia do corpo. Esforço mental porque a mente tem que estar absolutamente focada. Conta-se que o violinista Nathan Milstein perguntou uma vez ao seu professor Leopold Auer quantas horas por dia ele deveria praticar. Auer respondeu dizendo: “Pratique com seus dedos e você precisará do dia inteiro. Pratique com sua mente e terá feito o mesmo tanto em uma hora e meia”.

A atitude de quem caminha os caminhos da arte é de se submeter a uma prática deliberada de estudo, o que significa estar focado no momento em que se estuda, em que se exercita. Focado nos conceitos, nos materiais, no ato de desenhar/pintar. Em nosso caso, no conceito das massas, do movimento da luz, no ritmo, na composição… A prática deliberada do desenho é uma atividade sistemática e altamente estruturada. Ao invés da tentativa e erro desatenta, é um processo ativo e profundo de experimentação com foco nos conceitos. Ela é um processo lento, que envolve esforço, que é cansativa, pois exige de nós uma quantidade grande de energia para manter a atenção completa na tarefa.

Estudo, Mazé Leite
Mas os ganhos são imensos! Na minha experiência pessoal, que venho mantendo há 8 anos o foco numa linha de pensamento pictórica, meus avanços neste tempo são impressionantes, mesmo que eu saiba o quanto ainda tenho a me aperfeiçoar! Muitas vezes acontece de terminar um desenho e ver que ele não está saindo do jeito que quero, mas isso só significa que preciso praticar mais. Sempre desenhei, desde criança, com alguns longos intervalos em que tive que parar. Mas meus avanços verdadeiros vieram desde que iniciei meus estudos com um professor (Maurício Takiguthi) que ensina a desenhar dentro de um conceito e não de forma aleatória. É desenho, mas desenho que não segue a forma, não se prende no detalhe, mas no movimento das linhas e massas. Desta forma eu também ensino a meus alunos no Ateliê Contraponto.

Há um mito que se espalhou pela sociedade: somente são possíveis de aprender a desenhar aquelas pessoas que nasceram com o “dom”, como algo vindo de Deus, o doador de dons… Mas desfazendo esse mito, na prática acontece que qualquer pessoa com um mínimo de inteligência é capaz de aprender a desenhar! Qualquer pessoa, repito. Se a pessoa consegue aprender a escrever, também consegue aprender a desenhar. Simples assim…

Os dois lados do cérebro

Há décadas, neurologistas pesquisam as diferenças entre os dois hemisférios do nosso cérebro, o esquerdo e o direito. Vou forçar aqui uma simplificação sobre a imensa complexidade do nosso cérebro (até porque precisaria de muito espaço aqui para aprofundar este assunto, o que não é o caso), mas a ideia básica é que a pesquisa neurológica diz que os hemisférios esquerdo e direito funcionam de forma independente um do outro: o lado esquerdo do cérebro é associado à lógica, à racionalidade, ao pensamento linear, à análise, à crítica, às regras, aos detalhes, ao planejamento e ao julgamento. Por seu turno, o lado direito do cérebro está associado à intuição, a sons, a imagens, a padrões de entrada cinestésica ou sensorial, às emoções, à "grande figura" (o todo), à associação livre e à criatividade.

Com base nesta informação, o modo de “pensar” (hemisfério esquerdo) parece mais propício para desenhar e pintar?

Criolo, Mazé Leite
Experimente desenhar inundado pela racionalidade do seu lado esquerdo do cérebro com toda sua capacidade analítica... Você pode até conseguir seu desenho, mas ele irá mostrar de que ponto de vista você partiu. Se você está desenhando um olho, sua mente crítica vai dizendo o tempo inteiro em que direção tem que ir pra ser um olho. Agora tente desenhar a partir do lado direito de seu cérebro: não importa se é um olho, uma casa, um animal, uma pedra: você verá as relações espaciais, os movimentos e direção de linhas e massas, os efeitos da luz. O resultado final será um olho, uma casa, uma pedra. Mas não importa muito o ponto de chegada, o processo é que é altamente importante! E, como resultado, compare os dois desenhos e responda: qual deles parece mais elegante, mais vivo, mais solto, com mais movimento?

O lado direito do cérebro nos faz funcionar em “fluxo”, percebendo o todo, mergulhando nas infinitas questões que vão surgindo ao longo do aperfeiçoamento como um campo de conhecimento novo que vai se abrindo na medida em que avançamos. “Aprender a desenhar é aprender a ver”, diz Beth Edwards, autora do livro “Desenhando com o lado direito do cérebro”, livro que nos inspira neste caminho.

Menino imigrante, Mazé Leite
Enquanto pratica, tente manter-se centrado no lado direito, evitando pensamentos que distraiam, mantendo o foco. Dá trabalho? Dá! Mas é assim que se consegue avançar. Não se preocupe com o resultado final: ele virá ao final do processo. O que importa é o caminho e não o objetivo final. Em geral, pessoas muito ansiosas precisam fazer um esforço imenso para se focar no processo e esquecer o resultado. Querem chegar lá de qualquer jeito e com isso atrapalham/atropelam o processo. Mas não existe atalho algum para se chegar lá! Há que se caminhar, um passo de cada vez, para alcançar o que se pretende. Mas o estudante que se mantém focado no processo é exatamente aquele que dará saltos de qualidade que podem parecer “mágicos”, que pode parecer que o cara tem o “dom”, que é mais “talentoso” e essas coisas que costumamos ouvir das pessoas leigas. Não há mágica! Se o artista é bom, ele sabe o quanto caminhou para chegar até ali! Ele sabe todo o empenho envolvido para alcançar um bom resultado!

É muito melhor curtir o processo, o caminho que se percorre em um desenho. Porque o trabalho final mostrará exatamente se a pessoa estava com seu foco no fluxo e não no ponto final. Uma pessoa focada no fluxo mostrará um desenho com movimento, com leveza, com elegância. Outra focada no objetivo final, em geral ansiosa, mostrará um desenho mais “duro”, mais travado, com interrupções de leitura...

"Atirou por que?", Mazé Leite
Uma dica boa para começar (em especial para os mais afobados): respire profundamente algumas vezes. Isto inverte a resposta do corpo ao estresse. Quando sob estresse, respiramos mais rápido, mais superficialmente. Quando respiramos (uma meia dúzia de vezes apenas) de forma profunda, enchendo completamente o corpo com o ar, expirando-o calmamente também, ativamos o que é chamado de sistema nervoso parassimpático, que estimula o organismo a responder às situações com calma, com a desaceleração dos batimentos cardíacos, a diminuição da pressão arterial, da adrenalina. O corpo e a mente se acalmam. A tensão muscular diminui, a pessoa se sente mais centrada, o que por si só já traz mais conforto e menos ansiedade. Quando estamos em estado de muito nervosismo, estresse, cansaço, ansiedade, é quando nos prendemos ainda mais às minúcias e aos detalhes. Nada mais descartável para um bom desenho! O bom desenho é resultado da visão do todo, da relação entre as diversas partes, externas e internas.

No momento em que nos permitimos esse estado de percepção mais total das coisas, nosso estado mental está propício para realizar o seu melhor, canalizando nossa energia para um desempenho dinâmico e inspirado. Esta é a forma como usamos nossa energia mental e física a nosso favor, e não contra nós.

A chave para o desenvolvimento pessoal como artista é: disciplina, persistência no treino, foco no processo. É como estar na praia: você não pode parar o movimento das ondas, mas você pode aprender a nadar, a surfar. Isto é FLUXO, isto é processo, isto é caminhar. Como diz um velho ditado: “O caminho se constrói caminhando”...





sexta-feira, 24 de junho de 2016

Medalha de prata

Acima e à direita de mim, os quadros premiados
O XXX Salão de Artes Plásticas de Arceburgo foi aberto neste último sábado, dia 18 de junho, às 20 horas no Instituto Cultural e Histórico daquela pequena cidade do interior de Minas Gerais. Eu estava presente, pois fui uma das ganhadores dos prêmios principais, a Grande Medalha de Prata, com duas pinturas a óleo: “O clown” e “O violinista”. Viajei para lá com minhas amigas, Taïs Isensee e Virgínia Moraes. Nos hospedamos em Mococa, na casa acolhedora de Rose Souza e dona Teresa, sua mãe.

Instituto Cultural e Histórico de Arceburgo
A abertura do XXX Salão de Artes Plásticas atraiu gente de vários lugares do Brasil. Na noite de sábado, dezenas de pessoas foram participar da inauguração da exposição e ver as obras de perto. Entre elas, eu, Taïs, Virgínia e Rose. Eu estava muito feliz! Foi um pequeno-grande sinal de que meu trabalho segue seu caminho certo, recebendo esta medalha…

O prédio do Instituto Histórico e Cultural de Arceburgo é muito antigo, uma construção do começo do século XX, mas muito bem cuidada, preservada. Desde 1985 abriga o Instituto, mas inicialmente foi uma fábrica de cerveja, depois uma alfaitaria e residência. O prédio foi tombado como patrimônio cultural da pequena e linda cidade de Arceburgo.

A medalha e o certificado
Enquanto caminhava, depois da festa, nas ruas iluminadas pelo arraial de São João, festejo que atrai muita gente dos arredores, de São Paulo a Minas, meus pensamentos recuperavam lembranças do meu trabalho de pintora. E dos caminhos que me trouxeram até aqui, passando pelo Ateliê Contraponto...

O tema do palhaço me toca pessoalmente, ainda mais quando conheci a verdadeira história dos saltimbancos e dos artistas de rua da Idade Média, em especial os da Commedia dell’Arte. O clown - palavra em inglês que tem um alcance maior do verdadeiro significado para o que chamamos de palhaço - é um personagem inspirado no Pedrolino das ruas da Roma do século XVI, que se transformou em Pierrot nas ruas do interior da França. Era um personagem melancólico, triste mesmo, porque amava Colombina, que preferia Arlequim… Eu tenho uma identificação qualquer com a melancolia do palhaço, aquele que faz rir...

Há anos este quadro reinava dentro de mim… Já tinha feito uns desenhos, pensado a respeito, pintado um ensaio num retrato de um menininho, filho de um casal de amigos, a quem presenteei com uma pintura em pastel. No ano passado vi uma foto do diretor do teatro Oficina, Zé Celso Martinez Correia, em atuação. Fiquei olhando para a foto… Zé Celso… Grande diretor e ator brasileiro, cuja personalidade intriga, incomoda, provoca, desnuda, escracha… Zé Celso é um grande palhaço. Passei meses procurando um pano com losangos coloridos que me servisse na composição do quadro. Ele veio… no carnaval! Estava na casa do meu amigo Jeosafá Gonçalves, poeta e também um pouco clown, e avistei o pano! Jeosafá me deu o pano e assim que voltei pra casa montei a composição, tracei os primeiros desenhos, coloquei a cara do Zé na cara do meu palhaço, pintei, pintei, pintei… Durante várias semanas. E o resultado veio agora: medalha de prata no XXX Salão de Artes Plásticas de Arceburgo!

Rose e "O violinista"
Paralelamente ao meu amor pela pintura há o meu amor pela música. É quase impossível desenhar ou pintar sem ter alguma música como pano de fundo para meu trabalho. Dos clássicos, ouço muito Bach, Mozart e Beethoven. E, claro, Heitor Villa Lobos, em especial as Bachianas, e os arranjos para violão. Gosto muito do som do violão e nestes últimos meses tenho ouvido dois grandes violonistas em especial, Guinga e Ana Vidovic, ele brasileiro, ela croata. Outras vezes coloco um Piazolla pra tocar seu tango argentino que me transporta para dentro da dramaticidade chorosa do tango com o qual me identifico também. Mas também minhas pinturas são feitas com as composições de Tom Zé, Jorge Mautner, Caetano, Chico, Criolo, Ná Ozetti, Monica Salmaso, Maria Gadu… Tem dias em que só ouço Tom Zé. Tem dias que ouço Jorge Mautner e Criolo. Tem dias que são de Chico. Ou de Caetano e Maria Gadu. Nos dias de maior melancolia, ouço Monica Salmaso... E assim vou acariciando minhas telas com os pinceis…

Precisava pintar um músico e o primeiro foi este violinista. A luz era boa, a expressão do homem era de profundo mergulho em seu mundo. “Ele está de olhos fechados - me disse uma senhora lá em Arceburgo, admirando-o - mas eu vejo seus olhos abertos, são olhos de músico!” Fiquei feliz com a interpretação dela, agradeci. Este será o primeiro de uma série de instrumentistas que pintarei daqui pra frente. Mas só pintarei aqueles que, como o violinista, deem a impressão de que podemos ler sua alma, ou ouvir sua música… O violinista também ganhou medalha de prata!


Agora é só pintar mais e mais. Um quadro já está bem encaminhado, no cavalete. “Il fascismo” é o título provisório. Minha inspiração veio destes tempos nebulosos em que vivemos sob ameaças reais e tempos difíceis se gestando no horizonte. É uma mulher, solitária, descalça, aparentemente frágil, caminhando sob terreno pedregoso que dilaceram seus pés, sob um céu tenebroso, ameaçada pelas aves de rapina que espreitam sua fragilidade mas temem sua grande força. A ver!

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Momentos da inauguração do Salão e do recebimento da Grande Medalha de Prata:



A mesa com os componentes da organização do XXX Salão de Artes Plásticas de Arceburgo


Taïs, eu, Rose









Taïs, eu e Virgínia